THE RING, LA SEÑAL

Titulo Original: The Ring
Año: 2002
Duración: 115 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Gore Verbinski
Guión: Ehren Kruger
Fotografía: Bojan Bazelli
Montaje: Craig Wood
Música: Hans Zimmer
Reparto: Naomi Watts, Martin Henderson, David Dorfman, Brian Cox, Jane Alexandre, Lindsay Frost, Amber Tamblyn, Rachael Bella, Dhannon Cochran y Daveigh Chase

Una joven muere en extrañas circunstancias una semana después de ver una rara cinta de video. Su tía, periodista, empieza a investigar el caso a petición de la madre de la víctima y descubre que otros amigos de la joven murieron al mismo tiempo que ella. Sus pesquisas le llevan a ver la cinta en la misma habitación donde la vieron los chicos tras lo que recibe una llamada de alguien que le anuncia que le quedan siete días.

Nos encontramos con el remake de Ringu, película japonesa que consiguió, merced a su original planteamiento, llegar al mercado occidental y convertirse en todo un film de culto, razón por la cual el anuncio de este reciente remake (reciente según los cánones de entonces ya que ahora estos remakes americanos de cine de terror oriental apenas si se distancian un año del original) no fue muy bien recibido por los admiradores del film de Hideo Nakata. Tildarlo de innecesario, de americanización o simplificación era algo más que tentador para un buen numero de aficionados, incluso tiempo antes de su estreno (todo un buen tema de análisis para el Plan 9 de Starman).

Una vez estrenada la película, la realidad era bien distinta. The Ring es una buena muestra de cine de genero, elegante y bien construida, cuya única pega es tratarse de un remake de una película tan reciente y solvente como es Ringu. Más allá de este incontestable hecho, tengo que declarar, pese a que más de uno se podrá escandalizar por ello, que considero la película de Verbinski superior al original, opinión que, desde luego, considero completamente subjetiva.

Para afirmar esto me baso en su mejor factura visual (cosas del presupuesto, vale), a su mejor manejo del ritmo y el desarrollo de la historia, al hecho de que ahonda más y mejor en la investiga- ción de los protago- nistas, a que se permite cambiar la historia donde se hace más obvia o a que elimina los poderes del "ex" de la protagonista (algo que resultaba forzado y poco creíble en el original)... Pero, principalmente, a que acojona mucho más. Todos estos motivos, reconozco, pueden ser discutidos fácilmente con el argumento de la originalidad, y no lo discuto, es verdad (pese a estar basada la película en una novela), incluso se puede resaltar que algunas escenas esta literalmente calcadas de Ringu, como es la del inicio, que salvo un par de planos de más es práctica- mente igual (algo que tampoco deja de ser un acierto, ya que esa escena es lo mejor de la versión nipona). En cualquier caso, aquí se vendría a discutir que es más importante en el arte, la originalidad o la ejecución.

La respuesta, obviamente, es personal, pero lo que si se puede afirmar es que con The Ring nos encontramos con uno de los pocos remakes de películas orientales de terror que no resulta lamentable (esperemos que se sume a esta escueta lista Mirrors).

RINGU

Titulo Original: Ringu
Año: 1998
Duración: 96 minutos aprox.
Nacionalidad: Japon
Color

Dirección: Hideo Nakata
Guión: Hiroshi Takahasi
Fotografía: Junichirô Hayashi
Montaje: Nobuyuki Takahashi
Música: Kenji Kawai
Reparto: Nanako Matsushima, Miki Nakatami, Hiroyuki Sanada, Yuko Takeuchi, Hitomi Sato, Youchi Numata, Yutaka Matsushige, Katsumi Maramatsu, Rikiya Otaka y Rie Inou

Tomoko muere en extrañas circunstancias una semana después de haber visto una extraña cinta de video. Su tía, periodista de profesión, empezara ha investigar su muerte y descubre que todos los amigos con que Tomoko vio la cinta murieron a la misma hora que ella. Tras encontrar la cinta y verla, recibe una llamada en la que le dicen que le queda poco tiempo: 7 días.

Estamos ante la película que abrió las puertas del terror oriental al mercado occidental, también la película responsable de que se comenzara con la oleada de remakes hollywoodenses de estos films, por lo que es justo que sea la primera de estas películas que se reseña en Dead Man Types (también me vale a mi haber tardado dos años en reseñar una de estas películas, pero es que no me suelen gustar).

La película en si destaca por su frescura y originalidad, la mezcla de cuento de terror tradicional, leyenda urbana que resulta ser real y con la tecnología más o menos moderna, era una combina- ción que poco o nada se había visto por occidente y que resulto ser todo un revulsivo en el propio cine de terror japonés (desde entonces a hoy han aparecido, y llegado a nuestro mercado, teléfonos móviles y ordenadores asesinos en una cantidad nada despreciable, tanto es así que el impacto y la originalidad de esta propuesta han acabado diluyéndose en un mar de secuelas, remakes e imitaciones.

En lo que respecta al film en si mismo, más allá de la originalidad, tanto de planteamiento como de su resolución, como de su fantástica escena inicial (calcada casi frame a frame en su excelente remake), nos encontramos con una solvente película de bajo presupuesto, que mantiene el suspense con su trama de investigación, muy en el estilo de Al Final de la Escalera, que pese a no estar del todo bien llevada, mantiene el interés y conduce la trama lo suficiente, pese a que la película se sostiene más en el suspense que genera la cuenta atrás hacia el final de la semana de la protagonista... Este es el aspecto que tal vez funcione menos del film y permite, junto a su mejor factura técnica y acabado visual, la justificación, más allá del aspecto puramente comercial, de su temprano remake americano.

En definitiva, una película muy interesante y uno de los mejores JHorros que nos han llegado, de una originalidad que creo escuela, hasta el punto de acabar en una moda insufrible.

EL ENTE

Titulo Original: The Entity
Año: 1982
Duración: 125 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Sidney J. Furie
Guión: Frank DeFelitta
Fotografía: Stephen H. Burum
Montaje: Frank J. Urioste
Música: Charles Bernstein
Reparto: Barbara Hershey, Ron Silver, David Labiosa, George Coe, Margaret Blye, Jacqueline Brookes, Richard Brestoff, Michael Alldredge, Rymond Singer y Allan Rich

Carla Moran vive con sus hijos en un suburbio de California cuando empieza a sufrir ataques y violaciones de un ser invisible. En un principio será tratada como un caso psiquiátrico, pero tras meses sin resultados y el testimonio de varios testigos, acudirá al departamento de parapsicología de la universidad en busca de una solución alternativa...
Basandose en uno de los casos más documentados y sorprendentes de la historia de la parapsicología (o de la histeria, según el experto) Frank DeFelitta escribió una novela que acabaría adaptando el mismo para el cine. No estamos ante un caso como puede ser el de El Exorcista, ligeramente inspirado en unos sucesos poco claros de los años 40, sino en algo más parecido al clásico telefilm de media tarde encabezado por el consabido "basado en hechos reales", siendo esta la principal baza con la que juega el film que, aunque mantiene el interés sin dificultad, cuenta con unas solventes interpretaciones y con algún que otro efecto ingenioso como el del torso prostético de Carla Moran, cae en una realización sosa y torpe, que llega a ser molesta por el abuso injustificado de planos inclinados (algo parecido a lo que ocurría con Campo de Batalla, la Tierra), que unidos a otros valores de producción algo justos, como la música o la fotografía, hacen sospechar que nos encontramos ante un telefilm (cosa que no he podido confirmar, pero que no puedo quitarme de la cabeza). Esto se hace especialmente patente en escenas como la del coche, donde la música como la realización nos escatiman el impacto de una secuencia que podría ser antológica y que viendo el resultado, no se puede dejar de sospechar que permanece en el film únicamente por que es esencial para explicar la aparición del psiquiatra en la trama.
Pese a todo lo dicho más arriba, nos encontramos con una película que no deja de ser interesante, que consigue mantener la atención del espectador en sus dos horas de duración y que cualquier aficionado al genero, aun en su vertiente más light, sabrá disfrutar aunque solo sea por lo poco habitual que es ver una película de un fantasma violador tratada seriamente.

LIBROS DE SANGRE Vol. 2

Titulo Original: Of Blood Vol. 2 y 3
Autor: Clive Barker
Primera Publicación: 1984

El segundo volumen de los libros de sangre (que equivale a medio volumen dos y el tercero completo en su edición original) de Barker sigue la misma linea del primer volumen, aunque le falta algún cuento con el poder de sugestión de En Las Colinas, Las Ciudades o tan impactante como El Tren Nocturno de Carne... Pese a esto, la originalidad y el buen hacer de Barker esta ahí, a la vista, creando esa atmósfera que todo lo distorsiona y le da cierta pátina de suciedad, como si las imágenes que evocan sus textos estuvieran cubiertas de oxido.
Bajo el sugerente titulo de Las Pieles de los Padres, el primer relato de libro, nos encontramos con un cuento de carácter marcadamente irónico plagado de criaturas Lovecraftians que, ademas, esconde una interesante mitología del origen del hombre.
Con Los Nuevos Crímenes de La Calle Morgue el autor hace un homenaje al maestro Poe en un cuento que solo por el titulo ya podéis imaginar que nos espera: París, terribles asesinatos y un particular asesino.
Hijo del Celuloide, es un homenaje al cine como Sexo, Muerte y Luz de Estrellas lo era al teatro. En el, un tumor crece en un cadáver alimentado por las imágenes que ve proyectadas en la pantalla tras la que se esconde. Una vez libre, acechara a clientes y acomodadores.
Con Rex Cabezacruda llega el más sangriento, y tal vez el más interesante, del los cuentos que compones ente volumen. En un pequeño pueblo de Inglaterra, transformado por los domingueros londinenses, un ancestral mal es liberado de su prisión por accidente y acabara con el pueblo en cuestión de un par de días.
En Confesiones del Sudario (de un Pornógrafo) un contable recto es engañado por un grupo de criminales y su vida queda destrozada. Al intentar vengarse es asesinado, pero su voluntad es férrea y se encarna en su propio sudario, material algo endeble, pero suficiente para cumplir sus propósitos.
Cabezas de Turco un grupo de jóvenes quedan encallados en una extraña isla a merced de la marea. El horror en el mar y la isla que aparece de la nada recuerdan a Lovecraft, pero la historia una vez arranca se mueve por otros derroteros.
Por ultimo, Restos Humanos cierra el volumen con una curiosa reelaboración del mito del Doppelgänger ambientada en un Londres de ladrones y chaperos.

En resumen, y como decía al principio, una recopilación muy interesante, más compensada que la primera, pero a la que le falta algún cuento realmente brillante o extraño para ser redonda.

EL ULTIMO ESCALON

Titulo Original: Stir Of The Echoes
Año: 1999
Duración: 99 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: David Koepp
Guión: David Koepp
Fotografía: Fred Murphy
Montaje: Jill Savitt
Música: James Newton Howard
Reparto: Kevin Bacon, Zachary David Cope, Kathryn Erbe, Kevin Dunn, Conor O'Farrell, Luisa Strus, Stephen Eugene Walker, Mary Kay Cook, Larry Neumann Jr. y Jennifer Morrison

Tras someterse a una sesión de hipnosis, el hasta entonces escéptico Tom Witzky empieza a tener visiones de una joven desaparecida en el barrio meses atrás que le pide ayuda... Poco a poco, y tras sucederse las visiones, se ira obsesio- nando con el misterio hasta descubrir la verdad...

Basada en una novela de Richard Matheson, El Ultimo Escalón es una clásica historia de fantasmas que molestan y asustan a los vivos con el fin de desvelar el misterio de su muerte y que se les haga justicia. Tema tan sobado, hasta el punto de haber llegado a ser recurrente en telefilms de sobremesa, y en principio tan poco prometedor, es llevado por Koepp con buen pulso y soltura, con una corrección formal fuera de toda duda y un buen control de los resortes narrativos, tanto en lo referente al guión como en la realización, apoyandose inteligentemente en la banda sonora de James Newton Howard, uno de los mayores puntos en favor del film. Pero si hay algo que realmente consigue que El Ultimo Escalón sea algo más que un tópico bien realizado es, sin duda, la interpretación de Kavin Bacon, que con la contención que le caracteriza compone un personaje creíble sin los típicos excesos interpretativos tan queridos en hollywood, incluso en los últimos compases de la película, cuando el juicio del personaje puede ponerse más que en entredicho... Ya lo dije cuando comentaba Temblores, la sola presencia de este gran actor, hace subir enteros cualquier film, de un modo similar a como lo hace John Cusack.

En definitiva, nos encontramos con una película que no es para echar cohetes pero que para quien comparta mi valoración sobre Bacon puede resultar fascinante.

LA NIEBLA

Titulo Original: The Fog
Año: 1980
Duración: 87 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: John Carpenter
Guión: John Carpenter y Debra Hill
Fotografía: Dean Cundey
Montaje: Tommy Lee Wallace y Charles Bornstein
Música: John Carpenter
Reparto: Jamie Lee Curtis, Adrienne Barbeau, John Houseman, Janet Leigh, Tommy Atkins y Nancy Loomis

La víspera del centenario del nacimiento del pueblo de Antonio Bay una extraña niebla se cierne sobre una pequeña embarcación. A la misma hora, en el pueblo, alarmas y dispositivos eléctricos se vuelven locos y en la iglesia el párroco descubre un documento que demuestra que el pueblo se cimento sobre un terrible crimen...
Rodada entre Halloween y Rescate en Nueva York, este cuento de fantasmas de corte clásico es una de las mejores películas de John Carpenter. Como es habitual en su cine, sobre todo en el de esta época, el uso del widescreen es soberbio, componiendo unos planos bellos pero naturales, la banda sonora es simple y poco espectacular pero tremendamente funcional y efectiva, y una planificación sencilla, perfectamente clásica, que prescindiendo de alardes y ángulos extraños, y de una forma difícil de explicar, supera la simple corrección formal y se convierte en una marca autoral per- fectamente reconocible.
Con todo, y pese a haber una prácticamente total unanimidad al considerar esta película como "una de las buenas" de Carpenter, hay un par de peros que la convierten en apreciada por todos pero favorita de nadie... Principalmente, la aparición algo temprana y explícita de los fantasmas, que le resta suspense a la trama (curiosamente estos fueron incluidos en las primeras escenas del film después del fracaso que supuso en su pase previo), las dudas expresadas en su momento acerca de la lógica de los fantasmas (es evidente que hay gente para todo) y el hecho de que no es una historia demasiado terrorífica, son las causas que justifican tal disposición del publico. Aun así, los aciertos de la película, más allá de la calidad del trabajo del director, actores y técnicos, son suficientes para que los defectos no enturbien su visionado (en realidad, lo que ocurre es que dejan a La Niebla por debajo de películas como La Cosa o En la Boca del Miedo). Aspectos como el poder de sugestión de la niebla o el mismo protago- nismo coral del film, olvidado por completo en el desastroso y reciente remake, que permite acentuar el hecho de que es toda la ciudad la que se ve amenazada por los fantasmas, son dos buenas muestras.
En definitiva, un clásico cuento de fantasmas bien planteado y mejor hecho que hará las delicias de cualquiera que este interesado en el genero y especialmente de los admiradores del trabajo de su director.

LIBROS DE SANGRE Vol. 1

Título Original: Books Of Blood Vol.1
Autor: Clive Barker
Primera Publicación: 1984

Clive Barker, que se dio a conocer al adaptar al cine su propia novela Hellraiser (The Hellbound Heart) en el año 87, había empezado su carrera literaria unos pocos años antes con una colección de relatos de terror que cuenta con 6 volúmenes titulada Libros de Sangre.
Este primer volumen, prologado por Ramsey Campbell, consta de 9 relatos en los que encontraremos desde el gore más explícito, no exento de elegancia, hasta una macabra comicidad no exenta de ironía, que unida a la sexualidad que muestra sin tapujos en ocasiones, hacen que este volumen sea una buena amalgama de temas y sensaciones que, ya sea por sugestión o por la fuerza de sus prosa, están siempre cubiertas de cierta patina de insania.
El primer relato es, como no podía ser de otra manera, El Libro de Sangre, que funciona a modo de declaración de intenciones y como portal al mundo de horrores que su autor nos ha preparado al lo largo de los 6 volúmenes.
Continua con El Tren Nocturno de Carne, relato en el que se da una potente vuelta de tuerca al psychokiller tradicional y que se muestra deudor de la obra de Lovecraft, sobre todo en sus últimos pasajes.
Con El Charlatán y Jack se mezclan el horror y el humor en la lucha que mantiene un demonio menor (el Charlatán) por apoderarse del alma de Jack, un gris comerciante de pepinillos.
El Blues de la Sangre de Cerdo, viene a ser una especie de relato sobre la locura colectiva y primitivos ritos sangrientos, ambientado en un reformatorio.
Sexo, Muerte y Luz de Estrellas es un relato de horror alrededor del mundo del teatro, que tan querido le es a Barker, no obstante su carrera empezó como escritor y director del medio.
Con En las Colinas, las Ciudades nos encontramos con un autentico espectáculo dantesco y sobrecogedor que le valió el premio British Fantasy al mejor relato corto.
Terror es un relato sobre eso mismo, el terror, en este caso desde una perspectiva psicológica y con cierta moraleja, es el mismo terror el que crea los monstruos a los que tememos.
En Acontecimiento Infernal se nos relata una decisiva batalla entre el bien y el mal que ocurre ante la mirada de millones de espectadores sin llegar a ser realmente percibida.
Y por ultimo, Jacqueline Ess: Últimas Voluntades y Testamento es un buen broche final que vuelve a la crudeza de los dos primeros relatos y aporta un poco más de terror al tema común de los poderes paranormales.

Esta antología de cuentos esta siendo publicada por La Factoría de Ideas en castellano, y no supone ninguna dificultad encontrar los tres primeros volúmenes publicados hasta la fecha.

CANDYMAN: EL DOMINIO DE LA MENTE

Titulo Original: Candyman
Año: 1992
Duración: 93 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Bernard Rose
Guión: Bernard Rose
Fotografía: Anthony B. Richmond
Montaje: Dan Rae
Música: Philip Glass
Reparto: Virginia Madsen, Tony Todd, Xander Berkeley, Vanessa Williems y Kasi Lemmons

Una licenciada esta preparando su tesis sobre leyendas urbanas y se encuentra con que una de ellas, la de Candyman (si dices 5 veces su nombre frente al espejo aparecerá detrás de ti y te matara con su garfio), puede esconder una terrible realidad al descubrir que en una barriada marginal se cree realmente en su existencia y se le atribuyen gran cantidad de asesinatos en la zona.
Partiendo de esta premisa, y de las diversas promociones de esta película, uno espera encontrase con un slasher de corte paranormal donde multitud de universitarios encontraran la muerte al pronunciar el nombre de Candyman a modo de juego, sin embargo, nos encontramos con un discurso bastante más autorreflexivo sobre las leyendas urbanas, entendidas como folklore moderno, de la necesidad de los mitos y de como los fantasmas precisan de la creencia de la gente para existir (esto ultimo a dos niveles, dentro de la historia de terror y en el mundo real, como el poder de la superstición). Todo este discurso es aportación de Clive Barker, autor de la novela original, que en esta ocasión se limita a ser productor ejecutivo dejando que sea otro el que dirija y firme el guión de su criatura. Dado que Barker, aunque eficiente en la creación de atmósferas, no es que destaque precisamente como cineasta, que delegue en Bernard Rose es una buena idea. Así nos encontramos con una película mejor acabada formalmente, pero que a la vez consigue esa sensación onírica y de irrealidad, gracias a la fotografía y la estupenda música de Philip Glass, que inundaba Hellraiser o Razas de Noche. Pese a esto, la cinta no es precisamente redonda, confusa en algunos momentos, algo indefinida en su final y con una estética que nos recuerda que los primeros noventa fueron aun peores para la moda que los 80, amen de la sensación de que la historia daba para mucho más, nos encontramos con un film solo apto, hoy día, para aficionados y cinéfagos, que repelerá a cinéfilos de pro y al publico mayoritario.
Solo un apunte más, y cuidado que es un spoiler, con la muerte de la protagonista y su herencia del poder de Candyman se produce una suerte de justicia social, ya que parece que Candyman solo asesinaba en su barriada marginal y que Helen lo hace en cualquier lugar o, mejor aun, en la zona rica de la ciudad.

THE KINGDOM

Titulo Original: Riget
Año: 1994/1997
Duración: 8 capitulos de 90 minutos aprox.
Nacionalidad: Dinamarca
Color

Dirección: Lars Von Tryer y Morten Arfrend
Guión: Tómas Gislason, Lars Von Tryer y Niels Vørsel
Reparto: Ernst-Hugo Järegård, Kirsten Rilffes, Holger Juul Hansen, Søren Pilmark, Ghita Nørby, Jens Okking, Otto Brandenburg, Anneving Schelde Ebbe, Baard Owe, Brigitte Raaberg, Peter Mygind, Vita Jensen, Morten Rotne Leffers, Solbjørg Højefeldt y Udo Kier

Ambientada en el hospital más prestigioso de Dinamarca, The Kingdom, es uno de los trabajos más interesantes de su director, Lars Von Tryer. Dejando de lado parte de su grandilocuencia habitual, en la primera parte de la serie nos relata una clásica historia de fantasmas y, aprovechando el formato serie, se permite elaborar una buena cantidad de subtramas que darán pie a una segunda parte cuando la historia principal ya este resuelta. Es a través de estas subtramas donde vemos el día a día del hospital y donde encontraremos las constantes del cine del director danés, todo ello aderezado con un, tal vez extraño o tal vez nórdico, sentido del humor que, mezclado con el terror, recuerda a la mítica Twin Peaks de Lynch.
El apartado formal juega un papel importante en la serie, como no podía ser de otra forma tratandose de un trabajo de uno de los padres del cine Dogma. La estética documental del día día del hospital, subrayada con la cámara al hombro, numerosos jump cuts (cortes bruscos dentro de una misma acción) y una crudeza aséptica en las intervenciones quirúrgicas, contrastan con el estatismo y la dilatación de las secuencias de terror. Todo ello, ademas, virado perpetuamente a un tono entre rojo y amarillo, que consigue mostrar la decadencia interna del propio hospital, que en la segunda parte será comparado con un animal herido.
Por otro lado, destacan los discursos del propio Von Tryer al acabar cada episodio, donde hace reflexiones sobre lo ocurrido en el capitulo y nos invita a ver el siguiente (incluso en el ultimo) convirtiendose en una constante inevitable de la serie como los "escoria danesa" del personaje que interpreta Järegård. En lo negativo esta lo irresoluto de algunas tramas, que quedan en suspenso en momentos críticos a la espera de una tercera temporada que nunca llego, y que ya es imposible que vuelva. Con todo, el final puede interpretarse como un colapso total si se prefiere, en lugar de uno momentáneo, e imaginar que todo acaba con muerte y destrucción, al menos en este caso se nos permite esto (y es que de nuevo me estoy acordando del final de Twin Peaks).

PESADILLA EN ELM STREET 3: LOS GUERREROS DEL SUEÑO

Titulo original: A Nightmare On Elm street 3: Dream Warriors
Año: 1997
Duración:
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Chuck Russell
Guión: Wes Craven, Frank Darabont, Chuck Russell y Bruce Wagner
Fotografía: Roy H, Wagner
Montaje: Terry Stokes y Chuck Weiss
Música: Angelo Badalamenti
Reparto: Heather Langenkamp, Robert Englund, Craig Wasson, Patricia Arquette, Ken Sages y Larry Fishburne

Mucho más lograda la segunda entrega de la saga, Los Guerreros del Sueño, pasa por ser la más divertida secuela de la genial Pesadilla en Elm Street. El argumento es sencillo, pero se ha convertido en prototipo de secuela de película de terror donde los haya, ambientada en un hospital psiquiátrico para menores de edad y retomando el personaje de Nancy Thompson, esta vez como psiquiatra especializada en trastornos del sueño y encargada del grupo de jóvenes acechados por Freddy, a los que enseñara a defenderse en los propios sueños. Este planteamiento que promete más acción y aventura que en los films anteriores supone una interesante vuelta de tuerca, totalmente lógica, que si bien hace que se pierda gran parte del elemento terrorífico de la primera (ahora parece posible vencer), la convierte en una secuela útil y justificada, en la que se aprovecha para indagar más en el pasado de Freddy. Si en la primera parte sabíamos por que acechaba a los niños de Elm Street, en esta parte se nos dan algunas claves del por que tras morir fue capaz de volver a matar a través de los sueños... Y es que parece ser que si uno es hijo de una monja violada cientos de veces en un corto espacio de tiempo, siempre puede volver a matar tras la muerte mientras su cadáver no sea santificado con una ceremonia religiosa y debidamente enterrado. Todo esto aderezado con unas secuencias de asesinatos que van de lo cómico a lo macabro, pasando en ocasiones por lo terrorífico, destacando la de la televisión y la de la marioneta, esta ultima uno de los mayores hallazgos del film, junto con el de la serpiente.
En lo que se refiere a las cualidades estrictamente cinematográficas del film decir que, aunque este muy por debajo de la primera parte, es perfectamente correcto, mantiene el ritmo en todo momento y nunca se hace farragosa. Eso si, la progresión de la relación de Nancy con el jefe de psiquiatría y como llega este a creer tan fácilmente la historia de Freddy no esta del todo bien traída, aunque tratandose de un escollo que había que solucionar rápidamente para llegar a lo que realmente interesa de la película, es un defecto fácilmente olvidable que no empobrece el conjunto del film, que, aunque esta lejos de la genialidad del original, sobresale por encima del maremagnun de secuelas que van de lo innecesario a lo insufrible.

AL FINAL DE LA ESCALERA

Titulo Original: The Changeling
Año: 1979
Duración: 109 minutos aprox.
Nacionalidad: Canadá
Color

Dirección: Peter Medak
Guión: William Gray y Diana Maddox
Fotografía: John Coquillon
Montaje: Lilla Pedersen
Música: Rick Wilkins
Reparto: George C. Scott, Trish Van Devere, Melvyn Douglas y John Colicos

Al Final de la Escalera pertenece a esa corriente del cine de terror que se genero, y tuvo sus mayores logros, en los años 70 y entre la que se cuentan films tan importantes como La Semilla del Diablo, El Exorcista o La Profecía. Una corriente del genero que a día de hoy parece agotada, ya que los últimos intentos han dado, en general, malos resultados. Pero los 70 eran otros tiempos, y Al Final de la Escalera esta considerada como una de las mejores películas de terror. De hecho, es uno de los films más referenciados en Los Otros de Amenábar, concretamente en las escenas de la sesión de espiritismo y la del piano, momentos cumbre de ambas películas. Y no es para menos, la sutileza y sobriedad que domina en el film, salvo en su final, son todo un ejemplo de saber hacer, que rozan la perfección en la corta y emblemática escena de la pelota. La dirección de actores se mantiene en el mismo nivel de contención, la situación personal del protagonista le confiere una riqueza a la historia y al personaje difícil de conseguir hoy día y la música es simplemente soberbia. Las únicas deficiencias de esta película están en un final incongruentemente pirotécnico (tampoco demasiado) y, tal vez, esa sensación de estar viendo una película para americanos bienintencionados (por no decir WASP). Aun así una magnifica película para aquellos espectadores que aun sean capaz de apreciar la sutileza, que por poco habitual en estos días se nos hace ajena (el Plan 9 de Starman me esta afectando).