HOSTEL 2

Titulo Original: Hostel: Part II
Año: 2007
Duración: 93 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Eli Roth
Guión: Eli Roth
Fotografía: Milan Chadima
Montaje: George Folsey Jr. y Brand E. Wilhite
Música: Nathan Barr
Reparto: Lauren German, Roger Bart, Heather Matarazzo, Bijou Phillips, Richard Burgi, Vera Jordanova, Jay Hernandez, Jordan Ladd, Stanislav Ianevski, Milan Knazko, Zuzana Geislerová, Ivan Furak y Monika Malacova

Tres estudiantes de arte americanas en Roma deciden ir un fin de semana a Praga. Tras un desgraciado incidente en el tren, una joven eslovaca las convence para que vayan a un pequeño pueblo conocido por sus aguas termales, una vez allí, se alojaran en nuestro conocido hostal... Al mismo tiempo, dos ejecutivos americanos contratan los servicios de la organización para "pasar a otro nivel"...

Esta temprana secuela de Hostel viene a ser más o menos lo mismo que la anterior, salvo por el hecho de que es todo lo contrario... No, no es solo que ahora las víctimas sean tres chicas y no tres chicos, lo que diferencia a estas dos películas son cosas más esenciales... Desde un primer momento resultaba evidente que no era muy coherente realizar la misma película cambiando solo el genero de los protagonistas (tal vez así hubiera respondido mejor la taquilla, pero eso ya es otra historia). Si la primera película se convertía en un survival setentero con un protagonista que huye de una organización y unos clientes de los que apenas sabemos nada (ni nos hace falta, que eso contribuye a generar tensión, lo mejor del film), tocando por el camino temas como la venganza desde una perspectiva seria e incluso melodramática a veces (ganándose una fama de pretenciosa, justificada en algunos momentos). En el caso de esta que nos ocupa, Eli Roth nos presenta a los clientes y el funcionamiento de la organización, retrasando de este modo el comienzo de la acción y perdiendo gran parte de la tensión y el suspense a cambio. Al mismo tiempo, los temas que trata en el film son otros y la forma de hacerlo también; ya no se puede acusar a Roth de pretencioso, aunque si de banalizar, y es que finalmente, decide tomarse a broma a si mismo y, ademas de algunos guiños durante la primera parte del metraje, la película opta por el delirio cómico/bizarro en los últimos minutos del film (con lo que pierde al 90% del publico general)...
En cuanto al tema de la sangre, pues ocurre como con la primera parte: Que la promoción hablaba de sangre y gore cuando (casi) no los había... En esta ocasión se ha hablado de más contenido explícito (cuando de hecho creo que hay menos), pero ni la escena a lo Elizabeth Báthory, ni las finales precisan de estómagos entrenados... Solo la suerte que corre un secundario (esto que sigue puede considerarse un pequeño spoiler, así que aviso) , el personaje que interpreta Stanislav Ianevski (Victor Krum en la cuarta entrega de Harry Potter), es realmente pertur- badora, incluso demasiado (fin de spoiler).

En definitiva, Hostel 2 se convierte en una violenta sátira del capitalismo salvaje que todo lo compra y todo lo vende, corrompiéndolo en el camino, que gustara a los que gusto la primera (aunque a alguno perderá), que odiara quien odiara ya Hostel y que tal vez consiga convencer a quienes no lo hizo la anterior por pretenciosa... Yo, personalmente, me quedo con la primera, aunque le concedo a Roth el hecho de que ha planteado la secuela de una de las mejores formas posibles y... ¡Que demonios! También me ha gustado.

LA CASA DE LOS HORRORES

Titulo Original: The Funhouse
Año: 1981
Duración: 96 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Tobe Hooper
Guión: Larry Block
Fotografía: Andrew Laszlo
Montaje: Jack Hofstra
Música: John Beal
Reparto: Elizabeth Berridge, Cooper Huckabee, Largo Woodruff, Miles Chapin, Shawn Carson, Jeanne Austin, Jack McDermott, Kevin Conway y Wayne Doba

Cuatro jóvenes, dos parejas, van a modo de cita a una feria itinerante, en la que casualmente aparecieron dos adolescentes muertas el año anterior en otra ciudad. Una vez allí, deciden quedarse a pasar la noche escondiéndose en el tren del terror, donde, ya cerradas las puertas, serán testigos de un asesinato...

La Casa de los Horrores empieza con una secuencia que "recuerda" tanto al comienzo de Halloween como a la mítica escena de la ducha de Psicosis, a excepción, por supuesto, de que a lo que estamos asistiendo es a una broma infantil. Es una escena que en manos de otro director resultaría un arranque patético y poco halagüeño, en manos del loco de Hooper se convierte tanto en un homenaje a dos de las cumbres del cine de Psicópatas, como en toda una declaración de intenciones que viene a afirmar que lo visto en esas películas no es más que un juego de niños. Después de esto, la pregunta esta clara: ¿Cumple lo que promete? Pues si y no. Si, si lo que observamos es toda su filmografía. No, si nos centramos solo en este film. Aun así es una película sobresaliente, sobre todo, por lo poco que se resiente de lo que en otros films serian fallos insalvables. Para empezar, la trama da poco juego, pero es innegable que Hooper se lo saca completamente. Pero lo que llama más la atención es que tarda más de cuarenta minutos en plantear la situación, algo que sería mortal de necesidad aquí es conducido de tal manera que no se pierde interés debido, principalmente, a los modos de su director, que consiguen crear un ambiente ominoso sin necesidad de introducir en esa primera parte nada terrorífico o misterioso, creando tensión de cosas tan banales como un ilusionista charlatán o, la más inquietante, pero no más que repugnante, caseta de los animales freaks.

En definitiva, se trata de un film menor dentro de los niveles de calidad anteriores a la devaluación del cine de este esencial director del genero, tal vez el más el más innovador de su época en lo que se refiere a sintaxis cinematográfica... Superior a sus últimos trabajos, inferior a otras obras suyas de los años 70 y 80.

VIDEODROME

Titulo Original: Videodrome
Año: 1983
Duración: 89 minutos aprox.
Nacionalidad: Canadá
Color

Dirección: David Cronenberg
Guión: David Cronenberg
Fotografía: Mark Irwin
Montaje: Ronald Sanders
Música: Howard Shore
Reparto: James Woods, Sonja Smits, Debbie Harry, Peter Dvorsky, Leslie Carlson, Jack Creley, Lynne Gorman y Julie Khaner

El director de una pequeña cadena de televisión, que ofrece pornografía y gore a sus espectadores, esta buscando algo nuevo e impac- tante. En su búsqueda da con Video- drome, una señal pirata capaz, no solo de cambiar la mente, sino la carne de las personas...
Si hubiera que reducir la obra de un director a una sola película, tarea harto complicada en el caso de los buenos directores, la elección tendría que tener en cuenta varios parámetros; ademas de la calidad cinematográfica del film, la originalidad e importancia del discurso serian elementos esenciales. Así, dentro del genero que aquí nos ocupa, para Tobe Hooper sería La Matanza de Texas, para Romero, La Noche de los Muertos Vivientes, y en el caso de Carpenter, la elección podría ser En la Boca del Miedo, principal- mente por la importancia y unicidad de su discurso. Fuera del Genero, con Kubrick, por ejemplo, sería 2001 y con Welles Ciudadano Kane. En el caso de Cronenberg la elección es, casi seguro, Videodrome, de nuevo por su discurso más que por su calidad (que la tiene, no me interpretéis mal).
Videodrome, lejos de ser una película redonda, tiene algunos problemas de ritmo (cosa grave en un film de hora y media) y estructura que quedan completamente eclipsados por el contenido subyugante de la cinta, que, no lo olvidemos, despacha en una sola escena las discusiones sobre los peligros de las imágenes videograficas, y la exposición masiva e indiscriminada a ellas, tal y como se siguen discutiendo hoy día, para pasar a plantearse unas teorías mucho más complejas sobre la futura evolución humana y su relación con la tecnología y, especialmente, los medios de comunicación. Y lo hace contraponiendo dos conceptos, similares pero dispares: Videodrome: Subyugación del individuo a la tecnología y a quienes la controlan. Y la Nueva Carne: Fusión simbiótica, simbólica o real, de hombre y maquina. Todo esto, es mostrado de forma cruda, compleja y abierta a interpretaciones, siempre presuponiendo la mayoría de edad mental del espectador, condición indispensable para su mensaje, resumido en una proclama repetida hasta 4 veces (dos de ellas al final) y ultima frase del film: "Muerte a Videodrome, larga vida a la Nueva Carne".

IT (ESO)

Titulo Original: It
Año: 1990
Duración: 180 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Tommy Lee Wallace
Guión: Lawrence D. Cohen y Tommy Lee Wallace
Fotografía: Richard Leiterman
Montaje: David Blagsted y Robert F. Shugrue
Música: Richard Bellis
Reparto: Harry Anderson, Dennis Christopher, Richard Masur, Annette OToole, Tim Reid, John Ritter, Richard Thomas, Tim Curry, Jonathan Brandis, Brandon Crane y Adam Faraizl

En Derry, cada 30 años, aparece un monstruo que cambia de forma (con predilección por la de un siniestro payaso) y asesina a niños de la localidad. Cuando los asesinatos se vuelven a producir, un grupo de amigos que venció al monstruo en los años 50, se reúne con la intención de acabar con el definitivamente.
Basado en la que posiblemente sea la novela más representativa de Stephen King, It es un telefilm de terror más que resulton. De hecho, para tratarse de un producto televisivo, es sobresaliente. Tommy Lee Wallace dirige una producción bastante cuidada, pese a las limitaciones del medio en lo referente a la ambientación de época (reducida a dos calles y al riachuelo), donde música, fotografía y montaje acompañan debidamente a una realización sin alardes pero efectiva. Entre los actores, alguna cara conocida de televisión y poco más, exceptuando, claro esta, a Tim Curry, pasándoselo estupendamente como el payaso Pennywise. El gran pero será seguramente ese camarón gigante del final del film, y es que el presupuesto de efectos especiales se ve que no era muy boyante, aun así el todo no resulta demasiado dañado... Un dato más, para los curiosos, una vez más, como en varias adap- taciones de novelas de King, se barajo el nombre de George A. Romero, pero una vez más su incapacidad para adaptarse a las normas televisivas supuso su salida del proyecto en un estadio muy temprano.
En definitiva, efectivo y eficaz, siempre que se tenga en cuenta que es un telefilm, como los del sábado por la tarde, solo que en lugar de basarse en hechos reales o en una novela de Mary Higgins Clark lo hace en una del llamado Maestro del Terror.

LA GORGONA

Titulo Original: The Gorgon
Año: 1964
Duración: 83 minutos aprox.
Nacionalidad: UK
Color

Dirección: Terence Fisher
Guión: John Gilling
Fotografía: Michael Reed
Montaje: Eric Boyd Perkins y James Needs
Música: James Bernard
Reparto: Peter Cushing, Christopher Lee, Richard Pasco, Barbara Shelley, Michael Goodliffe, Patrick Troughton, Jack Waston, Jeremy Longhurts, Toni Gilpin

En una pequeña localidad alemana se vienen sucediendo una serie de misteriosos crímenes, las víctimas aparecen convertidas en piedra. En el ultimo caso, se aprovecha el suicidio de un forastero, novio de la ultima víctima, para llevar el caso a juicio y declare culpable.... El padre del joven, convencido de su inocencia, permanecerá en el pueblo, a pesar de la hostilidad de habitantes y autoridades, para averiguar la verdad y limpiar el nombre de su hijo...
A un simple vistazo, La Gorgona, es una rareza dentro de la producción de terror la Hammer. Su innegable calidad, no obstante es obra del singularmente talentoso Terence Fisher, no ha sido suficiente para dejar una huella en la memoria del publico, como lo hicieron La Momia, Frankenstein, el Hombre Lobo y, sobre todo, Dracula. Tal vez sea la naturaleza del monstruo, una criatura mitológica desgajada de su entorno original, nunca antes planteada y nunca después revisitada, la que impide esa fantástica familiaridad que si se produce con otras películas de la factoría británica. Curiosamente, la estructura del relato que se nos plantea en La Gorgona permite sustituir la criatura mitológica por la figura del licántropo, sin resentirse la historia y, seguramente así seria considerada como una de las cumbres del director. Pero, de ese modo, perdería ciertos elementos, a nivel de simbología principalmente, que le harían perder su singularidad y, paradójicamente, nos encontraríamos con una obra menor de lo que es. Lo que vengo a decir con todo esto es que, lo que hace a La Gorgona ser un film especial y original también la relega a un segundo plano, convirtiéndose en un film normalmente olvidado y, por consiguiente, raramente valorado justamente.
Ademas de todo esto hay otros aspectos de la película que merecen ser resultados. Como el peculiar intercambio de roles entre Peter Cushing y Christopher Lee. El hecho mismo de que los protagonistas se enfrenten más a la negación del problema por parte de las autoridades del lugar, no solo las policiales, sino también, y en mayor medida, a las intelectuales. Las propias motivaciones de esta negación por parte del personaje de Cushing, finalmente el claro antagonista del film, relegando a la Gorgona a un segundo lugar. Y sin olvidar los aspectos formales, la consabida calidad escenográfica, el color y la magnifica puesta en escena, que siempre han de esperarse de Fisher unida a la banda sonora de un James Bernard en estado de gracia que a más de uno le hará recordar el Dracula de Coppola. Mi recomendación, por tanto, es casi, si no directamente, imperativa.

LA PROFECIA

Titulo Original: The Omen
Año: 1976
Duración: 110 minutos aprox.
Nacionalidad: USA, UK
Color

Dirección: Richard Donner
Guión: David Seltzer
Fotografía: Gilbert Taylor
Montaje: Stuart Baird
Música: Jerry Goldsmith
Reparto: Gregory Peck, Lee Remick, Billie Whitelaw, David Warner, Harvey Stephens, Patrick Troughton, Martin Benson, Robert Rietty, Tommy Duggan y John Stride

Robert Thorn oculta a su esposa que su hijo ha muerto al nacer y que ha sido sustituido por un bebé huérfano. Damien, que es como llaman al niño, crece entre algodones como hijo del embajador americano en Londres, hasta que en su quinto cumpleaños su niñera se suicida ante todos los invitados... Es entonces cuando aparece un extraño sacerdote que le dice a Robert que su hijo es el Anticristo.
La Profecía es una de las piezas clave (junto con La Semilla del Diablo y El Exorcista) de ese cine de terror, algo acomplejado, dirigido al publico mayoritario que se dio en los años 70 y cuyo ultimas referencias a tener en cuenta son Al Final de la Escalera y, en menor medida, Poltergeist o El Resplandor (estas ultimas más por el publico al que fueron capaces de atraer que por su factura o contenidos). Un producto claro de la Serie A de la época, muy alejado de lo que se hacia entonces en la Serie B (La Matanza de Texas o La Última Casa a la Izquierda). Enfocada en gran medida como un thriller y tomando la estructura de una investigación que realizan sus protagonistas para esclarecer los orígenes de Damien y así averiguar que esta pasando, La Profecía huye, salvo en en la escena del cemen- terio, donde se producen importantes revelaciones, o en sus minutos finales, de los resortes clásicos del genero. Su fuerza y atractivo surgen de otros aspectos, principalmente un reparto espectacular, encabezado por Gregory Peck, cuyos hombros sostienen en gran medida el film, la fotografía y el sobrio, pero eficaz, montaje, a la altura de la realización de Donner (en lo que es, no olvidemos su primer trabajo cinematográfico) y la soberbia música de Jerry Goldsmith, con la que gano por fin su único Oscar entre unas 17 nominaciones a lo largo de su carrera.
Una pieza clave del terror americano, que derivo en una saga irregular pero bastante digna, y cuyo remake esta totalmente injustificado por que, aun 30 años después, su fuerza y atractivo permanecen intactos...

HELLBOY

Titulo Original: Hellboy
Año: 2004
Duración: 122 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Guillermo del Toro
Guión: Guillermo del Toro
Fotografía: Guillermo Navarro
Montaje: Peter Amudson
Música: Marco Beltrani
Reparto: Ron Perlman, Rupert Evans, Karel Roden, Selma Blair, John Hurt, Doug Jones, Jeffrey Tambor, Brian Steele, Ladislav Beran, Bridget Hodson y Corey Johnson

A finales de la segunda guerra mundial Hitler recurre al ocultismo para intentar dar la vuelta a la guerra y, valiéndose de Rasputin, invocar una fuerza demoniaca capaz de barrer a sus enemigos... El ejercito americano consigue sabotear la operación, pero no antes de que un bebe demonio (Hellboy) cruce el portal. Ya en nuestros días, Hellboy es el agente más valioso de una agencia secreta gubernamental que trabaja en el campo de lo paranormal...
Tras la solvencia que demostró Guillermo del Toro en esto de la adaptación de cómics con Blade II, pudo permitirse encarar su deseado proyecto de Hellboy de la forma que quería hacerlo, y que de otro modo no hubiera sido posible (el protago- nismo de Ron Perlman o la activa colabora- ción con Mike Mignola, creador del cómic original). Esto, unido al hecho de que rechazara proyectos tan lucrativos como la tercera entrega de Blade (otro gallo hubiera cantado) o la tercera entrega de Harry Potter (te gusten o no te gusten, dirigir una es para ponerte en casa), que paso a manos de su compatriota Alfonso Cuaron, otorgaron al film una cierta fama de película de autor. Y en realidad lo es, ya que la idea de hacer Hellboy, como el mismo guión, son del propio director, pero también ocurre lo mismo con, por ejemplo, Alien Vs. Predator y a nadie se le ha ocurrido hacer un comentario en esa dirección...
Ya, entrando en lo que es la película, como adaptación del cómic, decir que es fiel en espíritu y esencia, aunque incorpora cambios de vital importancia, sobre todo en algunas relaciones de personajes o en la inclusión de Kroenen en esta historia, que lejos de molestar al lector le aportan esa pizca de algo más que a muchos les falto en Sin City (a mi no, la verdad) y a otros les sobro en 300 (ahí si me incluyo), pero que en este caso no queda duda de que es para bien. Siguiendo por los aspectos de la pre- producción, el diseño de personajes y criatura es más que bueno, el caso de H.B. es, ademas, un claro ejemplo de acierto de casting. Tanto montaje y fotografía, así como la música, dan un paso más allá que en Blade II y en lo que se refiere a FX e nivel es bastante alto (permitiendo la convivencia de tradicionales animatronics con CGI). Lo curioso del film, es que en un primer visionado me dejo bastante frío pero desde el segundo y más ahora con el tercero, me he convertido en un autentico entusiasta... No se si se debe a que el día que la vi no estaba receptivo, si mi gusto ha empeorado desde entonces o si se trata de una película que gana con los visionados (cosa habitual con las películas que se ven con una imagen preconcebida que no se ajusta a la realidad, común entre las adaptaciones), pero el caso es que he de recomendarla tanto o más a aquellos que la vieron y no les convenció como a quien aun no la haya visto... Y es que mi experiencia personal podría repetirse en otros.

SEGUNDO SANGRIENTO

Titulo Original: Split Second
Año: 1992
Duración: 90 minutos aprox.
Nacionalidad: UK
Color

Dirección: Tony Maylam
Guión: Gary Scott Thompson
Fotografía: Clive Tickner
Montaje: Dan Rae
Música: Stephen Parsons y Francis Haines
Reparto: Rutger Hauer, Neil Duncan, Kim Cattral, Pete Postlethwaite y Michael J. Pollard

En el año 2008, debido a la contaminación y al cambio climático, Londres esta sumido en una noche perpetua y la City completamente inundada... En este escenario, un policía poco ortodoxo busca a un asesino en serie que arranca el corazón a sus víctimas...
Segundo Sangriento es una serie b de bajo nivel que, sin embargo, llega a atrapar la atención del espectador... Empezando por su protagonista, interpretado por Rutger Hauer (el Nexus 6 de Blade Runner), nos encontramos con toda una serie de tópicos recogidos del genero de acción, sobre todo de las películas de parejas de policías, hasta tal punto, que por momentos parece que estemos ante una película de McBain... Combinado esto, en un principio, con el subgénero de psychokillers y, por último, con el clásico monstruo cazador de personas. Monstruo que recordara físicamente al de Alien pero introducido en un escenario y situaciones más propias de Depredador 2. Además, las interpretaciones nunca pasan de ser correctas (salvo Hauer, que cumple viviendo de las rentas de otros papeles anteriores), los personajes son tópicos y el guión poco trabajado... Y aun así, la película consigue mantener el interés del cinefago, debido a la inteligente dosificación de la información sobre el asesino y, es que si hay un punto fuerte de la película, este es su estructura, que puede permitir mantener el interés en el relato cuando todo lo demás no funciona...
Decididamente para ser una buena película, a Segundo Sangriento, le falta mucho... Tal vez si sus responsables hubieran sido más descarados y bizarros hubieran conseguido todo un clásico de cine trash, pero tampoco es el caso. Aun así, recomendable para aquellos que puedan ver una buena mala película y disfrutar de las buenas ideas de una producción algo casposa...

DEXTER (1ª TEMPORADA)

Titulo Original: Dexter
Año: 2006
Duración: 12 capítulos de 51 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Michael Cuesta, Tony Goldwyn y Robert Lieberman
Productor Ejecutivo: James Manos Jr.
Guión: Jeff Lindsay y James Manos Jr. con: Daniel Cerone, Melissa Rosenberg, Drew Z. Greenberg, Lauren Gussis, Kevin Maynard y Timothy Schlattmann
Fotografía: Romeo Tirone
Montaje: Padraic McKinley y Scott K. Wallace
Música: Daniel Licht
Reparto: Michael C. Hall, Jennifer Carpenter, Julie Benz, Lauren Velez, Erik King, James Remar, David Zayas, C. S. Lee, Christian Camargo, Mark Pellegrino, Brad William Henke y Mark L. Young

Como forense especialista en sangre de la policía de Miami, Dexter esta fuera del caso del asesino en serie más notable de los últimos años al encontrase sus víctimas siempre troceadas y previamente desangradas... Pero como asesino en serie, Dexter siente una vinculación especial con el enigmático psicópata...

Emitida durante el año pasado en la cadena por cable Showtime, casa de la serie Masters of Horror, Dexter es una de esas series con una linea argumental principal que se desarrolla lo largo de todos los capítulos (en este caso se trata, por fortuna, de una temporada autoconclusiva, al contrario de lo que ocurre en, por ejemplo, Perdidos) y que, al mismo tiempo, aprovecha el formato serie para desarrollar una cantidad de subtramas que de mayor o menor duración, pero que aportan color a los secundarios y, lo más importante, permiten explorar más la mente del protagonista... De hecho, este es el aspecto más interesante y particular de la serie, las voces en off del protagonista, con sus pensamientos y reflexiones sobre su carencia de empatía o sentimien- tos, que, junto con el ambiva- lismo moral que deriva de contar con un personaje tal como protagonista, ponen a prueba al espectador, sobre todo en sus primeros capítulos, pasados los cuales, el suspense de la propia trama es perfectamente capaz de mantener la atención...
Cabe destacar, ademas, la calidad del guión (adaptado de la novela El Oscuro Pasajero), que se mantiene al nivel de la propuesta, una factura de buena calidad tanto en la realización, la fotografía, o la edición, como en la música (tema principal realmente atractivo) o la eficiente plana actoral, que hacen de Dexter una serie a tener muy en cuenta, pero de difícil difusión en nuestro país, que acabara limitandose a canales temáticos o altísimas horas de la madrugada....

Solo una cosa más, aquí tenéis la cabecera que describe a la perfección el tono de la serie...

UN REPASO A LA FILMOGRAFIA DE JOHN CARPENTER 3: UNA DE CAL Y OTRA DE ARENA

...Empieza aquí. ...Viene de aquí.

Por fin, ya tenemos aquí la última parte de este articulo en el que se pretende ofrecer una vista general de la filmografía de John Carpenter, uno de los directores de cine de terror y fantástico más importante de las ultimas décadas...

Tras dos años del estreno en televisión de Body Bags, en 1995 aparece El Pueblo de los Malditos, remake del clásico de Wolf Rilla del mismo titulo. Aun aportando a la clásica historia la paranoia corporativa, tan en boga por esos años, y un giro interesante sobre el alienígena desparejado, es para mi la cinta más decepcionante de Carpenter... Pocos alicientes, salvo la presencia siempre curiosa de Mark Hamill y el protagonismo de Christopher Reeve, es una película que adolece de una tremenda falta de ritmo que se desmonta por todos lados, y que no levanta ni por donde las peores películas de J. C. lo hacen.

Tal vez para acallar su mala conciencia por su anterior película, Carpenter nos presenta ese mismo año, En la Boca del Miedo: De inspiración Lovecraf- tiana, sin basarse en ninguna de las obras del escritor, se trata de una de sus mejores películas (aunque cuenta con una gran cantidad de detractores). En ella, no solo se limita a plasmar inteligentemente las constantes de la obra del escritor de Providence, si no que realiza una importante reflexión sobre la relación de la ficción y la realidad, sobre la creación y sobre el poder humano de crear dioses y monstruos... Mención especial merece Sam Neill, su protagonista, que consigue darle al conjunto un elemento cómico soterrado sin perder la tensión en ningún momento.

Un año antes de que 1997, Rescate en Nueva York, quedara completamente y definitivamente anticuada, es decir, en 1996, aparece en los cines su particular secuela/remake/parodia 2013: Rescate en L.A.. En ella volveremos a ver a Kurt Russell interpretando a Sanake Pliskin y reviviendo las mismas situaciones que en Nueva York dadas la vuelta y retorcidas de forma cómica... Imposible de tomarse en serio y, por esta razón, considerada por muchos como menor que la original, goza de unas cotas de diversión en estado puro, que ninguna otra cinta de Carpenter ha conseguido, no solo por su comicidad, acción y cachondeo sano, si no debido a un ritmo que hace empalidecer al, por otro lado notable, de su predecesora y solo comparable al de Golpe en la Pequeña China. Ademas, para los que busquen argumentos más "serios" para alabarla, su critica política es más directa (aunque por ello menos efectiva), superando las cotas de Están Vivos...
La cuestión final sobre este film es: ¿Para cuando 2025: Rescate en Springfield?

Ya en el año 98, Carpenter toma uno de los mitos más sobados del cine de terror en, la para mi estupenda, Vampiros. En ella James Woods, interpretando a Kurt Russell (en que estaría yo pensando), se nos presenta como el líder de uno de los equipos de cazavampiros al servicio del Vaticano, que tras perder a su equipo se enfrentara, junto con una prostituta a medio camino de la transformación, su único hombre que quedo con vida y un cura novato en esto del vampirismo, contra nada más y nada menos que Dracula, digo Valek (en que estaría yo pensando otra vez) el primero de todos los vampiros. La película, como en otras ocasiones en su filmografía, tiene un gran sabor a Western, subrayado esta vez por el la ubicación de la trama, la fotografía y la música... Algún pero tiene Vampiros, y es ese final tan abrupto de la secuencia de la ceremonia hacia el final del film, una nimiedad, en el fondo, pero que deja un mal sabor de boca, después de haber visto secuencias tan espectaculares como la de la matanza en el motel...

Después de otro largo paron, en 2001 llego la, en general, poco afortunada Fantasmas de Marte, una película que de tan sosa y poca cosa que les quedo, decidieron deconstruir el montaje eliminando cualquier acción paralela, recurso que, aunque funciona y eleva el nivel de la película, se aprecia como forzado e, incluso, innecesario... Con una trama algo ridícula y una producción de serie b de los 80 que ya a estas alturas no aguanta el tipo, la película es sin duda de las menos afortunadas que ha hecho. Pese a ello, cuenta con un par de apuntes que no dejan de ser interesantes: Ademas de la ya mencionada deconstrucción, esta la representación de una sociedad que ha evolucionado hacia el matriarcado y esos dos protagonistas que responden al clásico patrón del antihéroe Carpenteriano de acción, lo que en definitiva, permitirá disfrutar al seguidor de su filmografía...

De nuevo un largo descanso hasta que, gracias a la iniciativa del nefasto Mick Garris, la serie Masters of Horror nos devolviera, esta vez en pequeña pantalla y en formato medio metraje, dos obras de este autentico maestro del genero... La primera de ellas, Cigarette Burns (editada en España en DVD como El Fin del Mundo en 35mm), es uno de los mejores capítulos de la serie (para mi el mejor, seguido del de Joe Dante, aunque el mejor valorado por muchos sea Imprint, de Takashi Miike, que a mi me horrorizo bastante, pero en el mal sentido). En el, nos volvemos a encontrar con el Carpenter de En la Boca del Miedo, cinta con la que este capitulo guarda varios similitudes, tanto argumentales como estructurales, y el la que vemos un uso de la violencia inédito en su cine, al menos hasta ese momento, aunque en contadas ocasiones... La experiencia y la respuesta del publico fue tan gratificante, que el año siguiente repitió con el sexto capitulo de la segunda temporada, Pro-Life, un desgraciado capitulo que, aunque empieza muy bien (de hecho su primera media hora es magnifica, en el modo que crea tensión), acaba convirtiéndose en una simple curiosidad por su alto, para tratarse de Carpenter, contenido gore, donde ademas aparece un tipejo a cámara lenta disfrazado penosamente de diablo, de tal modo que J. C.parece estar cachondeándose de todo el mundo y de si mismo el primero... Tan imposible es tomarse este capitulo en serio...

Y, de momento, así hemos llegado al fin, a la espera de que se materialice alguno de los proyectos que vienen anunciándose desde algunos años, cobra fuerza el de Psycopath, esta es su filmografía al completo (o casi, ya que como decía en la primera parte, ni hablo de sus cortometrajes, ni de sus dos primeros telefilms) y, como es lógico, este articulo llega al fin a su fin.