DEAD MAN TYPES

30 DÍAS DE OSCURIDAD

2008-10-13T21:03:00.008+02:00

Titulo Original: 30 Days of Night
Año: 2007
Duración: 113 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: David Slade
Guión: Steve Niles, Stuart Beattie y Brian Nelson
Fotografía: Jo Willems
Montaje: Art Jones
Música: Brian Reitzell
Reparto: Josh Hartnett, Melissa George, Danny Huston, Ben Foster, Mark Boone Jr., Mark Rendall, Amber Sainsbury, Megan Frainch y Joel Tobeck

En un pequeño pueblo de Alaska se enfrentan a una invasión de vampiros durante la noche más larga del año (30 días de completa oscuridad).

Antes de empezar he de aclarar que 30 Días de Oscuridad es una película realmente mala, que parte, y desaprovecha, de la premisa realmente interesante que encontrábamos en el cómic de Steve Niles y Ben Templesmith. La película no solo es una típica mala película de terror como las que nos encontramos regularmente cada año (por mucho que nos pese, y por mucho que últimamente este mejorando la cosa, el genero nos regala una buena cantidad de truños anual- mente), con una historia mal llevada y un mal guión, con personajes estereotipados y finales de risa (en este caso por cursi y pastelero). El principal problema es que, no solo desaprovecha una idea que daba para mucho más (como se puede ver en Frosbitten, sin ser esta tampoco una maravilla), sino que por encima de todo, es una película aburrida.

Entonces, os preguntareis, ¿por que decido rescatarla y dedicarle una reseña a semejante subproducto? Pues únicamente, por que los primeros 20 minutos, antes de que aparezcan los vampiros, si que resultan de interés para aquellos realmente aficionados a la subgénero... En realidad, es el personaje de Ben Foster, el forastero que allana el camino a los vampiros saboteando helicópteros, comunicaciones, teléfonos móviles matando perros los días antes de llegar la noche perpetua en la que atacaran sus amos, es una buena e interesante reubicación del personaje típico del guarda de día, que vigila el reposo del vampiro en su ataúd.

Solo eso hay de interesante en este film, no es suficiente, desde luego, pero para aquellos cinefagos que se tragan lo que sea, puede que no deje de ser digno de cierto interés.

PSICOSIS

2008-10-05T13:07:00.010+02:00

Titulo Original: Psycho
Año: 1960
Duración: 109 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
B/N

Dirección: Alfred Hitchcock
Guión: Joseph Stefano
Fotografía: John L. Russell
Montaje: George Tomasini
Música: Bernard Herrmann
Reparto: Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin y Martin Balsam

Marion roba 40.000$ a un cliente de la inmobiliaria en la que trabaja, con el fin de pagar las deudas de su novio y poder por fin casarse con el. Tras un viaje hasta California algo accidentado, decide hacer noche en un pequeño motel cerca de la ciudad donde vive su novio. En el conocerá a Norman Bates ya a su "impedida" madre...

Poco o nada nuevo se puede decir sobre una de las más importantes películas de uno de los directores más importantes e influyentes que ha dado el cine en sus poco más de cien años de existencia. Aun así, merece la pena dedicar unas lineas para reseñar este autentico imprescindible. Psicosis esta basada en una de las peores novelas de Robert Bloch, un autor que pese a lo irregular de su obra, merece ser recordado más por sus buenos relatos breves o algunas novelas de mayor calidad literaria (como puede ser Pirómano), que por ser el responsable de un tramposo material original que inspiro una de las grandes obras maestras de Alfred Hitchcock.

Hitchcock explicaba a Truffaut, en su mítico libro de entrevistas, que si se había decidido a adaptar la novela de Bloch se debía única y exclusivamente al giro argumental que daba la trama poco antes de la mitad de la novela, me estoy refiriendo, obviamente y supongo que no cayendo ya a estas alturas en ningún spoiler, al conocidísimo asesinato de Janet Leigh en la ducha. Punto completo de ruptura en el film y que debió de producir un potente shock en el espectador que se enfrentarse virgen a la película. Curiosamente, una película británica estrenada pocos meses antes, The City of the Dead (film muy recomendable ademas), cuenta con una estructura narrativa bastante similar.

En la misma entrevista, Hitchcock hace hincapié en el carácter puramente cinematográfico del filme, la historia es baladí, los personajes poco definidos, no guarda ningún mensaje trascendente... Y aun así, es una de las mejores películas de la historia, únicamente por la forma en la que esta rodada, montada y, también, sonorizada. Tal vez por esto mismo, la normalmente miope critica cinematográfica, la califico a su estreno como un film desagradable, repugnante y, principalmente, malo. Hitchcock explica, muy agudamente, que esto se debe a que los críticos solo se interesan por el guión. Naturalmente, al acabar el año, la gran mayoría de las revistas y críticos que vapulearon la película en su estreno, la incluyeron en sus respectivas listas de los diez mejores films de 1960.

Pese a todas las bondades de Psicosis, existen un par de momentos más flojos, que si bien no llegan a enturbiar de ninguna manera la película, si que sirven muy bien para ilustrar, por un lado, algunas de las teorías del director y por otro, como ha ido evolucionando el cine a lo largo de los años... Hitchcock siempre decía que sus personajes no acudían a la policía cuando cualquier persona sería lo primero que haría en su situación, simplemente por que era aburrido. Por razones de verosimilitud, y para dar tiempo suficiente a Bates para deshacerse del cadáver de Arbogast, nos encontramos con dos escenas en las que los protagonistas acuden al shérif del pueblo,que no consigue más que sembrar alguna duda más en ellos. Todo a costa de diluir la tensión en los compases finales del film. El asunto no es grave, pero da validez a la teoría de defiende el director a este respecto... La otra escena a la que me refería, es a la insufriblemente larga explicación del psiquiatra, una vez la trama ya esta resuelta, de la psicopatía de Norman Bates. Esta escena, a día de hoy sería impensable, pese a que por aquel entonces debía de resultar inevitablemente necesaria para que el publico comprendiera algo que aun no estaba acostumbrado a ver en el cine: Los asesinos psicópatas.

ENCUESTA: ADAPTACIÓN LOVECRAFT

2008-10-03T17:15:00.003+02:00

Con el comentario de esta encuesta del mes de Septiembre, mes de vacaciones improvisadas de Dead Man Types, inicio lo que se podría llamar la 3ª temporada del blog y lo hago esperando que sea algo más regular que la segunda, cosa que tampoco puedo llegar a asegurar.

En esta tercera temporada debería empezar a aumentar la variedad de contenidos del blog, que aunque continúe centrado en reseñar películas de terror, mantendrá las esporádicas entradas dedicadas a libros y espero extenderlas también a videojuegos (que serán pocos y de poca actualidad), siempre con la condición de que estos sean circunscribibles al genero de terror.

Además planeo continuar con monográficos dedicados a algún tema, revisar alguna que otra reseña desafortunada (principalmente las más antiguas) e incluso tener una sección, que creo que llamare Off Topic, dedicada a temas no relacionados con el genero de terror. Como veis, intenciones tengo muchas, a ver en que acaba quedando la cosa...

En lo que se refiere a nuestra encuesta del mes de septiembre, la pregunta era: ¿Cual de estos relatos de H.P. Lovecraft os gustaría ver adaptado de forma digna y más o menos fiel? Y aquí tenemos vuestras respuestas:

Con un total de 10 participantes y 11 votos:

En las montañas de la locura: 30% con 3 votos.
El horror de Dunwich: 10% con 1 voto.
El caso de Charles Dexter Ward: 20% con 2 votos.
La sombra sobre Innsmouth: 40% con 4 votos.
La llamada de Cthulhu: 10% con 1 voto.

De los resultados poco se puede decir, salvo que las historias de monstruos gigantes parece que os atraen menos y que el escenario de pueblo maldito parece que es el más atractivo de todos, al menos en lo que a una posible adaptación cinematográfica se refiere. ¿La próxima encuesta? Va de malos remakes, a ver cual es peor...

THE RING, LA SEÑAL

2008-08-18T20:07:00.008+02:00

Titulo Original: The Ring
Año: 2002
Duración: 115 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Gore Verbinski
Guión: Ehren Kruger
Fotografía: Bojan Bazelli
Montaje: Craig Wood
Música: Hans Zimmer
Reparto: Naomi Watts, Martin Henderson, David Dorfman, Brian Cox, Jane Alexandre, Lindsay Frost, Amber Tamblyn, Rachael Bella, Dhannon Cochran y Daveigh Chase

Una joven muere en extrañas circunstancias una semana después de ver una rara cinta de video. Su tía, periodista, empieza a investigar el caso a petición de la madre de la víctima y descubre que otros amigos de la joven murieron al mismo tiempo que ella. Sus pesquisas le llevan a ver la cinta en la misma habitación donde la vieron los chicos tras lo que recibe una llamada de alguien que le anuncia que le quedan siete días.

Nos encontramos con el remake de Ringu, película japonesa que consiguió, merced a su original planteamiento, llegar al mercado occidental y convertirse en todo un film de culto, razón por la cual el anuncio de este reciente remake (reciente según los cánones de entonces ya que ahora estos remakes americanos de cine de terror oriental apenas si se distancian un año del original) no fue muy bien recibido por los admiradores del film de Hideo Nakata. Tildarlo de innecesario, de americanización o simplificación era algo más que tentador para un buen numero de aficionados, incluso tiempo antes de su estreno (todo un buen tema de análisis para el Plan 9 de Starman).

Una vez estrenada la película, la realidad era bien distinta. The Ring es una buena muestra de cine de genero, elegante y bien construida, cuya única pega es tratarse de un remake de una película tan reciente y solvente como es Ringu. Más allá de este incontestable hecho, tengo que declarar, pese a que más de uno se podrá escandalizar por ello, que considero la película de Verbinski superior al original, opinión que, desde luego, considero completamente subjetiva.

Para afirmar esto me baso en su mejor factura visual (cosas del presupuesto, vale), a su mejor manejo del ritmo y el desarrollo de la historia, al hecho de que ahonda más y mejor en la investiga- ción de los protago- nistas, a que se permite cambiar la historia donde se hace más obvia o a que elimina los poderes del "ex" de la protagonista (algo que resultaba forzado y poco creíble en el original)... Pero, principalmente, a que acojona mucho más. Todos estos motivos, reconozco, pueden ser discutidos fácilmente con el argumento de la originalidad, y no lo discuto, es verdad (pese a estar basada la película en una novela), incluso se puede resaltar que algunas escenas esta literalmente calcadas de Ringu, como es la del inicio, que salvo un par de planos de más es práctica- mente igual (algo que tampoco deja de ser un acierto, ya que esa escena es lo mejor de la versión nipona). En cualquier caso, aquí se vendría a discutir que es más importante en el arte, la originalidad o la ejecución.

La respuesta, obviamente, es personal, pero lo que si se puede afirmar es que con The Ring nos encontramos con uno de los pocos remakes de películas orientales de terror que no resulta lamentable (esperemos que se sume a esta escueta lista Mirrors).

RINGU

2008-08-11T13:26:00.008+02:00

Titulo Original: Ringu
Año: 1998
Duración: 96 minutos aprox.
Nacionalidad: Japon
Color

Dirección: Hideo Nakata
Guión: Hiroshi Takahasi
Fotografía: Junichirô Hayashi
Montaje: Nobuyuki Takahashi
Música: Kenji Kawai
Reparto: Nanako Matsushima, Miki Nakatami, Hiroyuki Sanada, Yuko Takeuchi, Hitomi Sato, Youchi Numata, Yutaka Matsushige, Katsumi Maramatsu, Rikiya Otaka y Rie Inou

Tomoko muere en extrañas circunstancias una semana después de haber visto una extraña cinta de video. Su tía, periodista de profesión, empezara ha investigar su muerte y descubre que todos los amigos con que Tomoko vio la cinta murieron a la misma hora que ella. Tras encontrar la cinta y verla, recibe una llamada en la que le dicen que le queda poco tiempo: 7 días.

Estamos ante la película que abrió las puertas del terror oriental al mercado occidental, también la película responsable de que se comenzara con la oleada de remakes hollywoodenses de estos films, por lo que es justo que sea la primera de estas películas que se reseña en Dead Man Types (también me vale a mi haber tardado dos años en reseñar una de estas películas, pero es que no me suelen gustar).

La película en si destaca por su frescura y originalidad, la mezcla de cuento de terror tradicional, leyenda urbana que resulta ser real y con la tecnología más o menos moderna, era una combina- ción que poco o nada se había visto por occidente y que resulto ser todo un revulsivo en el propio cine de terror japonés (desde entonces a hoy han aparecido, y llegado a nuestro mercado, teléfonos móviles y ordenadores asesinos en una cantidad nada despreciable, tanto es así que el impacto y la originalidad de esta propuesta han acabado diluyéndose en un mar de secuelas, remakes e imitaciones.

En lo que respecta al film en si mismo, más allá de la originalidad, tanto de planteamiento como de su resolución, como de su fantástica escena inicial (calcada casi frame a frame en su excelente remake), nos encontramos con una solvente película de bajo presupuesto, que mantiene el suspense con su trama de investigación, muy en el estilo de Al Final de la Escalera, que pese a no estar del todo bien llevada, mantiene el interés y conduce la trama lo suficiente, pese a que la película se sostiene más en el suspense que genera la cuenta atrás hacia el final de la semana de la protagonista... Este es el aspecto que tal vez funcione menos del film y permite, junto a su mejor factura técnica y acabado visual, la justificación, más allá del aspecto puramente comercial, de su temprano remake americano.

En definitiva, una película muy interesante y uno de los mejores JHorros que nos han llegado, de una originalidad que creo escuela, hasta el punto de acabar en una moda insufrible.

ENCUESTA: SCREAM QUEEN

2008-08-09T19:36:00.004+02:00

La ultima encuesta que os propuse para el mes de Julio tenia como tema las Scream Queens, concretamente os preguntaba por vuestra favorita. Y he aquí los resultados:

Con un total de 25 votos:
Asia Argento: 20% con 5 votos.
Jamie Lee Curtis: 80% con 20 votos.
Dee Wallace-Stone: 0% con 0 votos.
Linnea Quigley: 0% con 0 votos.

Los resultados muestran que la gran y autentica Scream Queen es Jamie Lee Curtis, cosa que no sorprende a nadie. Asia Argento a conseguido mantener el tipo, ya sea por su poderoso atractivo o por que sus apariciones en el genero son las más recientes. El caso de Dee Wallace-Stone no sorprende, ya que aunque ha participado en películas realmente imprescindibles, como Aullidos, siempre fue un poco anodina, mirad si no Cujo. Linnea Quigley se ha quedado también a cero, no es sorprendente ya que no es muy conocida y creo que nunca llego a ser protagonista de ningún film, pero tenia un encanto y atractivo que hacen que incluso a día de hoy tenga un buen numero de fans. Esperaba que alguno de mis ilustres lectores, conocedores enciclopédicos del genero y del la década de los 80 le dedicara algún voto, que sin duda merecía.

Sobre la próxima encuesta, habrá que esperar a septiembre, que agosto es un mes muy malo para esto.

Por cierto, el blog ya ha cumplido 2 años, mirar que cosa.

EL AMANECER DE LOS MUERTOS

2008-07-23T18:12:00.006+02:00

Titulo Original: Dawn of the Dead
Año: 2004
Duración: 101 Minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Zack Snyder
Guión: James Gunn
Fotografía: Matthew F. Leonetti
Montaje: Niven Howie
Música: Tyler Bates
Reparto: Sarah Polley, Ving rames, Jake Weber, Mekhi Phifer, Ty Burrell, Michael Kelly, Kevin Zegers, Michael Barry, Lyndy Booth, Jayne Eastwood, Boyd Banks, Inna Korobkina, R.D. Reid, Kim Poirier, Matt Frewer y Bruce Bohne

Tras desatarse una hecatombe zombie, un variopinto grupo de supervivientes se refugia en un centro comercial. El, en principio, confortable refugio acabara convirtiéndose en una trampa mortal de la que se hará evidente que deben escapar...

En los últimos años nos llegan desde hollywood una infinidad de remakes o readaptaciones (que no es lo mismo) ya sea de algún que otro clásico o traducciones occidentales de cine oriental, esto es más exagerado en el cine de terror, donde la mitad de las producciones actuales son un remake de algún clásico de los 70 u 80 (y no tan clásicos) como de algún reciente éxito nipón, coreano o chino. Normalmente los resultados son pésimos, pero de vez en cuando aparece un producto a la altura del original o incluso superior (Las Colinas Tienen Ojos es para muchos un buen ejemplo de ello), otros casos, como este que nos ocupa, nos encontramos con películas bastante dignas y entretenidas, que sin dejar de ser buenas, se quedan lejos de llegar a la calidad de su original.

Básicamente, El Amanecer de los Muertos no es mejor que Zombi de George A. Romero, ni tampoco esta cerca de serlo, pero funciona realmente bien y consigue el que debe ser su principal objetivo: recuperar una situación interesante para el gran publico actual. Lo hace con solvencia y además justificadamente, ya que, aunque el film de Romero es soberbio, desgraciadamente no a envejecido muy bien, de hecho lo ha hecho peor que La Noche de los Muertos Vivientes, a causa de unos zombies que a día de hoy dan más bien risa.

Más allá de comparaciones, la película esta bien planteada y dirigida, aunque tal vez sus personajes sean tópicos en demasía, incluso para una peli de zombies, y su realización, algo más estridente de lo necesario, eso si, sus efectos de maquillaje funcionan la mar de bien. Lo que ya no me termina de convencer tanto, es que la película acaba siendo más cine de acción con podridos que cine de terror, cosa que creo que finalmente acaba pasándole factura. Una lastima, por que había posibilidades de llevarla mucho más lejos, como demuestra secuencias tan míticas como la del momento Equipo A (los que la habéis visto ya sabéis a que me refiero).

Resumiendo, si tuviera que elegir una me quedaría con Zombi, aunque de recomendar alguna a alguien, recomendaría esta, por si acaso le look desfasado y casi bizarro del original le pudieran echar para atrás.

LA NIEBLA (De Stephen King)

2008-07-14T16:37:00.007+02:00

Titulo Original: The Mist
Año: 2007
Duración: 126 minutos arpox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Frank Darabont
Guión: Frank Darabont
Fotografía: Ronn Schmidt
Montaje: Hunter M. Via
Música: Mark Isham
Reparto: Thomas Jane, Marcia Gay Harden, Andre Braugher, William Sadler, Laurie Holden, Toby Jones y Jeffrey Demunn

Tras una fuerte tormenta, David Dayton va con su hijo y su vecino al supermercado. Allí, con medio pueblo comprando suministros, son rodeados por una espesa niebla, en la que hay "algo"...

Frank Darabot se decide por fin a dirigir un largometraje de terror, genero con el que se inicio en el cortometraje y al que presto sus servicios como guionista antes de pasar a la dirección, y lo hace adaptando un relato de Stephen King, cosa que viniendo de otro director no seria precisamente un sello de calidad, pero teniendo en cuenta los anteriores filmes del director, donde brillan especialmente Cadena perpetua y La Milla Verde (ambos relatos de King alejados del genero), francamente, la cosa cambia.

La película, que ha recibido comentarios elogiosos hasta de la critica que suele vapulear el genero por sistema, es un genuino film de terror que consigue traspasar las fronteras genéricas y funcionar con un tipo de publico más amplio. Y lo hace de una forma muy loable, más allá de sus situaciones alegóricas, o de su critica a los fundamentalismos, ya sean religiosos (con los que obviamente carga más las tintas) o racionalistas (científicos y/o lógicos), que le permiten ganarse a ese publico que mencionaba antes, sino que se acerca a la serie B, e incluso se regodea en ella, manejando los resortes del genero tal como se hacia en la década de los 80 (década que a cada año que pasa me parece más gloriosa en lo que a cine de entretenimiento se refiere), y con una historia que recuerda a la clásica serie Más Allá del Limite tanto en su desarrollo como, y principalmente, en su irónico final.

Si hay que buscarle algo negativo a la película, esto sería sus personajes estereotipados y unas actuaciones que simplemente cumplen. En realidad, nada importante, viendo como se desarrolla la trama del film, que jugando con alternan- cias de ritmo, mantiene al espectador en tensión una vez que entra en materia y no le abandona hasta el final, que consigue sorprender pese a que en las ultimas secuencias el espectador llega a anticiparlo. Todo esto con una buena realización, una más que competente fotografía y una música que resulta de lo más acertada sin restar protagonismo en ningún momento.

En definitiva, una película muy recomendable, que no deja de ser una fabula con un mensaje muy claro: El peligro que implica dar las cosas por sentadas. Si no la habéis visto ya, hacedlo en cuanto podáis.

CRITTERS 2

2008-07-07T17:39:00.006+02:00

Titulo Original: Critters 2: The Main Course
Año: 1988
Duración: 93 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Mick Garris
Guión: David Twohy y Mick Garris
Fotografía: Russell Carpenter
Montaje: Charles Bornstein
Música: Nicholas Pike
Reparto: Scott Grimes, Don Keith Opper, Terrence Mann, Cynthia Garris, Tom Hodges y Roxanne Kernohan

Brad ha vuelto a Grovers Bend varios años después de que unos pequeños monstruos del espacio atacaran la granja de sus padres y fueran salvados en el ultimo momento por los Cazacritters. Ahora, en el pueblo, nadie cree su historia pero esta a punto de suceder algo que le dará la razón...

Nos encontramos ante una digna secuela que, aunque esta lejos del encanto y la diversión de la primera entrega, si cumple con unos mínimos aceptables. En manos de Mick Garris, la serie aumenta en gore, no demasiado, y sus toques de humor se mantienen, aunque tal vez con chistes algo más burdos y con un claro objetivo de contentar a adolescentes (baste como ejemplo las transformaciones de Lee en playmate del mes), lo que se traduce en un cambio con respecto al primer Critters, que tenia un publico objetivo más joven si cabe.

Contando con esto, la película cuenta con momentos bastante buenos y cumple con todas las máximas que una secuela de estas caracte- rísticas debe tener: Más muertes, más Critters, más tetas... Vamos, que es más espectacular, pero pierde parte de su encanto. Aun así y como decía más arriba, hay momentos que justifican por si solos la película, como son el cameo de Freddy Krueger o la gran bola de Critters. Aunque si hay algo que es realmente sublime es la frase del shérif: ¡Vamos cobardes, no podéis perder más que la vida!

En definitiva, un entretenimiento digno, que mantiene el tipo con el paso del tiempo (pese a algunos efectos de coña).

ENCUESTA: DRACULA

2008-07-01T10:56:00.002+02:00

Este mes de Junio pasado os propuse una encuesta sobre Dracula, concretamente sobre cual de los actores que han protagonizado las principales versiones era vuestro favorito. Y aquí tenemos los resultados:

Con un total de 16 participantes y 17 votos:
Bela Lugosi: 6% con 1 voto.
Gary Oldman: 56% con 9 votos.
Christopher Lee: 31% con 5 votos.
Frank Langella: 12% con 2 votos.

Tengo que decir que los resultados de esta encuesta me han sorprendido bastante. Primero, no esperaba que Lugosi quedara en ultimo lugar con un solo voto y tampoco esperaba que Langella llegara a recibir ninguno. En cuanto a que el más votado allá sido Gary Oldman, era un resultado bastante probable dada la cercanía temporal del film y el excelente trabajo del actor, aunque aun así no ha dejado de sorprenderme ya que la competencia era dura con dos auténticos iconos del siglo XX como han sido Lugosi y Lee.
En fin, ya digo que para mi han sido unos resultados sorprendentes (sobre todo en los últimos puestos), a ver si esto se repite en la siguiente encuesta cuyo tema serán las Scream Queens

HALLOWEEN, EL ORIGEN

2008-06-26T20:19:00.015+02:00

Titulo Original: Halloween

Año: 2007
Duración: 109 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Rob Zombie
Guión: Rob Zombie
Fotografía: Phil Parmet
Montaje: Glenn Garland
Música: Tyler Bates y John Carpenter (tema original)
Reparto: Tyler Mane, Daeg Faerch, Malcom McDowell, Scout Taylor-Compton, Sheri Moon Zombie, Brad Dourif, Hanna Hall, Kristina Klebe, Danielle Harris, Danny Trejo, Dee Wallace y Udo Kier

El día de Halloween Deborah Myers tiene una reunión con el director y el psicólogo del colegio de su hijo Michael. Al parecer han descubierto que Michael tortura y mata salvajemente animales como diversión y el Dr. Loomis quiere examinarle por que "algo así puede esconder un problema mayor". Lo que pronto sabrán todos los ahí reunidos es que ya es demasiado tarde...

Al conocer la noticia del remake del Halloween de John Carpenter y saber que el encargado de llevarla acabo iba a ser Rob Zombie, no sabia muy bien que pensar. Por un lado, y pese a algunas buenas maneras mostradas, La Casa de los 1.000 Cadáveres, me pareció una de las peores películas del genero que había visto en mucho tiempo, por otro lado, con Los Renegados del Diablo me paso justamente lo contrario, no solo me encanto, si no que la secuencia final del film (que a mi no deja de recordarme a la de Dos Hombres y un Destino tanto o más que a la de Grupo Salvaje), me parece que es la autentica carta de presentación de un director que puede dar mucho que hablar en el genero durante muchos años.
El caso es que mis expectativas estaban al 50%.

La pregunta, claro, es si el remake esta a la altura del original. La cosa es que no se puede decir que lo este, pero tampoco me atrevería a afirmar categórica- mente que no, la película es tan distinta, que en cualquier caso, no se puede considerar como innecesaria y en definitiva a mi me ha gustado, y los que me leéis habitualmente sabéis que soy un fanático de Carpenter y que tengo en gran estima el original de 1978.

Como decía mas arriba, las diferencias, que son significativas, son las que justifican la película, Zombie opta por explorar los orígenes del asesino y de dar una explicación plausible a la génesis de Myers, lo que contribuye, como ya ocurría en sus anteriores películas, a que el espectador sufra una involun- taria, e incluso incomoda, identifica- ción con el asesino de la función. Así, aunque de forma más sutil, nos encontramos con lo que ya es una constante temática de sus films. Del mismo modo, también seremos testigos de algunas estéticas, entre ellas el traslado de parte de la acción del original a la abandonada casa de los Myers.

Se pueden decir muchas más cosas del nuevo Michael, como Zombie lo convierte en una versión posmoderna del Monstruo de Frankenstein, verdugo y a la vez víctima incomprendida, y no ya solo por la figura gigantesca y muda en la que aquí se convierte, sino principal- mente por la autentica motivación que le trae de vuelta a casa en busca de su hermana, no caeré en spoliers, pero es ciertamente significativa.

En resumen, nos encontramos con un buen remake, no superior al original como fue Las Colinas Tiene Ojos o La Cosa en su momento, pero si digno e interesante, que ademas de ser una buena película también es la confirmación de su director.

EL ENTE

2008-06-15T11:45:00.005+02:00

Titulo Original: The Entity
Año: 1982
Duración: 125 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Sidney J. Furie
Guión: Frank DeFelitta
Fotografía: Stephen H. Burum
Montaje: Frank J. Urioste
Música: Charles Bernstein
Reparto: Barbara Hershey, Ron Silver, David Labiosa, George Coe, Margaret Blye, Jacqueline Brookes, Richard Brestoff, Michael Alldredge, Rymond Singer y Allan Rich

Carla Moran vive con sus hijos en un suburbio de California cuando empieza a sufrir ataques y violaciones de un ser invisible. En un principio será tratada como un caso psiquiátrico, pero tras meses sin resultados y el testimonio de varios testigos, acudirá al departamento de parapsicología de la universidad en busca de una solución alternativa...
Basandose en uno de los casos más documentados y sorprendentes de la historia de la parapsicología (o de la histeria, según el experto) Frank DeFelitta escribió una novela que acabaría adaptando el mismo para el cine. No estamos ante un caso como puede ser el de El Exorcista, ligeramente inspirado en unos sucesos poco claros de los años 40, sino en algo más parecido al clásico telefilm de media tarde encabezado por el consabido "basado en hechos reales", siendo esta la principal baza con la que juega el film que, aunque mantiene el interés sin dificultad, cuenta con unas solventes interpretaciones y con algún que otro efecto ingenioso como el del torso prostético de Carla Moran, cae en una realización sosa y torpe, que llega a ser molesta por el abuso injustificado de planos inclinados (algo parecido a lo que ocurría con Campo de Batalla, la Tierra), que unidos a otros valores de producción algo justos, como la música o la fotografía, hacen sospechar que nos encontramos ante un telefilm (cosa que no he podido confirmar, pero que no puedo quitarme de la cabeza). Esto se hace especialmente patente en escenas como la del coche, donde la música como la realización nos escatiman el impacto de una secuencia que podría ser antológica y que viendo el resultado, no se puede dejar de sospechar que permanece en el film únicamente por que es esencial para explicar la aparición del psiquiatra en la trama.
Pese a todo lo dicho más arriba, nos encontramos con una película que no deja de ser interesante, que consigue mantener la atención del espectador en sus dos horas de duración y que cualquier aficionado al genero, aun en su vertiente más light, sabrá disfrutar aunque solo sea por lo poco habitual que es ver una película de un fantasma violador tratada seriamente.

LOBOS HUMANOS

2008-06-05T19:05:00.011+02:00

Titulo Original: Wolfen
Año: 1981
Duración: 115 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Michael Wadleigh
Guión: David Eyre y Michael Wadleigh
Fotografía: Gerry Fisher
Montaje: Marshall M. Borden, Martin J. Bram, Dennis Dolan y Chris Lebezon
Música: James Horner
Reparto: Albert Finney, Diane Venora, Gregory Hines, Edward James Olmos y Tom Noonan

Un rico e influyente empresario y su esposa son brutalmente asesinados junto a su guardaespaldas en un parque de Manhattan. En un principio, la condición de la víctima hace sospechar a la policía de algún grupo terrorista de ideología comunista, pero la investigación que lleva Dewey Wilson, el agente encargado del caso, terminara por desvelar una verdad perturbadora...

Recuerdo que de niño, cuando empezaba la película de sábado noche con la cabecera de Orion, sentía una extraña alegría. Más allá de lo hipnótico que puedan ser unas estrella girando y realineandose, yo había llegado a apreciar la cabecera de la productora como un particular sello de calidad (algo parecido me pasaba con la canon, pero no tengo un recuerdo tan claro sobre ello). El por que había llegado a tener el nombre de una distri- buidora de serie B como un sinónimo de calidad no lo recuerdo realmente, pero puedo suponer que es por razones similares por las que a día de hoy sigo disfrutando de la mayor parte de esas películas. Lobos Humanos es un buen ejemplo de este cine de serie B del que ya no existe, técnicamente correctas, con guiones más o menos sólidos, siempre de genero y con algo especial que solo se describir como sabor. Sabor genuino para una historia que toma como base argumental una investigación policial que se dirige hacia una resolución que roza el fantástico y se entremezcla de forma solvente con el terror más clásico, dando como resultado un film extraño en su compases centrales que tiende a lo poético y, en parte, también a lo reivindicativo hacía el final.

Por supuesto, actores, música y fotografía cumplen con lo esperado en una película de estas características (más teniendo en cuenta que es la única referencia de ficción en Imdb de un director que aparte solo a dirigido documentales de Woodstock) que, si tiene un problema, es algún bajón de ritmo pasada la mitad del metraje.

DRACULA (1979)

2008-05-30T19:48:00.006+02:00

Titulo Original: Dracula
Año: 1979
Duración: 109 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: John Badham
Guión: W.D. Richter
Fotografía: Gilbert Taylor
Montaje: John Bloom
Música: John Williams
Reparto: Frank Langella, Laurence Olivier, Donald Pleasence, Kate Nelligan, Trevor Eve, Jan Francis y Tony Haygarth

El barco en el que el conde Dracula viaja a Inglaterra encalla en la costa junto al psiquiátrico del Doctor Seward, siendo el mismo conde el único superviviente. A los pocos días, la delicada Mina muere de una extraña afección sanguinia, su padre, el Doctor Abraham Van Helsing, llega a Inglaterra con el fin de descubrir que ha pasado realmente.
Más inspirada en el Dracula de Tod Browning y en la obra teatral en la que esta se basaba que en la propia novela de Stoker, esta nueva adaptación por parte de la Universal, corrió a cargo, nada más y nada menos, que del director de Fiebre del Sábado Noche (John Badhan), dando unos resultados que bien podríamos describir como desiguales.
La película empieza muy bien con una secuencia a bordo del Demeter, pero a cambio nos escatima el siempre interesante prologo transilvano. Ademas, la escena en la que Dracula se alimenta de Lucy es de un kistch que tira de espaldas y lo poco lucido del maquillaje de vampira de Mina Van Helsing son algunos de los puntos negros del film.
Con el casting ocurre algo similar, contar con Laurence Olivier y Donald Pleasence con Van Helsing y Seward no deja de ser un acierto, pero por el contrario tenemos a un Jonathan Harker rematadamente anodino y, lo que es peor, a Frank Langella como un Dracula que, más que otra cosa, parece un Latin lover cualquiera. Esto ultimo, unido a algunos detalles y situaciones, hace que por momentos parezca que nos encontramos ante una novela rosa (lo peor es que no tengo del todo claro que esto sea del todo involuntario).
La elección de Langella como vampiro (y el tono rosa) responden a la intención, muy sana por otro lado, de desmarcarse de las adaptaciones previas de la novela. En esa misma linea nos encontramos con el hincapié que se hace en las capacidades hipnóticas del vampiro y en sus juegos de seducción con las mujeres, de ahí el mostrarle como a un galán latino con media camisa desabrochada, en lo que se convierte en la confirmación de que cada acierto que hay en el film deriva inevitablemente en un despropósito siempre en relación, no ya tanto con la mala elección del protagonista, si no con la posición artística que motivó que se le concediera el papel. Y no, no es que lo haga mal, si no que el papel no le sienta nada bien, o, más bien, a Dracula no le sienta bien Langella.
Recomendada con reparos...

TERRORIFICAMENTE MUERTOS

2008-05-20T00:01:00.009+02:00

Titulo original: Evil Dead II
Año: 1987
Duración: 85 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Sam raimi
Guión: Sam raimi y Scott Spiegel
Fotografía: Peter Deming
Montaje: Kaye Davis
Música: Joseph LoDuca
Reparto: Bruce Campbell, Sarah Berry, Dan Hicks, Kassie DePavia, Ted Raimi, Denise Bixler, Richard Domeier, John Peakes y Lou Hancock

Ash se dispone a pasar un fin de semana romántico con su novia en una cabaña "prestada", pero tras encender un magnetófono en el que el dueño de la casa, un arqueólogo, ha grabado una invocación del Necrono- micon, serán atacados por demonios candarianos que intentaran apoderarse de sus cuerpos y sus almas.

La segunda parte de Posesión Infernal es uno de esos escasos ejemplos en los que terror y comedia funcionan juntos a la perfección, igual que ocurre con el resto de la saga de Evil Dead, pero siendo en este caso la mezcla más equilibrada (la primera es terror con toques cómicos y el Ejercito de las Tinieblas es comedia con ambientación y escenas de terror). El elemento cómico, derivado del slapstick (tipo de comedia física propia del cine mudo) encaja a la perfección con el gore de muchas de las escenas del film, desdibujandose la linea que los separa en la mayor parte de las escenas, que, en muchos casos, empiezan como autentico terror para derivar en comedia por acumulación, exceso o simple exageración. Del mismo modo, aunque esta vez en menos casos, una situación de entrada cómica avanza hasta entrar de nuevo en los códigos del horror. Esta forma de combinar los géneros la aleja de otra de las grandes comedias de horror, la reciente Zombies Party, tal vez por que el humor de esta es más bien verbal, lo que deriva en un conjunto menos grotesco, que la convierte en accesible a un mayor numero de publico. En cualquier caso, la película de Raimi encaja más con los primeros films de Peter Jackson, con los que no hace falta establecer muchas comparaciones para darse cuenta que les animan pasiones similares. Aun con todo, hay algo que hace que Terrorífica- mente Muertos (y hay quien se queja de lo de Zombies Party...) sea una pieza irrepetible y única, tal vez sea el carisma de Bruce Campbell, los exabruptos audiovisuales de Raimi (planos subjetivos de una mano, perspectivas distorsionadas y un largo etc.), su poderosa iconografía, o una combinación de todo esto con el gusto por las maqueta y el stop motion, en realidad, no sabria decirlo, pero, en cualquier caso, un seguro imprescindible para los seguidores del genero.

LIBROS DE SANGRE Vol. 2

2008-05-15T13:53:00.005+02:00

Titulo Original: Of Blood Vol. 2 y 3
Autor: Clive Barker
Primera Publicación: 1984

El segundo volumen de los libros de sangre (que equivale a medio volumen dos y el tercero completo en su edición original) de Barker sigue la misma linea del primer volumen, aunque le falta algún cuento con el poder de sugestión de En Las Colinas, Las Ciudades o tan impactante como El Tren Nocturno de Carne... Pese a esto, la originalidad y el buen hacer de Barker esta ahí, a la vista, creando esa atmósfera que todo lo distorsiona y le da cierta pátina de suciedad, como si las imágenes que evocan sus textos estuvieran cubiertas de oxido.
Bajo el sugerente titulo de Las Pieles de los Padres, el primer relato de libro, nos encontramos con un cuento de carácter marcadamente irónico plagado de criaturas Lovecraftians que, ademas, esconde una interesante mitología del origen del hombre.
Con Los Nuevos Crímenes de La Calle Morgue el autor hace un homenaje al maestro Poe en un cuento que solo por el titulo ya podéis imaginar que nos espera: París, terribles asesinatos y un particular asesino.
Hijo del Celuloide, es un homenaje al cine como Sexo, Muerte y Luz de Estrellas lo era al teatro. En el, un tumor crece en un cadáver alimentado por las imágenes que ve proyectadas en la pantalla tras la que se esconde. Una vez libre, acechara a clientes y acomodadores.
Con Rex Cabezacruda llega el más sangriento, y tal vez el más interesante, del los cuentos que compones ente volumen. En un pequeño pueblo de Inglaterra, transformado por los domingueros londinenses, un ancestral mal es liberado de su prisión por accidente y acabara con el pueblo en cuestión de un par de días.
En Confesiones del Sudario (de un Pornógrafo) un contable recto es engañado por un grupo de criminales y su vida queda destrozada. Al intentar vengarse es asesinado, pero su voluntad es férrea y se encarna en su propio sudario, material algo endeble, pero suficiente para cumplir sus propósitos.
Cabezas de Turco un grupo de jóvenes quedan encallados en una extraña isla a merced de la marea. El horror en el mar y la isla que aparece de la nada recuerdan a Lovecraft, pero la historia una vez arranca se mueve por otros derroteros.
Por ultimo, Restos Humanos cierra el volumen con una curiosa reelaboración del mito del Doppelgänger ambientada en un Londres de ladrones y chaperos.

En resumen, y como decía al principio, una recopilación muy interesante, más compensada que la primera, pero a la que le falta algún cuento realmente brillante o extraño para ser redonda.

ENCUESTA: SPLAT PACK

2008-05-14T19:54:00.010+02:00

Hace ya tiempos inmemoriales os proponía la siguiente cuestión: ¿Cual de estos miembros del llamado splat pack (nombre por el que se conoce a una nueva hornada de directores de cine de terror que aun siendo de distintas nacionalidades tienen como punto en común unos usos y costumbres propios del terror de serie b de los años 70 y 80) os resulta más prometedor? El enunciado no era exactamente así, pero para lo que nos ocupa viene a ser lo mismo. Y precisamente a eso, lo que nos ocupa, en este momento, son los resultados:

Con un total de 20 participantes y 23 votos:
Rob Zombie: 50% con 10 votos.
Neil Marshall: 15% con 3 votos.
Eli Roth: 10% con 2 votos.
Alexandre Aja: 40% con 8 votos.

Tengo que decir que me ha sorprendido la victoria de Zombie sobre Aja, no la esperaba. Lo que si esperaba era que tanto Marshall como Roth se quedaran lejos de los demás, tal vez no tanto, pero desde luego no ha sido ninguna sorpresa. Marshall, aunque ya ha demostrado su buen hacer con The Descent, aun le queda demostrar que puede lograr que nos interesemos por sus personajes. El caso de Eli Roth es distinto, ya que a estas alturas cuenta con más detractores que admiradores, aunque algunos encontremos que debajo de sus dos o tres escenas truculentas por película hay algo más, latente pero mucho más interesante, a la espera de eclosionar. Con los cabezas de lista ocurre algo distinto, ambos tienen un discurso más maduro y solo nos cabe preguntarnos si irán más aya o se quedaran en lo que ya nos han mostrado... En cualquier caso, son unos cineastas a los que merece la pena seguir la pista.

COMING SOON

2008-05-14T15:14:00.001+02:00

No se si seguirá pasándose nadie por aquí después de tan largo paréntesis. Pese a ello, y por si alguien lo sigue haciendo, voy adelantando que en breve estaré otra vez en marcha, con nuevas reseñas y algún articulillo… Lo dicho, estad atentos porque, ahora si, estoy de vuelta.

CUARTA ENCUESTA

2008-03-09T20:08:00.005+01:00

Una vez más he de disculparme de la dificultad que estoy teniendo para actualizar el blog... El caso es que ya no trabajo desde casa y mi nuevo horario me quita mucho tiempo, pero bueno a ver si ahora que me acostumbro a este nuevo horario empiezo a actualizar de forma más regular...

Pasando al tema del post; el tema de la encuesta de febrero era Asesinos carismáticos del cine de terror, la pregunta, cual es vuestro favorito. Los resultados han sido los siguientes:

Con 29 participantes y un total de 33 votos:
Jason Voorhees: 20% con 6 votos.
Michael Myers: 17% con 5 votos.
Freddy Krueger: 55% con 16 votos.
Leatherface: 20% con 6 votos.

Esta vez me voy ahorrar lo que pienso de las encuestas de blogger, pero si sumáis los porcentajes sabréis a que me refiero, y pasare a comentar el resultado, que se a saldado con una más que holgada victoria del asesino creado por Wes Craven, que con sus capacidades sobrenaturales y su humor acido y socarrón es el que más fans a cosechado a lo largo del tiempo. El resto, pues ha acabado en un empate técnico quedando el asesino de Halloween con un solo voto por detrás de sus compañeros de masacre de adolescentes. En cualquier caso, la participación a sido bastante alta, lo cual implica que esto de las encuestas os interesa aunque solo sea como mera curiosidad, así que ya os voy anunciando el tema de la siguiente encuesta, el llamado Splat Pack.

SAW III

2008-02-18T16:10:00.018+01:00

Titulo Original: Saw III
Año: 2006
Duración: 113 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Darren Lynn Bousman
Guión: Leigh Whannell
Fotografía: David A. Armstrong
Montaje: Kevin Greutert
Música: Charlie Clouser
Reparto: Tobin Bell, Shawnee Smith, Angus Macfadyen y Bahar Soomekh

Aun estando al borde de la muerte, Jigsaw, con ayuda de Amanda, a preparado un ultimo juego en el que participan un hombre sediento de venganza y una doctora cuya vida depende de que mantenga al psicópata con vida mientras dura el juego...

Saw III es básicamente lo mismo de siempre pero elevado al cubo, pruebas más imposibles, mayor nivel de hemoglobina y supuestos giros inesperados que en la parte final se suceden con rapidez, rizando el rizo hasta lo imposible agotando una formula de la que ya no se podía esperar gran cosa. Mantiene ese tufo a formato televisivo tanto en el argumento como en su factura, que ademas en esta ocasión retoma los trucos video- cliperos que casi habían desaparecido en la segunda parte , ademas los primeros 15 minutos de la película presenciamos una sucesión de asesinatos sin sentido aparente que desde ese momento sabemos que serán la clave del ultimo giro final. Por ultimo, y como viene siendo habitual, las interpretaciones son bastante justitas, salvandose la de Toni Bell, y llevandose la palma la que hace Shawnee Smith (Amanda) y el protagonista del ultimo juego, Angus Macfadyen. Con todo, y una vez asumido todo el despropósito de la trama y en definitiva de la saga al completo, esta puede ser la más efectiva de todas las entregas que nos han llegado hasta el momento. Tal vez por que parece que los propios responsables del film han dejado de tomarse esto muy en serio y se han decidido a seguir el camino más descabellado posible... Una lastima que por lo que se ve no hayan continuado por ese camino...

En definitiva, la película es tan mala, o aun peor, que las anteriores pero desde luego si resulta más divertida... No gustara con probabilidad a los forofos de la serie que se la tomen en serio, pero para aquellos que las hemos visto con una sonrisa algo cínica o directamente con una carcajada en los momentos de mayor tensión o dramatismo, se puede convertir en nuestra favorita...

EL ULTIMO ESCALON

2008-02-16T20:00:00.008+01:00

Titulo Original: Stir Of The Echoes
Año: 1999
Duración: 99 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: David Koepp
Guión: David Koepp
Fotografía: Fred Murphy
Montaje: Jill Savitt
Música: James Newton Howard
Reparto: Kevin Bacon, Zachary David Cope, Kathryn Erbe, Kevin Dunn, Conor O'Farrell, Luisa Strus, Stephen Eugene Walker, Mary Kay Cook, Larry Neumann Jr. y Jennifer Morrison

Tras someterse a una sesión de hipnosis, el hasta entonces escéptico Tom Witzky empieza a tener visiones de una joven desaparecida en el barrio meses atrás que le pide ayuda... Poco a poco, y tras sucederse las visiones, se ira obsesio- nando con el misterio hasta descubrir la verdad...

Basada en una novela de Richard Matheson, El Ultimo Escalón es una clásica historia de fantasmas que molestan y asustan a los vivos con el fin de desvelar el misterio de su muerte y que se les haga justicia. Tema tan sobado, hasta el punto de haber llegado a ser recurrente en telefilms de sobremesa, y en principio tan poco prometedor, es llevado por Koepp con buen pulso y soltura, con una corrección formal fuera de toda duda y un buen control de los resortes narrativos, tanto en lo referente al guión como en la realización, apoyandose inteligentemente en la banda sonora de James Newton Howard, uno de los mayores puntos en favor del film. Pero si hay algo que realmente consigue que El Ultimo Escalón sea algo más que un tópico bien realizado es, sin duda, la interpretación de Kavin Bacon, que con la contención que le caracteriza compone un personaje creíble sin los típicos excesos interpretativos tan queridos en hollywood, incluso en los últimos compases de la película, cuando el juicio del personaje puede ponerse más que en entredicho... Ya lo dije cuando comentaba Temblores, la sola presencia de este gran actor, hace subir enteros cualquier film, de un modo similar a como lo hace John Cusack.

En definitiva, nos encontramos con una película que no es para echar cohetes pero que para quien comparta mi valoración sobre Bacon puede resultar fascinante.

TERCERA ENCUESTA

2008-02-09T19:49:00.002+01:00

De nuevo, y antes de que pase a comentar los resultados de la encuesta del mes de enero, disculpar la tardanza en actualizar el blog... Ultimamente me cuesta bastante sacar tiempo para estas cosas. De todas formas, en breve aparecerá por aquí una reseña de El Último Escalón y otra de Saw III, lo que venga después aun no esta decidido.

En cuanto a la encuesta de enero, la pregunta era: ¿Cual de estos buenos remakes creéis que esta mejor con respecto a su original? Y aquí los resultados:

Con un total de 22 votos:
La Cosa: 31% con 7 votos.
Las Colinas Tienen Ojos: 31% con 7 votos.
The Blob: 4% con 1 voto.
La Mosca: 31% con 7 voto.

Como ya ocurrió con la encuesta anterior, los porcentajes no concuerdan, lo cual deja bastante claro que las encuestas de blogger no son precisamente perfectas. Aparte de eso, el empate técnico en el que ha quedado la encuesta demuestra que en esta ocasión la pregunta era más peliaguda. El solitario voto a The Blob no resulta sorprendente, ya que, aunque es bastante superior a su original, la película no pasa de ser un divertimento, y poco tenia que hacer frente a dos obras maestras como La Cosa y La Mosca o contra una de las mejores películas de terror de los últimos años...

La próxima encuesta, que en breve será publicada ira sobre asesinos carismáticos... ¿Cual ganara?

[REC]

2008-01-21T12:57:00.000+01:00

Titulo Original: [Rec]
Año: 2007
Duración: 85 minutos aprox.
Nacionalidad: España
Color

Dirección: Jaume Balagueró y Paco Plaza
Guión: Jaume Balagueró, Paco Plaza y Luis Berdejo
Fotografía: Pablo Rosso
Montaje: David Gallart
Reparto: Manuela Velasco, Ferrán Terraza, Jorge Yamam Serrano, Carlos Lasarte, Pablo Rosso, David Vert, Vicente Gil, Martha Carbonell, Claudia Font, Carlos Vicente y Javier Bonet

Como a estas alturas debo ser el ultimo bloggero que comenta acerca de cine de terror en ver esta película no redundare en comentar sobre la trama (justita, todo hay que admitirlo) y me limitare ha transmitir las impresiones e ideas que me vienen rondando desde su visionado:
Lo primero, y es justo que empiece por ahí, es el hecho de que abandone la sala de proyección con una plena sensación de satisfacción, cosa difícil habida cuenta de los entusiastas comentarios de blogeros de los que soy asiduo lector (John Trent, Capitan Spaulding u Hombre Lobo), que podían haber supuesto que entrara en el cine con unas expectativas alto excesivas, con la consecuente y lógica decepción subsiguiente... No fue así, ya digo, tal vez por que también llegaron a mi por otras vías comentarios que han ido desde lo tibio a lo negativo (como el de Nonasushi).
En segundo lugar, quería dar mi opinión sobre el aspecto de la película que a levantado más polémica, tampoco mucha en verdad, pero que es el principal argumento que se emplea para quitar mérito al film. Estoy hablando, como ya supondréis, del recurso narrativo de introducir la cámara en la acción real siendo esta manejada por un personaje más de la historia. Como es natural, el referente más claro y próximo que tiene el publico es El Proyecto de la Bruja de Blair, compara- ción a la que no puede escapar la cinta y que suele hacerse en detrimento de Rec a la que se le achaca falta de originalidad que si se le atribuye al film americano. Más allá del hecho ya apuntado por otros que nombran antecedentes anteriores, dentro y fuera del genero de terror, sobre este recurso estilístico (que en definitiva no es más que una transposición al medio del típico recurso epistolar de muchas novelas o relatos de misterio y terror) que restan validez al argumento eliminando la supuesta originalidad de dicho recurso narrativo, que es casi tan antiguo como la narración misma... Hay que tener en cuenta las claras diferencias en como esto se lleva acabo: En la Bruja de Blair se empleaba para justificar una historia de terrores nunca vistos y otorgar fuerza a un relato bastante limitado apoyado con una campaña algo engañosa, mientras que en Rec es un recurso empleado para introdu- cirnos dentro de la acción, que ademas no evita ser explícita en ningún caso y nos presenta una película mucho más honesta de cara al espectador. Las declaraciones de los directores al respecto son muy esclarecedoras, pretendían hacer una película menor que simplemente asustara, que irónicamente se merienda a toda su producción anterior junta, no se ya en taquilla (Darkness fue un éxito en Estados Unidos), sino en solidez e interés. A todo esto, cabe destacar el momento del rebobinado de la cinta, que convierte al espectador en la cámara y no en el descubridor del material grabado, punto que por extraño no deja de ser interesante y original.
Para finalizar, me gustaría hacer una reflexión sobre la importancia de Rec para el cine español, más aya de su calidad cinematográfica, pues a fin de cuentas solo se trata de un buen y efectivo (mucho, tal vez el más del año) film de genero pero de escasos logros artísticos. No creo que esto sea malo, es más, creo que es precisamente lo que necesita el cine español, películas modestas pero de buen acabado, alejadas de preten- siones artísticas, que como se ha visto, a poco bien que se hagan las cosas en cuanto a promoción, son más capaces de atraer al publico al cine posibilitando una base de mercado suficiente para que se pueda crear por fin una industria que permita salir del artisteo subvencionado y nepotismo descarado en el que esta anclado nuestro cine a merced de sus dos pilares argumentales: La comedia de situación y el drama social o su variante histórico política. Creo que este es el camino a seguir para levantar esta cinematografía y no el copiar las formulas de unos pocos artistas reconocidos a nivel internacional.

LA MALDICION DE FRANKENSTEIN

2008-01-10T00:18:00.000+01:00

Titulo Original: The Curse Of Frankenstein
Año: 1957
Duración: 80 minutos aprox.
Nacionalidad: UK
Color

Dirección: Terence Fisher
Guión: Jimmy Sangster
Fotografía: Jack Asher
Montaje: James Needs
Música: James Bernard
Reparto: Peter Cushing, Christopher Lee, Hazel Court, Robert Urqhuart, Valerie Gaunt, Paul Hardmunt y Alex Gallier

En prisión, esperando la hora de su ejecución, el Doctor Frankenstein le narra al sacerdote local su historia, como creo a su monstruo y como este cometió los crímenes que a el se le imputan, con la esperanza de que crea su historia e interceda ante sus verdugos evitando así su horrible final.
Primera incursión en el genero del genial equipo técnico y artístico (a excepción del montador) de la Hammer que solo un año después rodaría la magnifica Dracula y que firmaría la mayor parte de los grandes clásicos de la compañía. Se trata de una soberbia y oscura adaptación donde el protagonismo recae en un bastante depravado Doc. Frankenstein (estando aun lejos de a lo que llegara en las siguientes entregas de la saga), interpre- tado por Cushing de forma que, pese a tratarse del autentico villano del film, recaen en le las simpatías del publico. En contra de lo que ocurre con Paul, el héroe, o más bien antagonista del doctor, que deviene en un personaje bastante anodino e incluso antipático, con el fin, probablemente, de que el espectador no tenga más remedio que identificarse con el personaje de Cushing. En cuanto al monstruo, interpretado por Lee (escogido para el papel debido a su estatura y experiencia como mimo), tiene una importancia menor de la esperada, con solo tres o cuatro apariciones, eso si, antológicas e impresionantes, con un maquillaje alejado de las versiones clásicas, pero de corte más realista y terrorífico. Tanto la fotografía de Asher como la banda sonora de Bernard cumplen su función, pero aun les falta algo para llegar a la calidad de los clásicos posteriores, del mismo modo que al trabajo de Fisher esta todavía a las puertas del esplendor posterior, aun con escenas magistrales como la de la presentación del monstruo, con planos que se graban de forma indeleble en la memoria del espectador... Acompañada en su estreno de un certificado X y con criticas que la tachaban de solo para sádicos o la incluían en el top ten de los films más repulsivos jamás vistos se convirtió, lógicamente, en un gran éxito comercial para la Hammer, que no solo derivaría en una de sus sagas más longevas, si no que supuso que su equipo y actores comenzaran a rodar de inmediato otro film de similares características, Dracula, cuyo éxito, mucho mayor, decantaría a la productora definitivamente a especializarse en el horror gótico.
En definitiva, una estupenda película que tiene el honor de haber sido rodada el año anterior a la fundacional Dracula. Todo un placer para los amantes de la productora británica.

LA NIEBLA

2008-01-05T12:47:00.000+01:00

Titulo Original: The Fog
Año: 1980
Duración: 87 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: John Carpenter
Guión: John Carpenter y Debra Hill
Fotografía: Dean Cundey
Montaje: Tommy Lee Wallace y Charles Bornstein
Música: John Carpenter
Reparto: Jamie Lee Curtis, Adrienne Barbeau, John Houseman, Janet Leigh, Tommy Atkins y Nancy Loomis

La víspera del centenario del nacimiento del pueblo de Antonio Bay una extraña niebla se cierne sobre una pequeña embarcación. A la misma hora, en el pueblo, alarmas y dispositivos eléctricos se vuelven locos y en la iglesia el párroco descubre un documento que demuestra que el pueblo se cimento sobre un terrible crimen...
Rodada entre Halloween y Rescate en Nueva York, este cuento de fantasmas de corte clásico es una de las mejores películas de John Carpenter. Como es habitual en su cine, sobre todo en el de esta época, el uso del widescreen es soberbio, componiendo unos planos bellos pero naturales, la banda sonora es simple y poco espectacular pero tremendamente funcional y efectiva, y una planificación sencilla, perfectamente clásica, que prescindiendo de alardes y ángulos extraños, y de una forma difícil de explicar, supera la simple corrección formal y se convierte en una marca autoral per- fectamente reconocible.
Con todo, y pese a haber una prácticamente total unanimidad al considerar esta película como "una de las buenas" de Carpenter, hay un par de peros que la convierten en apreciada por todos pero favorita de nadie... Principalmente, la aparición algo temprana y explícita de los fantasmas, que le resta suspense a la trama (curiosamente estos fueron incluidos en las primeras escenas del film después del fracaso que supuso en su pase previo), las dudas expresadas en su momento acerca de la lógica de los fantasmas (es evidente que hay gente para todo) y el hecho de que no es una historia demasiado terrorífica, son las causas que justifican tal disposición del publico. Aun así, los aciertos de la película, más allá de la calidad del trabajo del director, actores y técnicos, son suficientes para que los defectos no enturbien su visionado (en realidad, lo que ocurre es que dejan a La Niebla por debajo de películas como La Cosa o En la Boca del Miedo). Aspectos como el poder de sugestión de la niebla o el mismo protago- nismo coral del film, olvidado por completo en el desastroso y reciente remake, que permite acentuar el hecho de que es toda la ciudad la que se ve amenazada por los fantasmas, son dos buenas muestras.
En definitiva, un clásico cuento de fantasmas bien planteado y mejor hecho que hará las delicias de cualquiera que este interesado en el genero y especialmente de los admiradores del trabajo de su director.

SEGUNDA ENCUESTA

2008-01-03T10:32:00.000+01:00

Antes que nada, me gustaría disculparme por estas improvisadas vacaciones de blog (digo de blog, por que de trabajo han sido unas semanas endemoniadas) y deciros que en breve publicare una reseña de La Niebla, además de empezar con una nueva sección sobre ediciones...

Pero a lo que vamos, la segunda encuesta, con la que no puede evitar contagiarme del espíritu navideño reinante en el mes de diciembre, tenia como tema películas de terror navideñas.
La pregunta: ¿Cual es vuestra favorita? Que no la mejor, si no la favorita. Los resultados han sido los siguientes:

Con un total de 26 votos:
Gremlims: 76% con 20 votos.
Black Christmas: 23% con 6 votos.
Jack Frost: 7% con 2 votos.
Noche de Paz, Noche de Muerte: 3% con 1 voto.

Lo cual demuestra dos cosas:
1ª. Que las encuestas de blogger son una puta mierda, ya que si sumáis los porcentajes dará 109.
2ª Que la película de Joe Dante, con ese extraño encanto que le otorga estar entre la comedia y el terror con un precario equilibrio, tiene un hueco seguro entre nuestros clásicos de fechas tan señaladas, que los más puretas y acérrimos del slasher no podían dejar de lado a ese vital antecedente de Halloween, y que ese psicotronico muñeco de nieve asesino tiene al menos un fan más que el Papa Noel psicotico de Noche de Paz, Noche de Muerte...
En general, pocas sorpresas, salvo la alegría de comprobar que el nivel de participación ha subido considerablemete. ¿La próxima? Pues con esto del año nuevo ira de remakes, no se, yo al menos la relación se la encuentro.

CABIN FEVER

2007-12-10T23:09:00.000+01:00

Titulo Original: Cabin Fever
Año: 2002
Duración: 93 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Eli Roth
Guión: Eli Roth y Randy Pearlstein
Fotografía: Scott Kevan
Montaje: Ryan Folsey
Música: Nathan Barr y Angelo Badalamenti
Reparto: Rider Strong, Jordan Ladd, James DeBello, Cerina Vincent, Joey Kern, Arie Verveen, Robert Harris, Hal Courtney y Eli Roth

Cinco jóvenes van de vacaciones a una pequeña cabaña aislada en el buque de una apartada zona rural de Estados Unidos. Una vez allí, tienen un encontro- nazo con un hombre muy enfermo. Poco a poco, aislados y sin transporte, empezaran a contagiarse de un extraño virus que les devora la carne rápidamente...
La primera película de Eli Roth dista mucho de resaltar por su calidad, de hecho cuenta con la mayor parte de los vicios y defectos que han hecho infumables la mayor parte de las cintas de terror que nos llegan de Norteamérica desde mediados de los noventa... Un guión con grandes lagunas, en ocasiones tan mal rodado que algunas situaciones que se ven en pantalla no quedan claras o directamente no se entienden, unos protago- nistas estúpidos cuando no directa- mente odiosos, que en un par de casos concretos llegan incluso a atentar contra la inteligencia del espectador y le llevan a la más pura incredulidad...
Pero, pese a todo esto, la película cuenta con unos valores a su favor que hacen que se la pueda rescatar del olvido al que le condenaría merecidamente lo dicho algo más arriba. Por un lado, el gusto dosificado por el gore y la voluntad de exceso de la que hace gala Roth, que si bien no llega a cuajar del todo en Cabin Fever, si la hace desmarcarse de la mayor parte de producciones de la época y daban pie a esperar que nos encontráramos ante un nuevo valor del genero. Ademas, lo original del planteamiento del film, la impotencia ante una enfermedad (real, por cierto, el virus devorador de carne existe y también una poco frecuente variedad de proceso más acelerado) es un planteamiento novedoso que hay que aplaudir, eso permitía una serie de situaciones e implica- ciones psicológicas muy intere- santes que, eso si, o bien a Roth no le han interesado lo más mínimo o ha sido incapaz de desarrollarlas de forma satisfactoria.
En definitiva, Cabin Fever es una película que no llega a cuajar, aunque no llega nunca a ser tediosa, tan mala como cualquier producción de teen terror americano post Scream, pero con unos puntos de originalidad y personalidad que la hacen merecedora de un visionado.

EL EXORCISTA

2007-12-06T19:50:00.000+01:00

Titulo Original: The Exorcist
Año: 1973
Duración: 116/132 minutos aprox. (Según versión)
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: William Friedkin
Guión: William Peter Blatty
Fotografía: Owen Roizman y Billy Williams III
Montaje: Norman Gay, Evan A. Lottman y Bud S. Smith
Música: Krysztof Penderecki, Hans Werner Henze, George Crum, Mike Oldfield, Anton Webern, David Borden y Jack Nitzsche
Reparto: Jason Miller, Linda Blair, Ellen Burstyn, Max Von Sydow, Lee J. Cobb, Kitty Winn y Jack MacGowran

Regan esta poseída por el demonio, esa es a la conclusión que llega su madre después de descartar todas las opciones medicas. Con esta idea en mente, pide ayuda al padre Damien Karras, psiquiatra del seminario cercano con su propia crisis de fe, que vea a su hija y le ayude a conseguir que se le practique un exorcismo...
Francis Ford Coppola asegura en el making of de Dracula que para hacer su película siguió la máxima de su padre: "Copia lo mejor". A tenor de esto, lo mejor en cuanto a cine de terror para el señor Coppola debe ser en gran medida El Exorcista. No solo la secuencia de la liberación del alma de Lucy esta claramente inspirada en la del exorcismo de este film, si no que hay una gran cantidad de planos y detalles en la película de Coppola que remiten a la película de Friedkin.
Ciertamente, nos encontramos ante una obra maestra, una de esas películas capaces de trascender el genero, ademas de hacerlo sin trampas ni descaradas preten- siones filosóficas destinadas a ganarse a la comúnmente miope y rancia critica profesional. Esto se debe probablemente al tratamiento realista del tema, mostrándonos un proceso que dura meses a través de sus momentos clave y haciendo hincapié en, primero, las infructuosas pruebas medicas, y después, en la escéptica investigación de Karras. Y lo agradable de esto es algo que a día de hoy parece haberse olvidado en la industria del cine, la película siempre transmite la sensación de que sus responsables presuponen inteligencia al espectador, mostrando las explicaciones de los hechos que ocurren en pantalla sin hacer demasiado hincapié en ellos... Así, el por que, o más bien el como, de la posesión de Regan, la muerte de un "amigo" de la madre de esta, las sospechas del policía o el mismo final, quedan claros para el publico sin necesidad de explica- ciones superfluas.
Si a esto añadimos una gran banda sonora, unos excelentes efectos de maquillaje, un buen hacer en el resto de aspectos de la producción cinematográfica y, no por ultimo menos importante, el hecho de que la imagen de Regan es todo un icono del siglo XX, se entiende perfectamente que sea considerada una obra maestra. Como único punto negativo, he de expresar mi descontento ante la versión del director, que como mera excusa para su reestreno en cine, ademas de añadir elementos interesante y otros superfluos, nos priva de el plano final de la versión original, que al son de la música de Mike Oldfield, transmitía una extraña sensación de amenaza y convertía en ominoso algo tan cotidiano como el viento haciendo volar hojas secas...

PRIMERA ENCUESTA

2007-12-03T19:00:00.000+01:00

Cuando este blog cumplía un año prometí ir incluyendo, poco a poco, ciertas mejoras y novedades... Por el momento, aparte de un nuevo índice, este de autores y directores, que se suma a los de libros y películas, y añadir una imagen al enlace de la reseña de la semana, las encuestas son la única novedad que ha aparecido por aquí (propiciada por un nuevo servicio de blogger, que si hubiera dependido de mi...) La idea es hacer una al mes y después comentar los resultados, nada más allá. Bastante sencillo, ¿verdad?

La primera de estas encuestas, ¿Cual es la mejor de las cuatro versiones de La Invasión de los Ultracuerpos?, ha quedado así:
Con un total de 17 votos
La Invasión de los Ladrones de Cuerpos (en la encuesta puse mal el titulo en español) 47% con 8 votos.
La Invasión de los Ultracuerpos 47% con 8 votos.
Ultracuerpos 0% con 0 votos.
Invasión 5% con 1 voto.

Lo cual demuestra dos cosas:
1ª. Viendo el numero de comentarios de las ultimas reseñas, o alguno ha votado más de una vez o habéis votado más de los que habéis comentado ultimamente, en cualquier caso, sois unos perros (;-)).
2ª. Las dos primeras versiones gustan mucho más las modernas...En fin, pocas sorpresas.
Lo que si me ha sorprendido es que Invasión se llevara un voto mientras que Ultracuerpos se haya quedado a cero, lo cierto es que antes hubiera esperado lo contrario.
Por otro lado, como 17 votos no son un espectro muy grande de población, no extrapolare estos datos más allá de lo que a los lectores de este humilde blog se refiere. Pero si aprovechare para anunciar el tema de la encuesta del mes de diciembre, películas navideñas de terror...

HELLRAISER

2007-11-25T18:09:00.000+01:00

Titulo Original: Hellraiser
Año: 1987
Duración: 94 minutos aprox.
Nacionalidad: UK
Color

Dirección: Clive Barker
Guión: Clive Barker
Fotografía: Robin Vidgeon
Montaje: Richard Marden y Tony Randel
Música: Christopher Young
Reparto: Andrew Robinson, Clare Higgins, Sean Chapman, Ashley Laurence, Oliver Smith, Robert Hines, Doug Bradley, Anthony Allen, Leon Davis, Michael Cassidy y Kenneth Nelson

Larry y Julia Cotton se mudan al viejo caserón familiar de Larry, sin saber que el hermano de este, Frank, murió allí al invocar a los Cenobitas con una extraña caja. Pero de alguna manera, algo de Frank permanece entre las paredes del ático y vuelve parcialmente a la vida cuando la sangre de Larry mancha el suelo de la habitación...
Para su estreno como director de cine, Clive Barker eligió adaptar una de sus propias novelas cortas; The Hellbound Heart (Hellraiser en su edición española), obra con la que da una nueva vuelta de tuerca al vampirismo, posiblemente la mayor del siglo 20. Curiosamente no es esto lo más celebrado del film, de hecho casi nunca se hace referencia a ello, si no que la atención la acaparan, no sin justicia, los Cenobitas y su novedosa estética sado- masoquista. Y eso que solo actúan como Deus ex machina, teniendo apenas protagonismo hasta los minutos finales del film, esos que piden a gritos un remake por lo cutre de sus efectos visuales (remake del que se esta hablando muy mucho últimamente). Con todo, la imagen de los Cenobitas es tremendamente sugestiva y encaja perfectamente con el estilo del resto del film, y es que, aunque Barker no es un gran director, si es un maestro en lo que a crear atmósferas enrarecidas se refiere, siendo esta una de las principales virtudes de la película, a la que ayuda la fuerza de su banda sonora y una fotografía lavada que consigue crear un efecto acorde al argumento, pese a tener un aspecto algo chungo.
En definitiva, nos encontramos con un gran clásico del genero a tener muy encuentra, algo mal envejecido por sus FX finales (cutres incluso en su época) y una fotografía que, aunque consigue el efecto deseado, le pone a la película más años encima de los que realmente tiene. Aun así, y aunque creo que no hace falta decirlo, de visión obligada.

LA NOCHE DEL DEMONIO

2007-11-13T10:24:00.000+01:00

Titulo Original: Curse Of The Demon
Año: 1957
Duración: 95 minutos aprox.
Nacionalidad: UK
B/N

Dirección: Jacques Tourneur
Guión: Charles Bennet y Hal E. Chester
Fotografía: Edward Scaife
Montaje: Michael Gordon
Música: Clifton Parker
Reparto: Dana Andrews, Peggy Cumminjs, Niall MacGinnis, Maurice Denham, Athene Seyler, Liam Redmond, Reginald Beckwith, Ewan Roberts y Peter Elliott

Un eminente psicólogo norteamericano viaja a Londres para participar en un congreso científico con el afán de demostrar que el líder de un culto satánico local es un impostor... Pero al llegar allí descubre que un compañero que pretendía lo mismo murió en un extraño "accidente"...
Con La Noche del Demonio nos encontramos con el otro clásico de Tourneur, si bien es cierto que esta bastante lejos de La Mujer Pantera tanto en calidad como en reconocimiento, siempre es nombrada, con justicia, en segundo lugar. Se trata de un film sobresaliente, en el que la tensión va en aumento y se entrevé que sus responsables son conocedores de las practicas y creencias de grupos, entonces cercanos en el tiempo, como el de Aleister Crowley. Por otro lado, resultan curiosas e incluso desconcertantes las dos apariciones demoniacas del film (justo al principio y al final), no solo por que restan contundencia al film por la escasez de medios, si no por que no casan en absoluto con el tono psicológico y de sombras entrevistas del resto del film, y van claramente en contra de los postulados que defendió el propio Tourneur en La Mujer Pantera. Lo que hace sospechar que estas apariciones, sobre todo en el caso de la primera, son imposiciones de la productora. Y en definitiva son una autentica lastima, no solo están lejos de la fuerza de escenas mucho más simples (como la de la tormenta o la del médium) , si no que son tremendamente cómicas y deslucen en demasía una película que de otro modo podría superar a la gran obra del director que ya he nombrado en dos ocasiones. Pese a todo, es una película indispensable para los que disfrutan con el cine clásico del genero...

EL ANSIA

2007-11-07T22:47:00.000+01:00

Titulo Original: The Hunger
Autor: Whitley Strieber
Año: 1981

Tras casi 200 años como vampiro, John, como todos los anteriores amantes de Miriam, comienza a envejecer de forma alarmantemente acelerada... Al mismo tiempo, la doctora Sarah Roberts acaba de hacer un importante descubrimiento con el que podría llegar a revertir el envejecimiento celular...
Conocida principalmente por ser el material original en el que se inspira la película de Tony Scott, El Ansia es además una de las mejores novelas de vampiros que se han escrito en los últimos 50 años. Con ella, Strieber no solo consigue alejarse del modelo clásico del vampiro literario, si no que también se atreve a crearle un trasfondo científico plausible de forma creíble y perfectamente integrado en el relato, sin resultar forzado y de forma plenamente justificada... Además, el autor aprovecha para explorar la veta más sensual del mito, regalándonos unos pasajes que se acercan a la novela erótica, tal vez incluso demasiado en algunos pasajes, pero en general de forma bastante bien llevada. También es digna de destacar la forma en que se aborda el proceso de transformación vampírica, sin duda otro de los puntos fuertes del libro. Todo esto con un estilo directo pero elaborado, que consigue una lectura absorbente.
Aun con todo, la novela acaba quedando algo coja, ya sea por ritmo (al principio es algo lenta), o por que plantea unas situaciones muy interesantes que finalmente quedan en poca cosa. Aun así, como decía al principio, se trata de una de las mejores novelas de vampiros escritas en mucho tiempo...

DOG SOLDIERS

2007-10-31T20:12:00.000+01:00

Titulo Original: Dog Soldiers
Año: 2002
Duración: 105 minutos aprox.
Nacionalidad: UK
Color

Dirección: Neil Marshall
Guión: Neil Marshall
Fotografía: Sam McCurdy
Montaje: Neil Marshall
Música: Mark Thomas
Reparto: Seam Pertwee, Kevin McKidd, Emma Cleasby, Liam Cunningham, Darren Norfitt, Thomas Lockyer, Chris Robson y Leslie Simpson

Un comando del ejercito británico se encuentra de maniobras en los paramos de Escocia, cuando encuentran un campamento de las fuerzas especiales destruido y un único superviviente herido. Al caer la noche son atacados por un grupo de hombres lobo del que consiguen escapar, no sin sufrir bajas, para refugiarse en una cabaña aislada en medio del bosque...

La primera película de Neil Marshall, pese a estar muy lejos de la calidad de su segundo film, The Descent, anuncia gran cantidad de las virtudes de esta, aunque en este primer intento se queden en simples esbozos y buenas intenciones que se resienten en demasía de la escasez de presupuesto, la inexperiencia tras la cámara y un flojo trabajo interpretativo de los actores (exagerado, para colmo, en su versión española por el pésimo doblaje). Pese a ello, se nota en todo momento que Marshall conoce y respeta el genero y que no se ha apuntado a eso de hacer un film de terror como opera prima (practica más que habitual en estados unidos). No solo tenemos una buena cantidad de guiños (el soldado Bruce Campbell) a clásicos del genero, si no que, en general, estos están bien introducidos en la trama y no resultan forzados. Ademas, la película adopta una estructura y planteamiento, que aunque se aleja del clásico escenario de licántropos, se acerca disimuladamente, de forma casi inadvertida al también clásico escenario del genero de terror del refugio acechado por monstruos del exterior (sustituir hombres lobo por zombies, granero por deposito de gasolina y color por blanco y negro y casi tenéis La Noche de los Muertos Vivientes). Esto, unido a que Marshall no teme ser exagerado en ningún momento, son muestras de la valía de su primera película... Lastima que este lastrada, como decía al principio, por los defectos propios de una opera prima de bajo presupuesto, excusables, por supuesto, pero no insalvables... Al fin y al cabo, ¿La Matanza de Texas no es una opera prima de bajo presupuesto?

FROSTBITTEN. 30 DÍAS DE NOCHE

2007-10-20T20:13:00.000+02:00

Titulo Original: Frostbitten
Año: 2006
Duración: 98 minutos aprox.
Nacionalidad: Suecia
Color

Dirección: Anders Banke
Guión: Daniel Ojanlatva y Pidde Andersson
Fotografía: Chris Maris
Montaje: Kiko C.C. Sjöberg
Música: Anthony Lledo
Reparto: Petra Nielsen, Grete Havnesköld, Emma Åberg, Jonas Karlström, Måns Nathanaelson, Carl-Åke Eriksson, Mikael Göransson y Anna Lindholm

Durante la II Guerra Mundial un grupo de soldados de las S.S. perdido en Ucrania son atacados por unos vampiros... En la actualidad, una doctora y su hija se trasladan a un pequeño pueblo sueco sumido en la noche polar (un mes sin luz diurna). Saga, que así se llama la adolescente es invitada a una fiesta el día siguiente a la extraña muerte de un joven de la localidad...
Frostbitten es una peculiar producción sueca de terror adolescente, que aprovecha oportunamente (y antes de que aparezca la adaptación cinematográfica del cómic 30 Días de Noche) el fenómeno de la noche polar que, en combinación nuestros queridos chupasangres, tan buenos augurios presenta. Lo más peculiar del asunto es que deja las posibilidades de esa larga noche en off, ya que la película se desarrolla a lo largo de un par de días y se centra en contarnos como se descontrola la plaga de vampirismo en la pequeña localidad. El como se extiende y arrasa la población sin tregua durante la larga noche se nos deja completamente a nuestra imaginación. Este final abierto resulta un completo acierto ya que las dos lineas argumentales principales cuentan cada una con su consabido clímax. Además de esto, nos encon- tramos con una forma original de extenderse el "virus vampirico" y unas bien logradas escenas cómicas a propósito de una cena con unos padres ultra religiosos y un conejito blanco. El lo que se refiere a los aspectos técnicos, la película cumple por poco y en lo referente al director y sus labores tras la cámara decir que en ningún momento nos obligan a acordarnos de su nombre (aunque si alguna vez de su padre), con todo, es justo reconocer que se encuentra dentro de los limites de un decente telefilm, cosa que sospecho que es Frostbitten en realidad...

BUBBA HO-TEP

2007-10-15T18:04:00.001+02:00

Titulo Original: Bubba Ho-Tep
Año: 2002
Duración: 92 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Don Coscarelli
Guión: Don Coscarelli
Fotografía: Adam Janeiro
Montaje: Scott J. Gill y Donald Milne
Música: Brian Tyler
Reparto: Bruce Campbell, Ossie Davis, Ella Joyce, Bob Ivy y Heidi Marnhout

Elvis Presley pasa sus últimos días recluido en una residencia de ancianos sin que nadie, salvo el presidente Kennedy (que por cierto, fue teñido de negro por conspiradores después del fracasado atentado de Dallas), crea que es el realmente. Sus días pasan sin variación ninguna hasta que una momia succiona almas convierte la residencia en su coto de caza. El Rey decide enfrentarse a ella, recupe- rando así su dignidad, su amor propio y sus funciones eréctiles...
Partiendo del hecho de que Don Coscarelli no es precisamente un buen director, de que su mayor éxito sea la saga Phantasma (esa valeriana que muchos tomamos en formato VHS y que algunos con menos suerte vieron en cines), y de que su mayor logro cinematográfico sea ese correcto capitulo con el que se iniciaba la primera temporada de Masters of Horror, no es de extrañar que no albergara grandes expecta- tivas con respecto a Buba Ho-Tep. Esto, que de por si siempre es una buena manera de predisponerse a ver una película, es lo que probablemente me permitió llevarme una grata sorpresa con esta. Y es que, aunque Bubba Ho-Tep arrastra todos los problemas de ritmo, guión y buen hacer cinematográfico de la mayor parte de las películas de su director, su descaro, humor e innegable pretensión de ser una gran peli birrera la salvan de cualquier defecto de peso que pueda tener. En definitiva, seria un tostón si no fuera tan premedita- damente absurda.
Ademas de todo este absurdo cómico, a mayor gloria de Bruce Campbell, Bubba Ho-Tep esconde una reivindicación de la tercera edad; encarnada en dos personajes que tanto da que sean unos incomprendidos apartados o que estén completamente seniles, ya que sea como sea, se arriesgan a perder sus vidas y sus almas por defender las de sus compañeros de la residencia, recuperando, por el camino, su dignidad y sus ganas de vivir perdidas en ese deprimente entorno.

RE-ANIMATOR

2007-10-08T13:39:00.000+02:00

Titulo Original: Re-Animator
Año: 1985
Duración: 95 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Stuart Gordon
Guión: Dennis Paoli, William Norris y Stuart Gordon
Fotografía: Mac Ahlberg
Montaje: Lee Percy
Música: Richard Band
Reparto: Jeffrey Combs, Bruce Abbott, Barbara Crampton, David Gale, Robert Sampson, Gerry Black y Carolyn Purdy-Gordon

Tras la muerte de su mentor en Suiza, el doctor West vuelve a Estados Unidos donde reanuda, con ayuda de su nuevo compañero, sus investiga- ciones sobre el suero reanima- dor. Desde un principio despertara la envidia y recelos del doctor Hill...

Este film de Stuart Gordon esta basado libremente en uno de los relatos más decididamente alimenticios de H.P. Lovecraft (si exceptuamos sus “correcciones de estilo”, claro esta). Hevert West: Reanimador tiene poco en común con el cuerpo principal de la obra del autor de Providence y explora la vida y obra de un clásico Mad Doctor, un trasunto del doctor Franken- stein armado con una solución química en lugar de electricidad y con muchos menos reparos morales. Esta adaptación, sin ser muy fiel, aprovecha más de una idea del original, centrándose en los primeros experimentos de West y, como se puede esperar por su año de producción, en las posibilidades más gore del relato. Cabezas cercenadas, pústulas sangrantes y vómitos sanguinolentos se nos presentan con descaro y cachondeo, sin mermas para la trama, siempre con un retorcido sentido del del humor presente en cada escena, que no entre los personajes, que convierte a Re-Animator en una comedia entre lineas. Un gran logro que, desgracia- damente, parece patrimonio exclusivo de los años 80.
Resaltando, para bien o para mal, Re-Animator cuenta con unos efectos de maquillaje con sabor genuino, una fotografía propia de telefilm y una banda sonora, que aunque efectiva, tiene un descarado parecido a la de Psicosis... Con todo, es uno de esos indiscutibles clásicos ochenteros de obligada visión y asegurado disfrute...

PRIMER ANIVERSARIO

2007-08-12T14:46:00.000+02:00

En estos días de agosto, concretamente el pasado día once, Dead Man Types cumple un año en la red. La primera reseña con la que se habría el blog fue, y no por casualidad, el Dracula de Tod Browning. Elegí esta película por ser el primer film sonoro de terror, lo cual lo convierte en la primera película propiamente del genero, circunscrita a unas características y códigos, que si bien aun no estaban prefigurados, comenzaron indudablemente aquí... Algo parecido ha ocurrido con Dead Man Types, la base es la misma, recomendaciones de películas o libros, siempre circunscritos (aunque sea de refilón) al genero de terror; pero las formas han cambiado, las cortas y torpes reseñas, carentes de estructura y nada exhaustivas del principio han ido mejorando y ganando en calidad, no demasiado, soy consciente de ello, pero si lo suficiente como para que yo este satisfecho con ello... Los comentarios han ido aumentando, con lo que presupongo que los lectores también, y he entrado en contacto, si bien no personalmente, con una buena cantidad de compañeros cinefagos a la que, de una forma que no hubiera imaginado que fuera posible para con unos desconocidos, he tomado un cierto afecto (¿o es que tal vez ya no sean desconocidos?) En cualquier caso gracias a los que pasais por aqui, ya sea regularmente u ocasionalmente, especialmente a los que os tomáis la molestia de comentar...
Aparte de dar las gracias y hacer balance, quería anunciaros algunas cosas: La primera es que el blog queda cerrado por vacaciones, de hecho ya lo estaba (tres entradas los dos meses anteriores y ninguna este) y que permanecerá así hasta mediados de septiembre, el asunto es que me mudo y presupongo que esa sera la fecha en la que ya estaré asentado y con adsl en mi nueva casa... La segunda noticia es que pretendo rehacer algunas de las reseñas iniciales de las que antes hablaba, pero conservando las originales, pues no pretendo renunciar a los orígenes del blog, posiblemente incluya una sección lateral de revisiones u algo similar, aun no lo he decidido... En tercer lugar, a los compañeros de El Hombre de Arena, les prometo acabar el articulo que les prometí y alguno más. Siento estar siendo tan lento. Por ultimo, anunciaros que estoy pensando en potenciar mi otro blog, Música desde el otro lado, pero reconvirtiendolo en Desde el otro lado, concibiéndolo como un suplemento de no terror de Dead Man Types.
Pues eso es todo, solo daros las gracias otra vez y desear estar otra vez en circulación y, a ser posible, con un buen ritmo de publicación...

EL VAMPIRO (antología)

2007-07-27T12:23:00.000+02:00

Título original: Wl Vampiro
Autor: Varios Autores
Recopilación: Conde de Siruela
Año: 2006

Nos encontramos ante una antología centrada en torno a la figura del vampiro romántico y su evolución a través de diferentes autores de distintos países, que muestran diferentes visiones del mito.
El volumen se abre con un extenso e interesante prologo del propio Conde de Siruela (de cuya familia no quiero acordarme, pues no viene al caso... ¿verdad?) en el que se analizan los orígenes y formas tradicionales del vampiro hasta llegar a la época de la que se ocupa esta antología: El romanticismo. Tras esta introducción encontraremos, prologados escuetamente de manera individual, cuentos, novela corta, fragmentos de novela e incluso un poema, todos ordenados por un lógico orden cronológico....
El primero de los cuentos es No Despertéis a los Muertos de Johann Ludwig Tieck. Con un punto de fábula moralista, nos cuenta como un enamorado consigue resucitar a su antigua esposa, pero esta no revive del todo....
Seguimos con El Vampiro de John William Polidori, un cuento del que si bien se ha criticado en numerosas ocasiones su dudosa calidad literaria, es la obra que más ha influenciado la literatura fantástica británica y la responsable de configurar el modelo del vampiro romántico.
A continuación nos encontramos con la única incursión de E.T.A. Hoffmann en el tema vampirico. Su relato Vampirismo pertenece a la colección incluida en Los Hermanos de San Serapión, obra en la que el autor relata las tertulias literarias a las que asistía en una taberna de Berlín allá por el año 1816.
Berenice de Edgar Allan Poe es el siguiente cuento y, aunque su inclusión en esta antología esta traída un poco por los pelos, siempre es de agradecer la oportunidad que se nos ofrece de releer uno de los mejores relatos del maestro americano.
La Muerta Enamorada, de Théophile Gautier, es a mi gusto el más (o el único) pesado e insulso de lo incluido en esta publicación. Y es que a mi, los románticos franceses me empalagan y saturan con facilidad. En todo caso, si no compartís mi aversión por la literatura francesa del S.XIX, es perfectamente disfrutable.
De Alexei Tolstoi, debido entre otras cosas a la larga sombra de su primo, solo se conserva este relato de pesadilla titulado La Familia del Vurdalak. Según la tradición de Europa del este, el Vurdalak es un tipo de vampiro que elige como víctimas solo a amigos y familiares, así que ya podéis imaginar lo que le ocurre a su familia... Sin duda, uno de los más espeluznantes de los que aquí se incluyen.
James Malcom Rymer es quien con su Varney, el Vampiro o La Fiesta de Sangre fijo todos los tópicos del vampirismo... Del extracto seleccionado de esta novela, surge el clásico ataque de la joven sola en su habitación durante una noche tormentosa.... Toda mala película de vampiros, y alguna de las buenas, le debe mucho a J.M.R.
Como dije, esta antología incluye un poema, que no es otro que La Metamorfosis del Vampiro de Baudelaire, que se incluye en su versión original en francés y en una traducción que ignoro si es buena o mala por que yo de francés las gracias y poco más...
A este poema le sigue Carmilla, que junto con El Vampiro de Polidori es el antecesor mas claro de Dracula, con la que Joseph Sheridan Le Fanu no solo introduce un claro, aunque casto, elemento lesbico, si no que desarrolla el tema del ataque prolongado del vampiro a su víctima predilecta...
A continuación, le sigue un extracto de la novela de vampiros por excelencia, Dracula. Concretamente los primeros capítulos , que corresponden a la primera parte del diario de Jonathan Harker, elegidos por considerarlos los mejores de la novela...
El Conde Magnus de M.R. James, otro relato en el que el elemento vampirico es algo dudoso, cuenta con el aval de ser uno de los preferidos de Lovecraft, el cual, dicho sea de paso, escribió varios relatos poderosamente influenciados por este. Solo por eso, merece la pena echarle un vistazo.
Con el brevísimo pero muy original cuento de Horacio Quiroga, El Almohadón de Pluma, nos encontramos, aparte de con el único escrito originalmente en lengua castellana de la antología, con la perfecta asimilación del vampirismo dentro de la realidad mágica, más allá de la pura ficción, de Hispanoamérica.
Ya casi acabando, y mucho más romántico de lo que cabria esperar para un cuento de 1911, tenemos Porque la Sangre es la Vida de Francis Marion Crawford, en el que encontraremos robos, asesinatos, vampiros e incluso exorcismos... Una autentica joya.
Y por ultimo, el relato de Edward Frederick Benson, La Habitación de la Torre, que ya poco o nada tiene que ver con el relato romántico de vampiros. De hecho, con sus importantes pasajes oníricos recurrentes y su poderosa atmósfera se asemeja más a un relato de horror del periodo de entre guerras americano.

En resumen, se trata de una gran antología que incluye algunas interesantes curiosidades, ademas de algunos imprescindibles, entre los que destaca el cuento de Polidori, ya que no es demasiado fácil de localizar en la oferta editorial de este país. Haceos con el, si lo tenéis a bien, merece la pena.

La Portada de Marras

2007-07-21T15:09:00.000+02:00

Aunque no tiene ninguna relación con el contenido de este blog, he creído oportuno hacer una pequeña excepción en este caso.... Como todos sabréis El jueves ha sido secuestrado del los quioscos y es posible que se proceda a la clausura de su pagina web. Ante esta posibilidad, creo oportuno colgar en cuantos más sitios mejor el dibujo que ha sido causa de esta medida que no se conocía en este país desde los tiempos de La Codorniz.... Solo Añadir una pregunta: ¿creéis que se debe como han dicho a la postura explícitamente sexual(?) o al chiste en si mismo?

CREEPSHOW

2007-07-13T12:31:00.001+02:00

Titulo Original: Creepshow
Año: 1982
Duración: 100 minutos aprox
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: George A. Romero
Guión: Stephen King
Fotografía: Michael Gornick
Montaje: Pasquale Buba, Paul Hirsch, Michael Spolan y George A. Romero
Música: John Harrison
Reparto: Tom Atkins, Viveca Lindfords, Ed Harris, Stephen King, Leslie Nielsen , E.G. Marshall, Hal Holbrook, Adrianne Barbeau, Ted Danson, Fritz Weaver y Tom Savini

Tras ser sustituido por Tobe Hooper a la dirección de El Misterio de Salem's Lot, Romero se había quedado con las ganas de adaptar al cine el material de su amigo Stephen King... El desquite vino con esta película de capítulos en la que el propio King se encargaría de escribir el guión de estos, algunos adaptados de sus propios relatos cortos...
Creepshow esta planteada ademas como un homenaje a los cómics de E.C., de los cuales ambos eran fanáticos. De este modo y partiendo de la historia de un padre que regaña a su hijo por tener un cómic de terror y con unos insertos estilo cómic y alguna secuencia de animación, se nos presentan cinco historias de terror, con distintos grados de humor, con la gran virtud de no presentar graves problemas de ritmo, problemas que suelen arrastrar este tipo de películas, pues cada 35 minutos vuelven a empezar con otra presentación de personajes y situaciones... Si la carencia de este problema se debe a la corta duración de los relatos, que van rápidamente al grano, no obstante son cinco y no los tres acostumbrados, o a que están dirigidos por un solo director, no sabría decirlo. Pero es, desde luego, una de sus principales virtudes...
Más allá de valoraciones generales, es importante hacer unos apuntes sobre los relatos: El primero de ellos, El Día del Padre, es un clásico relato de venganza desde la tumba, muy al estilo de Historias de la Cripta, que sirve para marcar el tono cómico macabro del film y cuyo principal aliciente es comprobar lo bien que ha envejecido Ed Harris... (Po cierto: Quiero mi tarta). A continuación tenemos La Solitaria Muerte de Jordy Verrill, en la que un paleto solitario, interpretado por el propio King, toca un meteorito que cae en su granja y poco a poco acaba cubierto de musgo espacial. Se trata de un oscuro delirio cómico, que fue mutilado o directamente excluido en su exhibición en cines, pero, por suerte, recuperado para el formato domestico. Después Leslie Nielsen hace de cruel y malvado marido cornudo en La Marea, otro clásico relato que podría haber dibujado el genial Graham "Ghastly" Ingels, así de desquiciado y mezquino es su personaje principal. A este le sigue la adaptación de un relato del propio King en La Caja, inspirado en el Demonio de Tazmania (el de la Warner no el de verdad) y del que no revelare nada, ya que es, a todos los niveles, el más sugerente de todos... Y ya para acabar, La Invasión de las Cucarachas, en la que un viejo y mezquino millonario obsesionado con la limpieza y la desinfección recibirá su merecido de la mano de un ejercito de esos "simpáticos" insectos...
Por último, decir que aunque para tratarse de Romero y de la época el contenido gore es escaso, si se tiene en cuenta que el film esta dirigido a un publico principalmente prepuber, lo poco que aparece es bastante notable, y si no, compararla con Critters...

HALLOWEEN 2

2007-07-05T15:37:00.000+02:00

Titulo original: Halloween II
Año: 1981
Duración: 92 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Rick Rosenthal
Guión: John Carpenter y Debra Hill
Fotografía: Dean Cundey
Montaje: Mark Goldblatt y Skip Schoolnik
Música: John Carpenter y Alan Howarth
Reparto: Jamie Lee Curtis, Donald Pleasence, Charles Cyphers, Lance Guest, Hunter Von Leer y Nancy Stephens

Michael Myers escapa herido por el doctor Loomis y continua matando por jovencitas en su búsqueda de Laurie, que ahora se encuentra en el hospital a causa de las heridas sufridas...

La primera secuela de Halloween empieza justo donde acababa la primera parte, y nos relata lo que sucede al madrugada de esa misma noche en Haddonfield, Illinois. Este acertado planteamiento del argumento se combina con un guión funcional (como lo era el de la primera entrega, no nos engañemos), constituyendo así una digna secuela del original, en la que, ademas, se nos da respuesta a unos interrogantes que, eso si, nunca nos habíamos planteado, pero que serán útiles a la hora de plantear otras secuelas, como la infame Halloween H20. Con todo, hay que decir que Rick Rosenthal no es John Carpenter y que, pese a manejar bien las escenas de terror, dotándolas de tensión, esta se pierde a cada momento en que no acecha Myers, quedándose todo en un carrusel que pierde fuelle por momentos... Esto sin contar con que el uso de los encuadres y la habilidad con la que Carpenter maneja el Scope, aquí se ve por ninguna parte. En cuanto a la banda sonora es continuación de la anterior aunque más trabajada musicalmente, no obstante Carpenter cuenta con la ayuda de Alan Howarth, no es tan efectiva como en el original...

En definitiva, nos encontramos con una secuela disfrutable, aunque muy inferior en los aspectos cinematográficos, del clásico de Carpenter...

HOSTEL 2

2007-06-24T16:03:00.000+02:00

Titulo Original: Hostel: Part II
Año: 2007
Duración: 93 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Eli Roth
Guión: Eli Roth
Fotografía: Milan Chadima
Montaje: George Folsey Jr. y Brand E. Wilhite
Música: Nathan Barr
Reparto: Lauren German, Roger Bart, Heather Matarazzo, Bijou Phillips, Richard Burgi, Vera Jordanova, Jay Hernandez, Jordan Ladd, Stanislav Ianevski, Milan Knazko, Zuzana Geislerová, Ivan Furak y Monika Malacova

Tres estudiantes de arte americanas en Roma deciden ir un fin de semana a Praga. Tras un desgraciado incidente en el tren, una joven eslovaca las convence para que vayan a un pequeño pueblo conocido por sus aguas termales, una vez allí, se alojaran en nuestro conocido hostal... Al mismo tiempo, dos ejecutivos americanos contratan los servicios de la organización para "pasar a otro nivel"...

Esta temprana secuela de Hostel viene a ser más o menos lo mismo que la anterior, salvo por el hecho de que es todo lo contrario... No, no es solo que ahora las víctimas sean tres chicas y no tres chicos, lo que diferencia a estas dos películas son cosas más esenciales... Desde un primer momento resultaba evidente que no era muy coherente realizar la misma película cambiando solo el genero de los protagonistas (tal vez así hubiera respondido mejor la taquilla, pero eso ya es otra historia). Si la primera película se convertía en un survival setentero con un protagonista que huye de una organización y unos clientes de los que apenas sabemos nada (ni nos hace falta, que eso contribuye a generar tensión, lo mejor del film), tocando por el camino temas como la venganza desde una perspectiva seria e incluso melodramática a veces (ganándose una fama de pretenciosa, justificada en algunos momentos). En el caso de esta que nos ocupa, Eli Roth nos presenta a los clientes y el funcionamiento de la organización, retrasando de este modo el comienzo de la acción y perdiendo gran parte de la tensión y el suspense a cambio. Al mismo tiempo, los temas que trata en el film son otros y la forma de hacerlo también; ya no se puede acusar a Roth de pretencioso, aunque si de banalizar, y es que finalmente, decide tomarse a broma a si mismo y, ademas de algunos guiños durante la primera parte del metraje, la película opta por el delirio cómico/bizarro en los últimos minutos del film (con lo que pierde al 90% del publico general)...
En cuanto al tema de la sangre, pues ocurre como con la primera parte: Que la promoción hablaba de sangre y gore cuando (casi) no los había... En esta ocasión se ha hablado de más contenido explícito (cuando de hecho creo que hay menos), pero ni la escena a lo Elizabeth Báthory, ni las finales precisan de estómagos entrenados... Solo la suerte que corre un secundario (esto que sigue puede considerarse un pequeño spoiler, así que aviso) , el personaje que interpreta Stanislav Ianevski (Victor Krum en la cuarta entrega de Harry Potter), es realmente pertur- badora, incluso demasiado (fin de spoiler).

En definitiva, Hostel 2 se convierte en una violenta sátira del capitalismo salvaje que todo lo compra y todo lo vende, corrompiéndolo en el camino, que gustara a los que gusto la primera (aunque a alguno perderá), que odiara quien odiara ya Hostel y que tal vez consiga convencer a quienes no lo hizo la anterior por pretenciosa... Yo, personalmente, me quedo con la primera, aunque le concedo a Roth el hecho de que ha planteado la secuela de una de las mejores formas posibles y... ¡Que demonios! También me ha gustado.

LA CASA DE LOS HORRORES

2007-06-20T02:14:00.000+02:00

Titulo Original: The Funhouse
Año: 1981
Duración: 96 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Tobe Hooper
Guión: Larry Block
Fotografía: Andrew Laszlo
Montaje: Jack Hofstra
Música: John Beal
Reparto: Elizabeth Berridge, Cooper Huckabee, Largo Woodruff, Miles Chapin, Shawn Carson, Jeanne Austin, Jack McDermott, Kevin Conway y Wayne Doba

Cuatro jóvenes, dos parejas, van a modo de cita a una feria itinerante, en la que casualmente aparecieron dos adolescentes muertas el año anterior en otra ciudad. Una vez allí, deciden quedarse a pasar la noche escondiéndose en el tren del terror, donde, ya cerradas las puertas, serán testigos de un asesinato...

La Casa de los Horrores empieza con una secuencia que "recuerda" tanto al comienzo de Halloween como a la mítica escena de la ducha de Psicosis, a excepción, por supuesto, de que a lo que estamos asistiendo es a una broma infantil. Es una escena que en manos de otro director resultaría un arranque patético y poco halagüeño, en manos del loco de Hooper se convierte tanto en un homenaje a dos de las cumbres del cine de Psicópatas, como en toda una declaración de intenciones que viene a afirmar que lo visto en esas películas no es más que un juego de niños. Después de esto, la pregunta esta clara: ¿Cumple lo que promete? Pues si y no. Si, si lo que observamos es toda su filmografía. No, si nos centramos solo en este film. Aun así es una película sobresaliente, sobre todo, por lo poco que se resiente de lo que en otros films serian fallos insalvables. Para empezar, la trama da poco juego, pero es innegable que Hooper se lo saca completamente. Pero lo que llama más la atención es que tarda más de cuarenta minutos en plantear la situación, algo que sería mortal de necesidad aquí es conducido de tal manera que no se pierde interés debido, principalmente, a los modos de su director, que consiguen crear un ambiente ominoso sin necesidad de introducir en esa primera parte nada terrorífico o misterioso, creando tensión de cosas tan banales como un ilusionista charlatán o, la más inquietante, pero no más que repugnante, caseta de los animales freaks.

En definitiva, se trata de un film menor dentro de los niveles de calidad anteriores a la devaluación del cine de este esencial director del genero, tal vez el más el más innovador de su época en lo que se refiere a sintaxis cinematográfica... Superior a sus últimos trabajos, inferior a otras obras suyas de los años 70 y 80.

VIDEODROME

2007-06-01T14:49:00.001+02:00

Titulo Original: Videodrome
Año: 1983
Duración: 89 minutos aprox.
Nacionalidad: Canadá
Color

Dirección: David Cronenberg
Guión: David Cronenberg
Fotografía: Mark Irwin
Montaje: Ronald Sanders
Música: Howard Shore
Reparto: James Woods, Sonja Smits, Debbie Harry, Peter Dvorsky, Leslie Carlson, Jack Creley, Lynne Gorman y Julie Khaner

El director de una pequeña cadena de televisión, que ofrece pornografía y gore a sus espectadores, esta buscando algo nuevo e impac- tante. En su búsqueda da con Video- drome, una señal pirata capaz, no solo de cambiar la mente, sino la carne de las personas...
Si hubiera que reducir la obra de un director a una sola película, tarea harto complicada en el caso de los buenos directores, la elección tendría que tener en cuenta varios parámetros; ademas de la calidad cinematográfica del film, la originalidad e importancia del discurso serian elementos esenciales. Así, dentro del genero que aquí nos ocupa, para Tobe Hooper sería La Matanza de Texas, para Romero, La Noche de los Muertos Vivientes, y en el caso de Carpenter, la elección podría ser En la Boca del Miedo, principal- mente por la importancia y unicidad de su discurso. Fuera del Genero, con Kubrick, por ejemplo, sería 2001 y con Welles Ciudadano Kane. En el caso de Cronenberg la elección es, casi seguro, Videodrome, de nuevo por su discurso más que por su calidad (que la tiene, no me interpretéis mal).
Videodrome, lejos de ser una película redonda, tiene algunos problemas de ritmo (cosa grave en un film de hora y media) y estructura que quedan completamente eclipsados por el contenido subyugante de la cinta, que, no lo olvidemos, despacha en una sola escena las discusiones sobre los peligros de las imágenes videograficas, y la exposición masiva e indiscriminada a ellas, tal y como se siguen discutiendo hoy día, para pasar a plantearse unas teorías mucho más complejas sobre la futura evolución humana y su relación con la tecnología y, especialmente, los medios de comunicación. Y lo hace contraponiendo dos conceptos, similares pero dispares: Videodrome: Subyugación del individuo a la tecnología y a quienes la controlan. Y la Nueva Carne: Fusión simbiótica, simbólica o real, de hombre y maquina. Todo esto, es mostrado de forma cruda, compleja y abierta a interpretaciones, siempre presuponiendo la mayoría de edad mental del espectador, condición indispensable para su mensaje, resumido en una proclama repetida hasta 4 veces (dos de ellas al final) y ultima frase del film: "Muerte a Videodrome, larga vida a la Nueva Carne".

IT (ESO)

2007-05-29T01:22:00.002+02:00

Titulo Original: It
Año: 1990
Duración: 180 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Tommy Lee Wallace
Guión: Lawrence D. Cohen y Tommy Lee Wallace
Fotografía: Richard Leiterman
Montaje: David Blagsted y Robert F. Shugrue
Música: Richard Bellis
Reparto: Harry Anderson, Dennis Christopher, Richard Masur, Annette OToole, Tim Reid, John Ritter, Richard Thomas, Tim Curry, Jonathan Brandis, Brandon Crane y Adam Faraizl

En Derry, cada 30 años, aparece un monstruo que cambia de forma (con predilección por la de un siniestro payaso) y asesina a niños de la localidad. Cuando los asesinatos se vuelven a producir, un grupo de amigos que venció al monstruo en los años 50, se reúne con la intención de acabar con el definitivamente.
Basado en la que posiblemente sea la novela más representativa de Stephen King, It es un telefilm de terror más que resulton. De hecho, para tratarse de un producto televisivo, es sobresaliente. Tommy Lee Wallace dirige una producción bastante cuidada, pese a las limitaciones del medio en lo referente a la ambientación de época (reducida a dos calles y al riachuelo), donde música, fotografía y montaje acompañan debidamente a una realización sin alardes pero efectiva. Entre los actores, alguna cara conocida de televisión y poco más, exceptuando, claro esta, a Tim Curry, pasándoselo estupendamente como el payaso Pennywise. El gran pero será seguramente ese camarón gigante del final del film, y es que el presupuesto de efectos especiales se ve que no era muy boyante, aun así el todo no resulta demasiado dañado... Un dato más, para los curiosos, una vez más, como en varias adap- taciones de novelas de King, se barajo el nombre de George A. Romero, pero una vez más su incapacidad para adaptarse a las normas televisivas supuso su salida del proyecto en un estadio muy temprano.
En definitiva, efectivo y eficaz, siempre que se tenga en cuenta que es un telefilm, como los del sábado por la tarde, solo que en lugar de basarse en hechos reales o en una novela de Mary Higgins Clark lo hace en una del llamado Maestro del Terror.

LA GORGONA

2007-05-20T17:45:00.000+02:00

Titulo Original: The Gorgon
Año: 1964
Duración: 83 minutos aprox.
Nacionalidad: UK
Color

Dirección: Terence Fisher
Guión: John Gilling
Fotografía: Michael Reed
Montaje: Eric Boyd Perkins y James Needs
Música: James Bernard
Reparto: Peter Cushing, Christopher Lee, Richard Pasco, Barbara Shelley, Michael Goodliffe, Patrick Troughton, Jack Waston, Jeremy Longhurts, Toni Gilpin

En una pequeña localidad alemana se vienen sucediendo una serie de misteriosos crímenes, las víctimas aparecen convertidas en piedra. En el ultimo caso, se aprovecha el suicidio de un forastero, novio de la ultima víctima, para llevar el caso a juicio y declare culpable.... El padre del joven, convencido de su inocencia, permanecerá en el pueblo, a pesar de la hostilidad de habitantes y autoridades, para averiguar la verdad y limpiar el nombre de su hijo...
A un simple vistazo, La Gorgona, es una rareza dentro de la producción de terror la Hammer. Su innegable calidad, no obstante es obra del singularmente talentoso Terence Fisher, no ha sido suficiente para dejar una huella en la memoria del publico, como lo hicieron La Momia, Frankenstein, el Hombre Lobo y, sobre todo, Dracula. Tal vez sea la naturaleza del monstruo, una criatura mitológica desgajada de su entorno original, nunca antes planteada y nunca después revisitada, la que impide esa fantástica familiaridad que si se produce con otras películas de la factoría británica. Curiosamente, la estructura del relato que se nos plantea en La Gorgona permite sustituir la criatura mitológica por la figura del licántropo, sin resentirse la historia y, seguramente así seria considerada como una de las cumbres del director. Pero, de ese modo, perdería ciertos elementos, a nivel de simbología principalmente, que le harían perder su singularidad y, paradójicamente, nos encontraríamos con una obra menor de lo que es. Lo que vengo a decir con todo esto es que, lo que hace a La Gorgona ser un film especial y original también la relega a un segundo plano, convirtiéndose en un film normalmente olvidado y, por consiguiente, raramente valorado justamente.
Ademas de todo esto hay otros aspectos de la película que merecen ser resultados. Como el peculiar intercambio de roles entre Peter Cushing y Christopher Lee. El hecho mismo de que los protagonistas se enfrenten más a la negación del problema por parte de las autoridades del lugar, no solo las policiales, sino también, y en mayor medida, a las intelectuales. Las propias motivaciones de esta negación por parte del personaje de Cushing, finalmente el claro antagonista del film, relegando a la Gorgona a un segundo lugar. Y sin olvidar los aspectos formales, la consabida calidad escenográfica, el color y la magnifica puesta en escena, que siempre han de esperarse de Fisher unida a la banda sonora de un James Bernard en estado de gracia que a más de uno le hará recordar el Dracula de Coppola. Mi recomendación, por tanto, es casi, si no directamente, imperativa.

LA PROFECIA

2007-05-17T17:24:00.000+02:00

Titulo Original: The Omen
Año: 1976
Duración: 110 minutos aprox.
Nacionalidad: USA, UK
Color

Dirección: Richard Donner
Guión: David Seltzer
Fotografía: Gilbert Taylor
Montaje: Stuart Baird
Música: Jerry Goldsmith
Reparto: Gregory Peck, Lee Remick, Billie Whitelaw, David Warner, Harvey Stephens, Patrick Troughton, Martin Benson, Robert Rietty, Tommy Duggan y John Stride

Robert Thorn oculta a su esposa que su hijo ha muerto al nacer y que ha sido sustituido por un bebé huérfano. Damien, que es como llaman al niño, crece entre algodones como hijo del embajador americano en Londres, hasta que en su quinto cumpleaños su niñera se suicida ante todos los invitados... Es entonces cuando aparece un extraño sacerdote que le dice a Robert que su hijo es el Anticristo.
La Profecía es una de las piezas clave (junto con La Semilla del Diablo y El Exorcista) de ese cine de terror, algo acomplejado, dirigido al publico mayoritario que se dio en los años 70 y cuyo ultimas referencias a tener en cuenta son Al Final de la Escalera y, en menor medida, Poltergeist o El Resplandor (estas ultimas más por el publico al que fueron capaces de atraer que por su factura o contenidos). Un producto claro de la Serie A de la época, muy alejado de lo que se hacia entonces en la Serie B (La Matanza de Texas o La Última Casa a la Izquierda). Enfocada en gran medida como un thriller y tomando la estructura de una investigación que realizan sus protagonistas para esclarecer los orígenes de Damien y así averiguar que esta pasando, La Profecía huye, salvo en en la escena del cemen- terio, donde se producen importantes revelaciones, o en sus minutos finales, de los resortes clásicos del genero. Su fuerza y atractivo surgen de otros aspectos, principalmente un reparto espectacular, encabezado por Gregory Peck, cuyos hombros sostienen en gran medida el film, la fotografía y el sobrio, pero eficaz, montaje, a la altura de la realización de Donner (en lo que es, no olvidemos su primer trabajo cinematográfico) y la soberbia música de Jerry Goldsmith, con la que gano por fin su único Oscar entre unas 17 nominaciones a lo largo de su carrera.
Una pieza clave del terror americano, que derivo en una saga irregular pero bastante digna, y cuyo remake esta totalmente injustificado por que, aun 30 años después, su fuerza y atractivo permanecen intactos...

HELLBOY

2007-05-14T10:36:00.000+02:00

Titulo Original: Hellboy
Año: 2004
Duración: 122 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Guillermo del Toro
Guión: Guillermo del Toro
Fotografía: Guillermo Navarro
Montaje: Peter Amudson
Música: Marco Beltrani
Reparto: Ron Perlman, Rupert Evans, Karel Roden, Selma Blair, John Hurt, Doug Jones, Jeffrey Tambor, Brian Steele, Ladislav Beran, Bridget Hodson y Corey Johnson

A finales de la segunda guerra mundial Hitler recurre al ocultismo para intentar dar la vuelta a la guerra y, valiéndose de Rasputin, invocar una fuerza demoniaca capaz de barrer a sus enemigos... El ejercito americano consigue sabotear la operación, pero no antes de que un bebe demonio (Hellboy) cruce el portal. Ya en nuestros días, Hellboy es el agente más valioso de una agencia secreta gubernamental que trabaja en el campo de lo paranormal...
Tras la solvencia que demostró Guillermo del Toro en esto de la adaptación de cómics con Blade II, pudo permitirse encarar su deseado proyecto de Hellboy de la forma que quería hacerlo, y que de otro modo no hubiera sido posible (el protago- nismo de Ron Perlman o la activa colabora- ción con Mike Mignola, creador del cómic original). Esto, unido al hecho de que rechazara proyectos tan lucrativos como la tercera entrega de Blade (otro gallo hubiera cantado) o la tercera entrega de Harry Potter (te gusten o no te gusten, dirigir una es para ponerte en casa), que paso a manos de su compatriota Alfonso Cuaron, otorgaron al film una cierta fama de película de autor. Y en realidad lo es, ya que la idea de hacer Hellboy, como el mismo guión, son del propio director, pero también ocurre lo mismo con, por ejemplo, Alien Vs. Predator y a nadie se le ha ocurrido hacer un comentario en esa dirección...
Ya, entrando en lo que es la película, como adaptación del cómic, decir que es fiel en espíritu y esencia, aunque incorpora cambios de vital importancia, sobre todo en algunas relaciones de personajes o en la inclusión de Kroenen en esta historia, que lejos de molestar al lector le aportan esa pizca de algo más que a muchos les falto en Sin City (a mi no, la verdad) y a otros les sobro en 300 (ahí si me incluyo), pero que en este caso no queda duda de que es para bien. Siguiendo por los aspectos de la pre- producción, el diseño de personajes y criatura es más que bueno, el caso de H.B. es, ademas, un claro ejemplo de acierto de casting. Tanto montaje y fotografía, así como la música, dan un paso más allá que en Blade II y en lo que se refiere a FX e nivel es bastante alto (permitiendo la convivencia de tradicionales animatronics con CGI). Lo curioso del film, es que en un primer visionado me dejo bastante frío pero desde el segundo y más ahora con el tercero, me he convertido en un autentico entusiasta... No se si se debe a que el día que la vi no estaba receptivo, si mi gusto ha empeorado desde entonces o si se trata de una película que gana con los visionados (cosa habitual con las películas que se ven con una imagen preconcebida que no se ajusta a la realidad, común entre las adaptaciones), pero el caso es que he de recomendarla tanto o más a aquellos que la vieron y no les convenció como a quien aun no la haya visto... Y es que mi experiencia personal podría repetirse en otros.

SEGUNDO SANGRIENTO

2007-05-08T16:08:00.000+02:00

Titulo Original: Split Second
Año: 1992
Duración: 90 minutos aprox.
Nacionalidad: UK
Color

Dirección: Tony Maylam
Guión: Gary Scott Thompson
Fotografía: Clive Tickner
Montaje: Dan Rae
Música: Stephen Parsons y Francis Haines
Reparto: Rutger Hauer, Neil Duncan, Kim Cattral, Pete Postlethwaite y Michael J. Pollard

En el año 2008, debido a la contaminación y al cambio climático, Londres esta sumido en una noche perpetua y la City completamente inundada... En este escenario, un policía poco ortodoxo busca a un asesino en serie que arranca el corazón a sus víctimas...
Segundo Sangriento es una serie b de bajo nivel que, sin embargo, llega a atrapar la atención del espectador... Empezando por su protagonista, interpretado por Rutger Hauer (el Nexus 6 de Blade Runner), nos encontramos con toda una serie de tópicos recogidos del genero de acción, sobre todo de las películas de parejas de policías, hasta tal punto, que por momentos parece que estemos ante una película de McBain... Combinado esto, en un principio, con el subgénero de psychokillers y, por último, con el clásico monstruo cazador de personas. Monstruo que recordara físicamente al de Alien pero introducido en un escenario y situaciones más propias de Depredador 2. Además, las interpretaciones nunca pasan de ser correctas (salvo Hauer, que cumple viviendo de las rentas de otros papeles anteriores), los personajes son tópicos y el guión poco trabajado... Y aun así, la película consigue mantener el interés del cinefago, debido a la inteligente dosificación de la información sobre el asesino y, es que si hay un punto fuerte de la película, este es su estructura, que puede permitir mantener el interés en el relato cuando todo lo demás no funciona...
Decididamente para ser una buena película, a Segundo Sangriento, le falta mucho... Tal vez si sus responsables hubieran sido más descarados y bizarros hubieran conseguido todo un clásico de cine trash, pero tampoco es el caso. Aun así, recomendable para aquellos que puedan ver una buena mala película y disfrutar de las buenas ideas de una producción algo casposa...

DEXTER (1ª TEMPORADA)

2007-05-03T16:40:00.000+02:00

Titulo Original: Dexter
Año: 2006
Duración: 12 capítulos de 51 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Michael Cuesta, Tony Goldwyn y Robert Lieberman
Productor Ejecutivo: James Manos Jr.
Guión: Jeff Lindsay y James Manos Jr. con: Daniel Cerone, Melissa Rosenberg, Drew Z. Greenberg, Lauren Gussis, Kevin Maynard y Timothy Schlattmann
Fotografía: Romeo Tirone
Montaje: Padraic McKinley y Scott K. Wallace
Música: Daniel Licht
Reparto: Michael C. Hall, Jennifer Carpenter, Julie Benz, Lauren Velez, Erik King, James Remar, David Zayas, C. S. Lee, Christian Camargo, Mark Pellegrino, Brad William Henke y Mark L. Young

Como forense especialista en sangre de la policía de Miami, Dexter esta fuera del caso del asesino en serie más notable de los últimos años al encontrase sus víctimas siempre troceadas y previamente desangradas... Pero como asesino en serie, Dexter siente una vinculación especial con el enigmático psicópata...

Emitida durante el año pasado en la cadena por cable Showtime, casa de la serie Masters of Horror, Dexter es una de esas series con una linea argumental principal que se desarrolla lo largo de todos los capítulos (en este caso se trata, por fortuna, de una temporada autoconclusiva, al contrario de lo que ocurre en, por ejemplo, Perdidos) y que, al mismo tiempo, aprovecha el formato serie para desarrollar una cantidad de subtramas que de mayor o menor duración, pero que aportan color a los secundarios y, lo más importante, permiten explorar más la mente del protagonista... De hecho, este es el aspecto más interesante y particular de la serie, las voces en off del protagonista, con sus pensamientos y reflexiones sobre su carencia de empatía o sentimien- tos, que, junto con el ambiva- lismo moral que deriva de contar con un personaje tal como protagonista, ponen a prueba al espectador, sobre todo en sus primeros capítulos, pasados los cuales, el suspense de la propia trama es perfectamente capaz de mantener la atención...
Cabe destacar, ademas, la calidad del guión (adaptado de la novela El Oscuro Pasajero), que se mantiene al nivel de la propuesta, una factura de buena calidad tanto en la realización, la fotografía, o la edición, como en la música (tema principal realmente atractivo) o la eficiente plana actoral, que hacen de Dexter una serie a tener muy en cuenta, pero de difícil difusión en nuestro país, que acabara limitandose a canales temáticos o altísimas horas de la madrugada....

Solo una cosa más, aquí tenéis la cabecera que describe a la perfección el tono de la serie...

UN REPASO A LA FILMOGRAFIA DE JOHN CARPENTER 3: UNA DE CAL Y OTRA DE ARENA

2007-04-22T23:21:00.000+02:00

...Empieza aquí. ...Viene de aquí.

Por fin, ya tenemos aquí la última parte de este articulo en el que se pretende ofrecer una vista general de la filmografía de John Carpenter, uno de los directores de cine de terror y fantástico más importante de las ultimas décadas...

Tras dos años del estreno en televisión de Body Bags, en 1995 aparece El Pueblo de los Malditos, remake del clásico de Wolf Rilla del mismo titulo. Aun aportando a la clásica historia la paranoia corporativa, tan en boga por esos años, y un giro interesante sobre el alienígena desparejado, es para mi la cinta más decepcionante de Carpenter... Pocos alicientes, salvo la presencia siempre curiosa de Mark Hamill y el protagonismo de Christopher Reeve, es una película que adolece de una tremenda falta de ritmo que se desmonta por todos lados, y que no levanta ni por donde las peores películas de J. C. lo hacen.

Tal vez para acallar su mala conciencia por su anterior película, Carpenter nos presenta ese mismo año, En la Boca del Miedo: De inspiración Lovecraf- tiana, sin basarse en ninguna de las obras del escritor, se trata de una de sus mejores películas (aunque cuenta con una gran cantidad de detractores). En ella, no solo se limita a plasmar inteligentemente las constantes de la obra del escritor de Providence, si no que realiza una importante reflexión sobre la relación de la ficción y la realidad, sobre la creación y sobre el poder humano de crear dioses y monstruos... Mención especial merece Sam Neill, su protagonista, que consigue darle al conjunto un elemento cómico soterrado sin perder la tensión en ningún momento.

Un año antes de que 1997, Rescate en Nueva York, quedara completamente y definitivamente anticuada, es decir, en 1996, aparece en los cines su particular secuela/remake/parodia 2013: Rescate en L.A.. En ella volveremos a ver a Kurt Russell interpretando a Sanake Pliskin y reviviendo las mismas situaciones que en Nueva York dadas la vuelta y retorcidas de forma cómica... Imposible de tomarse en serio y, por esta razón, considerada por muchos como menor que la original, goza de unas cotas de diversión en estado puro, que ninguna otra cinta de Carpenter ha conseguido, no solo por su comicidad, acción y cachondeo sano, si no debido a un ritmo que hace empalidecer al, por otro lado notable, de su predecesora y solo comparable al de Golpe en la Pequeña China. Ademas, para los que busquen argumentos más "serios" para alabarla, su critica política es más directa (aunque por ello menos efectiva), superando las cotas de Están Vivos...
La cuestión final sobre este film es: ¿Para cuando 2025: Rescate en Springfield?

Ya en el año 98, Carpenter toma uno de los mitos más sobados del cine de terror en, la para mi estupenda, Vampiros. En ella James Woods, interpretando a Kurt Russell (en que estaría yo pensando), se nos presenta como el líder de uno de los equipos de cazavampiros al servicio del Vaticano, que tras perder a su equipo se enfrentara, junto con una prostituta a medio camino de la transformación, su único hombre que quedo con vida y un cura novato en esto del vampirismo, contra nada más y nada menos que Dracula, digo Valek (en que estaría yo pensando otra vez) el primero de todos los vampiros. La película, como en otras ocasiones en su filmografía, tiene un gran sabor a Western, subrayado esta vez por el la ubicación de la trama, la fotografía y la música... Algún pero tiene Vampiros, y es ese final tan abrupto de la secuencia de la ceremonia hacia el final del film, una nimiedad, en el fondo, pero que deja un mal sabor de boca, después de haber visto secuencias tan espectaculares como la de la matanza en el motel...

Después de otro largo paron, en 2001 llego la, en general, poco afortunada Fantasmas de Marte, una película que de tan sosa y poca cosa que les quedo, decidieron deconstruir el montaje eliminando cualquier acción paralela, recurso que, aunque funciona y eleva el nivel de la película, se aprecia como forzado e, incluso, innecesario... Con una trama algo ridícula y una producción de serie b de los 80 que ya a estas alturas no aguanta el tipo, la película es sin duda de las menos afortunadas que ha hecho. Pese a ello, cuenta con un par de apuntes que no dejan de ser interesantes: Ademas de la ya mencionada deconstrucción, esta la representación de una sociedad que ha evolucionado hacia el matriarcado y esos dos protagonistas que responden al clásico patrón del antihéroe Carpenteriano de acción, lo que en definitiva, permitirá disfrutar al seguidor de su filmografía...

De nuevo un largo descanso hasta que, gracias a la iniciativa del nefasto Mick Garris, la serie Masters of Horror nos devolviera, esta vez en pequeña pantalla y en formato medio metraje, dos obras de este autentico maestro del genero... La primera de ellas, Cigarette Burns (editada en España en DVD como El Fin del Mundo en 35mm), es uno de los mejores capítulos de la serie (para mi el mejor, seguido del de Joe Dante, aunque el mejor valorado por muchos sea Imprint, de Takashi Miike, que a mi me horrorizo bastante, pero en el mal sentido). En el, nos volvemos a encontrar con el Carpenter de En la Boca del Miedo, cinta con la que este capitulo guarda varios similitudes, tanto argumentales como estructurales, y el la que vemos un uso de la violencia inédito en su cine, al menos hasta ese momento, aunque en contadas ocasiones... La experiencia y la respuesta del publico fue tan gratificante, que el año siguiente repitió con el sexto capitulo de la segunda temporada, Pro-Life, un desgraciado capitulo que, aunque empieza muy bien (de hecho su primera media hora es magnifica, en el modo que crea tensión), acaba convirtiéndose en una simple curiosidad por su alto, para tratarse de Carpenter, contenido gore, donde ademas aparece un tipejo a cámara lenta disfrazado penosamente de diablo, de tal modo que J. C.parece estar cachondeándose de todo el mundo y de si mismo el primero... Tan imposible es tomarse este capitulo en serio...

Y, de momento, así hemos llegado al fin, a la espera de que se materialice alguno de los proyectos que vienen anunciándose desde algunos años, cobra fuerza el de Psycopath, esta es su filmografía al completo (o casi, ya que como decía en la primera parte, ni hablo de sus cortometrajes, ni de sus dos primeros telefilms) y, como es lógico, este articulo llega al fin a su fin.

ALTA TENSIÓN

2007-04-20T00:49:00.000+02:00

Titulo Original: Haute Tension
Año: 2003
Duración: 87 minutos aprox.
Nacionalidad: Francia
Color

Dirección: Alexandre Aja
Guión: Alexandre Aja y Grégory Lavasseur
Fotografía: Maxime Alexandre
Montaje: Baxter
Música: François Eudes
Reparto: Cécile de France, Maïwenn Le Besco, Philippe Mahon, Frank Khalfoun, Andreï Finti y Oana Pellea

Mari, que esta enamorada secretamente de Alex, es invitada por esta ultima a pasar unos días en la casa de sus padres para, aprovechando la tranqui- lidad del campo, preparar los exámenes de la universi- dad... Pero esa misma noche un psicópata asesino llega a la casa...
Alta Tensión es la segunda película (después de Furia) del prometedor director francés Alexandre Aja, y ya cuenta con los elementos que con su Tercera película, Las Colinas Tienen Ojos (2006), le han hecho ganarse el respeto de la mayor parte de los aficionados al genero. Su vuelta a los conceptos básicos y a la seriedad de los años 70, sumada a los excesos gore de los primeros 80, le sitúan entre los nombres principales de la actual revitalización del genero de terror. Si bien, como he dicho, esto ya esta presente en Alta Tensión, el reconocimiento del publico le llego con el remake del film de Craven, no solo por su calidad superior y mayor difusión... Si no por que existe un pero, más bien un gran pero, en este survival ambientado en la campiña francesa... El tantas veces comentado giro final, que da la vuelta a toda la película y que se ha llegado a decir de el que esta injustificado. Nada más lejos de la verdad, el final es perfectamente coherente con la narración y, del mismo modo que ocurría en la menos contestada El Club de la Lucha, la película esta sembrada de pistas que nos permiten adivinar lo que ocurrirá al final... De hecho, y esto que viene a continuación es un spoiler, descubrimos que todo lo que se nos cuenta en el film es la recreación de los hechos por parte de la protagonista, que se erige en víctima/heroína en lugar de verdugo, algo parecido a las declaraciones de Kevin Spacey en Sospechosos Habituales sobre Kaiser Soze. De todas formas, algunas escenas casan mal con este plantea- miento, de hecho todas las escenas en las que no participe Mari o el asesino, ya que el punto de vista objetivo no encaja con este planteamiento narrativo, con lo que la escena del policía en la gasolinera resulta innecesaria y la de las masturbación del asesino con la cabeza degollada de una joven es completamente tramposa, aunque ciertamente impagable... (fin de Spoiler).
Por otro lado, existe otra pega, tal vez menor, pero que personalmente me chirrío más que el giro final, y esta es el empleo de una canción de Muse, New Born, en la escena de la persecución en coche... Y aunque he de alabar el gusto musical de Aja (o de Besson, que también pudo ser una imposición de este), se trata de una canción que en su primera parte encaja bastante poco con la acción, rebajando la tensión, y que, personalmente, me saco de la trama. Por el contrario, la misma canción empleada en la escena final y los créditos, resulta perfectamente apropiada y supone un buen broche final...

EL PROYECTO DE LA BRUJA DE BLAIR

2007-04-14T20:40:00.000+02:00

Titulo original: The Blair Witch Project
Año: 1999
Duración: 86 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color-B/N

Dirección: Dan Myrick y Eduardo Sanchez
Guión: Dan Myrick y Eduardo Sanchez
Fotografía: Neal Fredericks
Música: Antonio Cora
Reparto: Heather Donahue, Michael C. Williams y Joshua Leonard

Tres jóvenes desaparecen en un bosque cuando rodaban un documental sobre una leyenda local, años después se encuentran las grabaciones que realizaron...
Ocho años después de su estreno, momento en el que cosecho tantos admiradores como detractores acérrimos, me he decidido a ver este film que nunca despertó en mi el menor interés... Lo que me he encontrado es una película independiente de bajo presupuesto a caballo entre el ejercicio de estilo y la tomadura de pelo, el que sea una cosa u otra dependerá finalmente del espectador, ya que los argumentos para encumbrarla o denostarla están plenamente justificados en ambos casos. Ademas, las virtudes que ven unos son inseparables de los defectos que ven otros, y cualquier intento de haber conciliado las dos cosas hubiera resultado un pastiche que no hubiera satisfecho a nadie... Pese a esto, creo que un análisis desapasionado y objetivo de esta película es perfectamente posible y que, entendida como lo que es, puede ser perfectamente disfrutable... Planteado como un falso documental, o más bien como un falso making of de un documental, la coherencia del film con su propuesta inicial es la mayor virtud de El Proyecto de la Bruja de Blair, curiosamente es esta virtud la que acaba derivando en sus defectos... Como es lógico, si solo vemos lo que los protagonistas fueron capaces de grabar, en el momento en el que estén ya incapacitados para hacerlo, dejaremos de ver lo que les ocurre... Lo que da lugar a un abrupto final, en el que todo ocurre en off y que tan frustrante fue para muchos (peor hubiera sido abandonar la diégesis en ese momento, pero eso ya es otra historia), pero que funciona poderosamente en aquellos que hayan podido sumergirse en la acción hasta este punto. Del mismo modo, resulta difícil creer que una persona grabe según que cosas, como las discusiones y peleas entre ellos o, más aun, en el caso de los acechos nocturnos o la escena de las vísceras (solo un curtido profesional de informativos o un periodista de guerra tendría el impulso de sacar la cámara si cree que su vida corre peligro), esto se justifica de una forma un tanto insatisfactoria, pero finalmente es un mal menor, después de todo, hay que intentar contar la historia. Por otro lado, resulta bastante cargante el excesivo bamboleo de cámara, justificado unas veces pero otras no, y el exagerado amateurismo de los protagonistas, que son incapaces de encuadrar correctamente un plano incluso cuando están rodando tranquilamente su, a todo esto, insulso documental.
Con todo esto, he de decir que yo pique el anzuelo y trague con sus defectos de buen grado (también es cierto que no pague una entrada de cine por verla), y me mantuve dentro de la historia, aunque comprendo perfectamente a sus detractores, más incluso que a aquellos que la veían como la película de terror definitiva para un publico exigente...

LOS MALDITOS, VAMPIROS DEL DESIERTO

2007-04-10T23:49:00.000+02:00

Titulo Original: The Forsaken
Año: 2001
Duración: 91 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: J.S. Cardone
Guión: J.S. Cardone
Fotografía: Steven Bernstein
Montaje: Norman Buckley
Música: Tim Jones y Johnny Lee Schell
Reparto: Kerr Smith, Brendan Fehr, Izabella Miko, Johnathon Schaech, Phina Oruche, Simon Rex, Carrie Snodgress y Alexis Thorpe

Un joven montador de trailers de películas de terror de serie b (el dato no es que sea relevante, pero no podía resistirme a darlo), viaja de California a florida para asistir a la boda de su hermana. Tras recoger a un autoesto- pista, que resulta ser un cazavampiros en plena persecución de uno de los 8 vampiros primigenios (los malditos), su viaje se convierte en una pesadilla...
Siguiendo la estela de la, a mi juicio estupenda, película de Carpenter: Vampiros, Los Malditos nos vuelve a mostrar unos vampiros violentos, agresivos, salvajes y alejados del tratamiento clásico que han recibido en el cine, sin aportar ninguna novedad digna de mayor relevancia y basando su argumento en la premisa, bastante sobada, de que matando al vampiro jefe, en este caso al Maldito, todos aquellos que estén en proceso de transformación quedaran libres de la maldición. Este argumento, que normal- mente resulta ridículo y suele ser utilizado más en parodias o acercamientos al vampirismo en teleseries infantiles, es resuelto con solvencia y consigue hacer la relación de los protagonistas más creíble desde el principio. Aunque el principal atractivo de esta película no sea precisamente esto, si no su mezcla de géneros, en este caso al terror se le suma la road movie (que ya en si es lo que se llama pomposamente un metagénero, que viene a ser algo así como "paquete en el que cabe de todo"). Su estructura, consistente en distintos "episodios" que transcurren durante un viaje en carretera, por donde aparecen y desapa- recen personajes, es la habitual, y lógica, de los films de carretera y permite avanzar sin problemas a una poco original historia de persecución, huida y enfrentamiento. Esto unido a unos contados guiños gore, mínimos para el nuevo resurgimiento del cine de terror pero nada despreciables en un film del 2001, son todos los alicientes que esta, siempre correcta pero nunca brillante, cinta tiene para el espectador amante del género, que sabrá apreciarla como un buen entretenimiento sin la mayor trascendencia...

SANGRE FRESCA

2007-04-05T12:05:00.000+02:00

Titulo Original: Innocent Blood
Año: 1992
Duración: 115 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: John Landis
Guión: Michael Wolk
Fotografía: Mac Ahlberg
Música: Ira Newborn
Reparto: Anne Parillaud, David Proval, Rocco Sisto, Chazz Palminteri, Joe Anthony La Paglia, Robert Loggia y Don Rickles

Una vampira empieza a alimentarse de miembros de la mafia, dificultando así la investigación de un policía infiltrado... Pero las autenticas dificultades comienzan cuando no consigue cortar la cabeza al principal Capo de la ciudad y este se convierte a su vez en vampiro.
Pese al grato recuerdo que tenia de esta película, que en este momento no se si se debe a su protagonista o a sus momentos de humor, la revisión de este titulo no ha resultado del todo decepcionante... Partiendo del hecho de que la propuesta de Landis de combinar el terror con el cine de gángsters fracasa estrepi- tosamente desde el principio, debido al uso de los tópicos más sobados de las películas de mafiosos y a la falta de tensión en las escenas de terror, puede sorprender a más de uno que no me decida a tirar a la basura cualquier intento de entresacar algo positivo de esta película que la haga merecedora de unas lineas destinadas a recomendarla. Y es que a esta película no la salva ni su carácter referencial, secuencia de títulos inspirada en Jóvenes Ocultos incluida, amen de la poco creíble emisión en una misma noche del Dracula de Terence Fisher y el de Tod Browning, ni los varios desnudos de Anne Parillaud. ¿Que es entonces, lo que me permite salvar de la quema a Sangre Fresca? Pues lo que suele ser habitual en los acercamientos de su director al terror, su descarada capacidad para mezclar este con la comedia. Es ahí donde empezara a tener interés el film para quien aguante la primera media hora. De hecho desde la escena del deposito de cadáveres, no desvelare su contenido para no estropearla, parece que todo el resto del film levanta un poco, mostrándose como una comedia de genero desacomplejada que mantiene un nivel mínimo exigible hasta en el final... Lo que en definitiva no deja de ser una lastima, por que si Landis se hubiera decidido por la comedia desde el principio del film, la película podría haber sido realmente interesante...
Solo para espectadores con importantes tragaderas...

LIBROS DE SANGRE Vol. 1

2007-03-26T13:25:00.000+02:00

Título Original: Books Of Blood Vol.1
Autor: Clive Barker
Primera Publicación: 1984

Clive Barker, que se dio a conocer al adaptar al cine su propia novela Hellraiser (The Hellbound Heart) en el año 87, había empezado su carrera literaria unos pocos años antes con una colección de relatos de terror que cuenta con 6 volúmenes titulada Libros de Sangre.
Este primer volumen, prologado por Ramsey Campbell, consta de 9 relatos en los que encontraremos desde el gore más explícito, no exento de elegancia, hasta una macabra comicidad no exenta de ironía, que unida a la sexualidad que muestra sin tapujos en ocasiones, hacen que este volumen sea una buena amalgama de temas y sensaciones que, ya sea por sugestión o por la fuerza de sus prosa, están siempre cubiertas de cierta patina de insania.
El primer relato es, como no podía ser de otra manera, El Libro de Sangre, que funciona a modo de declaración de intenciones y como portal al mundo de horrores que su autor nos ha preparado al lo largo de los 6 volúmenes.
Continua con El Tren Nocturno de Carne, relato en el que se da una potente vuelta de tuerca al psychokiller tradicional y que se muestra deudor de la obra de Lovecraft, sobre todo en sus últimos pasajes.
Con El Charlatán y Jack se mezclan el horror y el humor en la lucha que mantiene un demonio menor (el Charlatán) por apoderarse del alma de Jack, un gris comerciante de pepinillos.
El Blues de la Sangre de Cerdo, viene a ser una especie de relato sobre la locura colectiva y primitivos ritos sangrientos, ambientado en un reformatorio.
Sexo, Muerte y Luz de Estrellas es un relato de horror alrededor del mundo del teatro, que tan querido le es a Barker, no obstante su carrera empezó como escritor y director del medio.
Con En las Colinas, las Ciudades nos encontramos con un autentico espectáculo dantesco y sobrecogedor que le valió el premio British Fantasy al mejor relato corto.
Terror es un relato sobre eso mismo, el terror, en este caso desde una perspectiva psicológica y con cierta moraleja, es el mismo terror el que crea los monstruos a los que tememos.
En Acontecimiento Infernal se nos relata una decisiva batalla entre el bien y el mal que ocurre ante la mirada de millones de espectadores sin llegar a ser realmente percibida.
Y por ultimo, Jacqueline Ess: Últimas Voluntades y Testamento es un buen broche final que vuelve a la crudeza de los dos primeros relatos y aporta un poco más de terror al tema común de los poderes paranormales.

Esta antología de cuentos esta siendo publicada por La Factoría de Ideas en castellano, y no supone ninguna dificultad encontrar los tres primeros volúmenes publicados hasta la fecha.

THE DESCENT

2007-03-20T13:17:00.000+01:00

Titulo Original: The Descent
Año: 2005
Duración: 99 minutos aprox.
Nacionalidad: UK
Color

Dirección: Neil Marshall
Guión: Neil Marshall
Fotografía: Sean McCurdy
Montaje: John Harris
Reparto: Sauna McDonald, Natalie Mendoza, Alex Reid, Saskia Mulder, Nora Jane Noone, Myanna Buring y Molly Kayll

Seis amigas aficionadas a los deportes de riesgo se reúnen para hacer espeleología, pronto surgirán tensiones al descubrirse que la organizadora del viaje las ha llevado a una cueva inexplorada... Donde pronto descubrirán que no están solas.
Confieso sin ningún reparo que cuando supe por primera vez de esta película me olió a truño nada más toparme con el cartel y su manida y sobada frase publicitaria (aquello de la oscuridad). Así que la deje pasar, como hago con muchas otras películas, que veré si un día me pillan vago frente a la tele, con el mando a distancia demasiado lejos como para alcanzarlo con un leve movimiento de muñeca o, en un domingo videoclubero con ganas de absurdo y cabreo (como cuando alquile Alone In The Dark). Al tiempo de esto empece a toparme por distintos blogs con criticas y comentarios bastante halagüeños, nadie tiraba cohetes tampoco, pero parecía que el aprecio, carente de pasiones desmedidas, por esta película era más o menos unánime, o cuando menos generalizado, entre aquellos que disfrutan y comentan sobre este genero en la red. Como es lógico acabe decidiendome a verla y, como el caso es que si que me gusto, a reseñarla aquí como otra de mis recomendaciones para el aficionado o simple curioso.
The Descent, no es una película magistral, ni siquiera diría que es buena, pero decididamente no es mala, ni mucho menos el truño que en principio yo me esperaba. Para ser realmente una buena película le faltan algunas cosillas, pero tiene más que suficientes como para destacar entre la producción anual del genero. Entretenida, aunque algo lenta en entrar en materia, preocupada por definir a los personajes y añadir conflicto entre ellos, cosa que lamentablemente hace de forma algo gruesa (el principal defecto, en definitiva, del film), un diseño de criaturas que cumple su función muy bien, pero que no dejara huella en el espectador, y el gran acierto de emplear como escenario un gruta subterránea donde unas espeleologas encontraran la muerte, son las principales características que definen esta cinta, junto con el reparto (casi) enteramente femenino y, la que en mi opinión es su mejor baza, el uso de la fotografía. Esta ultima, que sin ser de gran calidad, esta empleada de forma muy inteligente y sugerente, al utilizar, en apariencia, solo luz diegética (es decir, luz justificable por la narración), así encontra- mos escenas vistas con la visión nocturna de una videocá- mara, imágenes rojizas iluminadas por antorchas y verdes por lamparas fluorescentes, aportando así una riqueza visual y un punto de realismo muy fuerte, que lamentablemente rompe en contadas ocasiones al emplear una iluminación irreal con el fin de situarnos en una acción que transcurriría en principio a oscuras... Esta falta de compromiso con la forma narrativa planteada por los mismos cineastas es lo único realmente reprochable a este film, aunque, como se produce brevemente en un par de ocasiones, pasara realmente desapercibido en la mayor parte de los casos y será, finalmente, olvidable.
Así que finalmente, con The Descent, nos encontramos con un film que, si bien no llega a cumplir con todas sus pretensiones (ojo, no digo que sea pretenciosa, si no que intenta algo pero no termina de llegar a conseguirlo), solo por el hecho de planteárselas ya resulta algo refrescante en comparación con el yermo que fue el genero en tiempos no tan lejanos que, parece, se estén dejando atrás dado el relativo aumento de productos dignos o sencillamente buenos que están llegando (junto con la basura de siempre), de la mano de una nueva generación de directores de genero.

EL PERRO DE LOS BASKERVILLE

2007-03-14T21:12:00.000+01:00

Titulo Original: The Hound Of The Baskervilles
Año: 1959
Duración: 87 minutos aprox.
Nacionalidad: UK
Color

Dirección: Terence Fisher
Guión: Peter Bryan
Fotografía: Jack Asher
Montaje: James Needs y Alfred Cox
Música: James Bernard
Reparto: Peter Cushing, André Morell, Christopher Lee, Maria Landy, David Oxley, Francis De Wolff, Miles Malleson, Ewen Solon, John Le Mesurier, Helen Goss y Sam Kydd

Como no podía ser menos, la Hammer, a la hora de llevar a la gran pantalla la novela de más prestigio de Sir Arthur Conan Doyle, eligió al director y a los actores con los que mejores resultados habían conseguido. Así que Terence Fisher volvió, una vez más, a dirigir las actuaciones de Peter Cushing, como Sherlock Holmes, y a Christopher Lee, como Sir Henry de Baskerville. Este trío, por si solo, ya nos da una buena idea de lo que nos vamos a encontrar. En definitiva se trata de una adaptación sobresaliente aunque, cosa por otro lado habitual en la Hammer, no demasiado fiel al original y que, como principal defecto, hace que se pierdan alguno de los más singulares razonamientos de Holmes, con lo que se pierde un poco de la perspectiva de su genio. En cuanto a la recreación del personaje, el trabajo de Cushing es magnifico y explora el aspecto de su personalidad más frecuentemente olvidado, su irritante (mucho más que en la novela) condescendencia, lo que le convertiría en un personaje antipático de no ser por sus fascinantes dotes deductivas (como claramente se muestra en la primera escena en la que aparece). Por otro lado, la corrección de Morell en el papel de Watson creo que es incontestable y la presencia de Lee hace que el personaje de Sir Henry gane muchos puntos con respecto a la novela. El trabajo de Terence Fisher es, como de habitual, sobrio pero potente y la fotografía consigue crear esa sensación tétrica que debe envolver al páramo.
Como último apunte avisar de que no es muy recomendable ver esta película teniendo la novela muy fresca en la mente, ya que el guión, aunque bueno, no aguanta la comparación con la novela de Conan Doyle.

EN COMPAÑIA DE LOBOS

2007-03-08T13:45:00.000+01:00

Titulo Original: The Company Of Wolves
Año: 1984
Duración: 95 minutos aprox.
Nacionalidad: UK/USA
Color

Dirección: Neil Jordan
Guión: Neil Jordan y Angela Carter
Fotografía: Bryan Loftus
Montaje: Rodney Holland
Música: George Fenton
Reparto: Sarah Patterson, Angela Lansbury, David Werner, Stephen Rea, Micha Bergese, Graham Crowden, Brian Glover, Kathryn Pogson, Georgia Slow, Tusse Silberg y Terence Stamp

A través de un sueño en el que los personajes cuentan y viven historias protagonizadas por hombres lobo, se nos muestran las distintas facetas de estos en el folklore popular. Así podría resumirse En Compañía de Lobos, aunque también se podría decir que la protago- nista, tras venirle su primer periodo, se encierra en su cuarto y libra una lucha personal contra sus miedos inconscientes hacia los hombres, transmutados para la ocasión en licántropos. Plagada de simbología y de personajes arquetipo, esta película es, en definitiva, esto ultimo que se ha dicho. Su estructura compleja, consta de varias historias dentro de un sueño, que consigue mantener el ritmo es todo un logro narrativo y sus efectos especiales, si bien no tan espectaculares como los de Aullidos o Un Hombre Lobo Americano en Londres, son soberbios, destacando la primera de las transformaciones que vemos en pantalla, en la que se deja claro, literalmente, que la piel del hombre esconde un lobo. Su ambientación y vestuario funcionan a la perfección, quedándose tal vez un poco cortos en la escena de la boda del noble. Fotografía, música y montaje casan con el total, aunque, tal vez, la primera se haya quedado algo rancia con el tiempo, aun así, al tratarse de la plasmación de un mundo onírico, el asunto no pasa a mayores.

Solo avisar que los que esperen una película de licántropos al uso, quedaran decepcionados, pues no es terror lo que se van a encontrar aquí, si no un intento, muy logrado, de plasmar el subconsciente humano.

CANDYMAN: EL DOMINIO DE LA MENTE

2007-03-05T20:30:00.000+01:00

Titulo Original: Candyman
Año: 1992
Duración: 93 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Bernard Rose
Guión: Bernard Rose
Fotografía: Anthony B. Richmond
Montaje: Dan Rae
Música: Philip Glass
Reparto: Virginia Madsen, Tony Todd, Xander Berkeley, Vanessa Williems y Kasi Lemmons

Una licenciada esta preparando su tesis sobre leyendas urbanas y se encuentra con que una de ellas, la de Candyman (si dices 5 veces su nombre frente al espejo aparecerá detrás de ti y te matara con su garfio), puede esconder una terrible realidad al descubrir que en una barriada marginal se cree realmente en su existencia y se le atribuyen gran cantidad de asesinatos en la zona.
Partiendo de esta premisa, y de las diversas promociones de esta película, uno espera encontrase con un slasher de corte paranormal donde multitud de universitarios encontraran la muerte al pronunciar el nombre de Candyman a modo de juego, sin embargo, nos encontramos con un discurso bastante más autorreflexivo sobre las leyendas urbanas, entendidas como folklore moderno, de la necesidad de los mitos y de como los fantasmas precisan de la creencia de la gente para existir (esto ultimo a dos niveles, dentro de la historia de terror y en el mundo real, como el poder de la superstición). Todo este discurso es aportación de Clive Barker, autor de la novela original, que en esta ocasión se limita a ser productor ejecutivo dejando que sea otro el que dirija y firme el guión de su criatura. Dado que Barker, aunque eficiente en la creación de atmósferas, no es que destaque precisamente como cineasta, que delegue en Bernard Rose es una buena idea. Así nos encontramos con una película mejor acabada formalmente, pero que a la vez consigue esa sensación onírica y de irrealidad, gracias a la fotografía y la estupenda música de Philip Glass, que inundaba Hellraiser o Razas de Noche. Pese a esto, la cinta no es precisamente redonda, confusa en algunos momentos, algo indefinida en su final y con una estética que nos recuerda que los primeros noventa fueron aun peores para la moda que los 80, amen de la sensación de que la historia daba para mucho más, nos encontramos con un film solo apto, hoy día, para aficionados y cinéfagos, que repelerá a cinéfilos de pro y al publico mayoritario.
Solo un apunte más, y cuidado que es un spoiler, con la muerte de la protagonista y su herencia del poder de Candyman se produce una suerte de justicia social, ya que parece que Candyman solo asesinaba en su barriada marginal y que Helen lo hace en cualquier lugar o, mejor aun, en la zona rica de la ciudad.

NOCHE DE MIEDO

2007-03-04T01:10:00.000+01:00

Titulo Original: Fright Night
Año: 1985
Duración: 105 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Tom Holland
Guión: Tom Holland
Fotografía: Jan Kiesser
Montaje: Kent Beyda
Música: Brad Fiedel
Reparto: William Ragsdale, Amanda Bearse, Chris Sarandon, Roddy McDowall, Jonathan Stark, Stephen Geoffreys, Dorothy Fielding y Art Evans

Un adolescente aficionado a las antiguas películas de terror de vampiros descubre que su nuevo vecino es una de esas criaturas. Como nadie le cree, y su vida está en peligro, pide ayuda a Peter Vincent, antiguo actor de esas películas y presentador de un programa donde se emiten, para acabar con el.
En clave de comedia, Noche de Miedo es de las mejores películas de vampiros de los 80 (ahora solo me viene a la mente otra, Jóvenes Ocultos). También es una de las pocas, ya que, como bien se recuerda en la película, en aquella década el publico estaba más interesado en enmascarados asesinos de jóvenes recién estrenados... Y lo cierto es que supuso toda una renovación del mito en el cine al colocarlo en un ambiente cotidiano, como es una urbani- zación suburbana, y con unos protago- nistas adoles- centes, publico mayoritario en las salas de cine desde finales de los 70 (si bien la presencia de Roddy McDowall facilita la conexión con un publico adulto), y, no menos importante, el lavado, o más bien ensuciado, de cara que hace de los vampiros, sin dejar por ello de presentar al malvado como una figura atractiva, elegante y refinada. Todo esto lo consigue con un guión muy bien traído y con unas interpretaciones que, aunque en algunos casos exageradas, casan muy bien con el homenaje, algo irreverente y desde una posición (injusta) de superioridad, que el film hace de las películas de la Hammer y, posiblemente en mayor medida, de las de Roger Corman. La realización y el montaje son expresivos pero no efectistas y, junto con los efectos de maquillaje y la fotografía, consiguen una película estupenda para revisar tanto por los aficionados al genero, como para cualquier cinéfago que se precie, sin dejar de ser un entretenimiento algo más que digno para cualquier espectador que supere, hoy en día, el prejuicio de acercarse a una película de terror adolescente de mediados de los 80.

UN REPASO A LA FILMOGRAFIA DE JOHN CARPENTER 2: A VUELTAS CON LOS GENEROS

2007-02-22T18:04:00.000+01:00

... Viene de aquí.

Continuamos con el repaso a la filmografía de uno de los padres espirituales de este blog, John Carpenter, y lo hacemos en el mismo año que lo dejamos, 1983.

Tras el fracaso comercial de La Cosa, Carpenter decide arreglar el desaguisado rápida- mente y se decide a adaptar una novela de Stephen King, cosa que había dado muy buenos resultados a los compañeros de profesión que lo habían hecho anteriormente. El resultado fue Christine, una película sobre un coche maléfico que se apodera del alma de su dueño y se dedica a atropellar a quien ose arañar su carrocería. La jugada no tubo éxito, y es que, aunque Carpenter hace un trabajo encomiable, una historia de un coche asesino no da para demasiado en cuanto a cine de terror, más aun cuando el coche es un hermoso clásico como es el Plymouth Fury que protagoniza el film. Aun así la película cuenta con escenas soberbias como la autorreparación que hace Christine o la cómica parodia del susto final ya clásico en las películas de terror desde Carrie, de Bryan De Palma.

Con dos fracasos comerciales a sus espaldas, en 1984 J.C. decide probar suerte con una película muy similar a E.T. pero dirigida a un publico adulto, aquí la relación alien/niño es sustituida por alien/mujer, con sexo incluido. Starman fue un éxito y supuso la nominación al Oscar de Jeff Britches (que con esta película y con Tron merecería descansar en el Olimpo del fantástico). Es ademas una de las rarezas de la filmografía de Carpenter y, pese a que no suele ser de las favoritas de sus seguidores, es todo un ejemplo de cine humanista que aprovecha la ciencia ficción como vehículo para reivindicar valores como la tolerancia, el pacifismo o el afán de conocimiento como pilares esenciales de cualquier sociedad que pretenda considerarse así misma como avanzada.

Dos años después, Carpenter se vuelve a reunir con Kurt Russel en la fabulosa y divertida Golpe en la Pequeña China. En la que se nos cuenta la historia de Jack Burton, casi parodia del antihéroe Carpenteriano antes interpretado por Russel, que lucha contra demonios, monstruos y mafiosos chinos por recuperar su camión. Se trata de una de esas películas que solo pueden entenderse dentro del contexto de los años 80, cuando languidecían los últimos cines de barrio y los cineastas eran aun capaces de tomarse a broma a si mismos. Muchos no la consideraran a día de hoy una buena película precisamente por las mismas razones que a mi, y a muchos de sus partidarios (entre otros los responsables del Mortal Kombat, no lo pueden negar), nos parece, no un film de culto, sino una película a la que de verdad hay que rendir culto por haber contribuido como lo hizo a nuestro imaginario particular. Divertida, pero de verdad.

Ya en 1987, J.C. vuelve al genero de terror con, la que a mi me parece, su película más terrorífica: El Príncipe de las Tinieblas. Es su primera incursión en la demono- logía (y ultima hasta Cigarette Burns) y nos narra nada menos que el adveni- miento del anticristo (no en vano pertenece a la llamada trilogía del Apocalipsis), alrededor de una investigación universitaria en una antigua iglesia asediada por un ejercito de sin techos poseídos y donde veremos entes ectoplasmicos, emisiones televisivas del futuro, portales dimensionales e incluso, si mal no recuerdo, un cadáver reanimado por un breve lapso de tiempo. Muchos la recordaran más por la estelar aparición de Alice Cooper como capitán del ejercito de Homeless que, como los pandilleros de Asalto a la Comisaría del Distrito 13, cumplen la misma función que los zombies de las películas de Romero.

Tras pasar por el terror otra vez, Carpenter decide volver a probar con otra historia de futuro distópoico en la descarada critica del neoliberalismo y el capitalismo del año 88, Están Vivos. Protagonizada por Roddy Piper, uno de los luchadores del Presing Catch de los buenos tiempos, en un personaje que debería haber interpretado Kurt Russel (y no me apeo de ese caballo), esta película nos cuenta que dentro de no muchos años la clase obrera, cada vez más pobre, esta controlada por los medios de comunicación y la policía que defienden el status quo de la clase alta, cada vez más rica, y condicionan el comportamiento de la gente, por medio de mensajes subliminales, para que obedezcan y consuman. Hasta aquí, más o menos, se trata de un documental realista, el elemento fantástico entra en juego gracias a unas gafas de sol que desvelan los mensajes subliminales y que la mayor parte de policías, dirigentes y miembros de la clase alta son en realidad feos extraterrestres. La película, en contra de lo que pueda parecer por lo antes dicho, esta realmente bien, es entretenida y no deja respiro, como ya pasaba con Rescate en N.Y.. Las capacidades de Piper para la lucha coreografiada están muy bien aprovechadas (la pelea en cuestión no es muy realista pero si muy entretenida). El gran pero del film es su final, que resulta acelerado y, como es habitual en Carpenter, tan sobrio y conciso que, en este caso, se queda en insuficiente. Aun así un film nada despreciable para los fanáticos de J.C.

Tras un largo parón de 4 años (estamos en el 92) llega la que tal vez sea la más impersonal de sus películas, Memorias de Un Hombre Invisible. La película, a mayor gloria de Cheavy Chase (que por suerte es el hombre invisible y no hay que verle la cara en la mayor parte del metraje), cuenta con unos estupendos efectos especiales de ILM, entre los que destacan la escena de la lluvia o de la comida, bien dosificados y empleados en el mínimo imprescindible de los casos. La película, que es realmente entretenida y disfrutable, cuenta con la presencia de Daryl Hanna y Sam Neill que se convierten en el punto fuerte de esta, a priori, menos interesante cinta de Carpenter.

Ya en el 93 y junto a Tobe Hooper, Carpenter se mete con un telefilm de capítulos titulado Body Bags, en el que hace homenaje a los cómics de E.C. y a películas como Creepshow interpre- tando a un maestro de ceremonias que presenta las tres historias, que se mueven entre lo correcto, lo cómico y lo tópico y que no tienen mayor transcendencia que la de un producto pensado para el entretenimiento de los que participaron en el, entre los que destacan, en pequeños papeles, Wes Craven, Roger Corman o Sam Raimi.

Continuaremos con la 3 y ultima parte de este articulo dentro de, espero, no mucho tiempo, donde hablaremos de algunas buenas y otras malas películas de uno de los grandes del fantástico y del terror, cuya filmografía ya se extiende, desigualmente, a través de 4 décadas.

Continua aquí...

PICK ME UP

2007-02-21T18:40:00.000+01:00

Titulo Original: Pick Me Up
Año: 2006
Duración: 60 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Larry Cohen
Guión: David Schow
Fotografía: Brian Pearson
Montaje: Marshall Harvey
Música: Nicholas Pike y Jay Chattaway
Reparto: Fairuza Balk, Warren Kole, Michael Moriarty, Laurene Landon, Malcolm Kennard, Tom Pickett, Peter Benson, Kristie Marsden, Michael Eklund, Paul Anthony, Crystal Lowe, Michael Petroni y Mar Andersons

Los dos psicópatas típicos de carretera aislada estadounidense, el autoestopista que mata a quien ose recogerle y el camionero que mata a quien osa hacer dedo, atacan cada uno por su cuenta a los pasajeros desperdigados de un autobús estropeado. Pronto se dan cuenta de la presencia del otro y entran en competición por la ultima superviviente del autobús.
Así, el capitulo 11 de Masters Of Horror nos plantea una vuelta de tuerca más al subgénero de psichokillers, dejando que toda su propuesta se quede en eso y poco más, esperando que la originalidad (no mucha tampoco) de enfrentar a dos psicópatas sea bastante para aguantar toda la trama... Y lo cierto es que funciona, lo hace principalmente por su duración, con la que agota todas las posibilidades del argumento, seguramente, de tratarse de un largometraje normal, la cosa hubiera hecho aguas por todas partes. También juega, de forma algo gruesa, a la referencialidad, un poco como en Scream, pero sin centrase en ello, lo cual no llega a funcionar del todo (tampoco molesta) y se olvida rápidamente. Lo mejor es, sin duda, el cachondeo con el que Larry Cohen nos presenta todo esto, evidenciado en el final (que como se trata del final no desvelare), o la sensación de aislamiento y soledad, tanto de la carretera como del motel, tan bien conseguida, gracias, principalmente, a la fotografía y al marco geográfico escogido.
El balance final es positivo, aunque inferior al de Incident In And Out Of A Mountain Road, que aunque sea por puro entretenimiento, es muy superior (y eso que no es de mis capítulos favoritos). Su principal fallo: No haber aprovechado la capacidad perturbadora, en el sentido que el lector prefiera, de Fairuza Balk.

TEMBLORES

2007-02-20T18:22:00.000+01:00

Titulo Original: Tremors
Año: 1989
Duración: 93 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Ron Underwood
Guión: S.S. Wilson y Brent Maddock
Fotografía: Alexander Gruszynski
Montaje: O. Nicholas Brown
Música: Ernest Troost
Reparto: Kevin Bacon, Fred Ward, Finn Carter, Michael Gross, Reba McEntire, Tony Genaro y Victor Wong

El mismo día en que los dos chapuzas oficiales de pueblo deciden abandonar el valle de Perfection para probar suerte en la ciudad, una serie de extrañas muertes se lo impiden. Y es que el valle esta siendo atacado por unas voraces criaturas subterráneas de origen desconocido.
Temblores es una serie b de esas que acabaron por desaparecer de los cines durante los 90 (sigue habiendo series b en el cine, pero el espíritu ya no es el mismo), de esas que, sin ser buenas películas ni pretenderlo, gozan de una dignidad y de un sentido del entretenimiento que las convierten en dignas del aprecio de cinéfagos varios. Inspirada más que vagamente en los gusanos de especia de Dune, con referencias formales (casi cómicas) y argumentales a Tiburón y más de un homenaje, puramente estético, al western, queda clara su vocación referencial, aunque este no sea, ni de lejos su mayor punto fuerte. La realización es correcta pero el pulso narrativo se resiente de vez en cuando, los efectos no son malos para el film del que se trata, la fotografía retrata muy bien el ambiente del desierto sin ningún alarde y el guión es eficaz e incluye momentos que son auténticos hallazgos, como la escena de las pértigas. Pero es en el apartado de los personajes, y más aun de los actores, donde, pese a que la mayor parte de ellos son sosos e incluso ridículos, tiene su mayor punto fuerte: Y es que el dúo protagonista, con los personajes mejor definidos y las actuaciones de Fred Ward, y sobre todo, Kevin Bacon, elevan el nivel de la cinta con solo aparecer en pantalla. Partiendo de que yo soy de la opinión de que el que tenia que haberse llevado el Oscar por Mystic River era Kevin Bacon (no, ni siquiera estaba nominado) y no sus compañeros de reparto, a lo mejor estoy desbarrando, pero es que el estilo de este chico me encanta (de hecho creo que incluso engrandece con su presencia ese bodrio de incomprensible éxito que es Viernes 13) y, de verdad, creo que suma puntos, con un personaje heroico, algo tontorrón, pero sobre todo, "buena gente".
Por cierto, el éxito relativo de publico y critica ha propiciado dos secuelas, una precuela en plan Western y una serie de televisión, solo por esto merece tenerla en cuenta.

JÓVENES OCULTOS

2007-02-16T12:28:00.000+01:00

Titulo original: The Lost Boys
Año: 1987
Duración: 97 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Joel Schumacher
Guión: Jeffrey Boam, Janice Fischer y James Jeremias
Fotografía: Michael Chapman
Música: Thomas Newman
Reparto: Jason Patric, Corey Haim, Kiefer Sutherland, Dianne Wiest, Barnard Hughes, Edward Herrmann, Jami Gertz, Corey Feldman, Billy Wirth, Jamison Newlander, Brooke McCarter, Alex Winter y Chance Michael Corbitt

Tras su divorcio, y estando en condiciones económicas precarias, una mujer se traslada con sus dos hijos a Santa Carla (conocida por algunos de sus habitantes como la capital mundial del crimen) a vivir con el abuelo, taxidermista para más señas, de estos. Pronto el hijo mayor frecuentara malas compañías, ¿drogadictos? ¡No! Vampiros. Su hermano menor, junto con dos freakys aprendices de Peter Cushing, hará lo imposible por salvarle y deshacerse de los vampiros.
Jóvenes Ocultos es, sin muchas dudas al respecto, la mejor película de Joel Schuma- cher: Divertida, entretenida, de una realización estupenda, aunque efectista y videoclipera (ojo, videoclipera de los 80 estilo Guns 'n' Roses), y, sobre todo, con un estupendo guión, que unido a la presencia de autenticas estrellas juveniles de la época y una estética de lo más apropiada, la convierten en una película a tener muy en cuenta.
Además de esto, que ya es bastante, Jóvenes Ocultos esconde, no mucho, una metáfora sobre la juventud, que aquí es más actual y comprensible hoy que en su época, y el peligro que conlleva la falta de expectativas... Sin extenderme más me remito al titulo original The Lost Boys, que equivale a los niños perdidos de Peter Pan, con el que los cineastas nos dan parte de las claves de esta metáfora, los vampiros, como los niños perdidos, son jóvenes que no quieren crecer y prefieren abandonarse a un eterno hedonismo, pero no penséis que la película es un ataque a la juventud, ni nada por el estilo... No continuo por no caer en spoilers de campeonato, solo decir que, junto con otras cosas, los últimos planos dedicados a Kiefer Sutherland son muy elocuentes a este respecto, así como la afirmación, nada gratuita, de que en la ciudad es fácil encontrar un trabajo siempre que no sea legal.
Uno de los mejores ejemplos de buen cine de terror adolescente.

LA SERPIENTE Y EL ARCO IRIS

2007-02-13T13:23:00.000+01:00

Titulo Original: The Serpent And The Rainbow
Año: 1987
Duración: 98 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Wes Craven
Guión: Richard Maxwell, A.R. Simoun y Wes Craven (no acreditado)
Fotografía: John Lindley
Montaje: Glenn Farr
Música: Brad Fiedel
Reparto: Bill Pullman, Cathy Tyson, Zakes Mokae, Paul Winfield, Michael Gough y Brent Jennings

La Serpiente y el Arco Iris es, como todo buen acercamiento realista a un tema normal- mente fantástico, una película extraña. Cuenta la historia (real en un porcentaje importante) de Wade Davis, un antropólogo que viaja a Haití en busca del, en principio, mítico polvo zombie por encargo de una compañía farmacéutica que cree poder utilizarlo como anestésico revolucionario. Su búsqueda, en un país al borde de la revolución, no esta carente de peligros y le llevara, incluso, a ser víctima de los mágicos polvos.
La principal característica, a veces virtud y otras defecto, de la cinta es su tono marcadamente realista, cuando no documental, que acompaña de una sobria realización, que no llega a abandonar ni en las recurrentes escenas oníricas ni, cuando al final, decide optar por el fantástico (aunque se pueda interpretar las escenas finales como una batalla desarrollada en la mente del protagonista). Este realismo es una buena forma de suspender la incredulidad del espectador, máxime cuando se nos avisa al principio que el film esta basado en hechos reales, y funciona en la gran mayoría del metraje pero en, las ya mencio- nadas escenas finales cuando Craven opta por el fantástico, no resulta tan eficaz y el final lastra la película. Aun así, si uno entra en la lógica de las ultimas escenas y las encaja como mezcla de realidad y alucinación, el resultado será plenamente satisfactorio, aunque muy arriesgado por parte de Craven.
Dentro de las mayores bondades de esta olvidada película nos encontramos con las secuencias oníricas, la del ataúd llenándose de sangre se lleva la palma, que nos recuerdan que estamos tratando con el director de Pesadilla en Elm Street y que hacen de nexo de unión de este film con el resto de su carrera. Interesante como pocas, y todo un soplo de aire fresco dentro del genero ochentero, plagado de slashers y monstruos antropófagos.

GINGER SNAPS 2: LOS MALDITOS

2007-02-12T15:57:00.000+01:00

Titulo Original: Ginger Snaps 2: Unleashed
Año: 2004
Duración: 94 minutos aprox.
Nacionalidad: Canada
Color

Dirección: Brett C. Sullivan
Guión: Megan Martin
Montaje: Michele Conroy
Música: Kurt Swinghammer
Reparto: Emily Perkins, Tatiana Maslany, Eric Johnson, Janet Kidder, Pascale Hutton, Brendam Fletcher, Patricia Idlette, Katharine Isabelle y Jack Mackinnon

La primera secuela de Ginger Snaps toma, en principio, el ya habitual escenario de un hospital o, en este caso, centro de desin- toxicación donde la super- viviente del anterior film esta encerrada por error al producirse un equivoco con su problema real y la adicción a las drogas. La diferencia es que en este caso el hospital es abandonado mediado el metraje, que lejos de ganar en originalidad, rompe la estructura narrativa de la historia. Lo cierto es que hubiera podido empezar con la fuga y no con la captura y la película hubiera contado lo mismo, salvo que tal vez mejor. Salvo este y otros problemas de estructura de guión, el final llega muy tarde y es muy acelerado (ademas de ser más propio de un capitulo de Más Allá del Limite que de una película), Ginger Snaps 2 es un correcto film de serie B cuyo principal problema reside en no estar a la altura del original... Y es que no es muy habitual encontrar películas de terror adolescente tan frescas, acidas, criticas y, por que no decirlo, buenas como la primera Ginger Snaps.
Obviando comparaciones, se trata de una película de una corrección formal ejemplar, no en vano el director fue antes montador (de hecho se trata del montador de Ginger Snaps), capaz de asustar cuando se lo propone (lastima que no sea muy a menudo) y con capacidad de entretener más que sobrada. Ademas se aprovecha para mejorar los efectos de maquillaje y el disfraz de licántropo, dos puntos en los que flojeaba la primera parte, aunque sigan sin ser del todo convincentes.
En definitiva, se trata de una película que se deja ver sin complejos pero que lo hace desde la sombra que proyecta su primera parte que no puedo evitar volver a recomendar desde aquí.

CRITTERS

2007-02-05T15:55:00.000+01:00

Titulo Original: Critters
Año: 1986
Duración: 86 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Stephen Herek
Guión: Stephen Herek, Don Opper y Dominic Muir
Montaje: Larry Bock
Fotografía: Tim Suhrstedt
Música: David Newman
Reparto: Billy Green Bush, Don Opper, Scott Grimes, Dee Wallace-Stone, Nadine Van Der Velde, Terrence Mann, M. Emmet Walsh, Billy Zane, Ethan Phillips y Lin Shaye

Critters es la respuesta de la serie B al éxito de la producción de Spielberg, Gremlims, y el resultado es una película de terror de sobremesa. Se trata de la historia de una familia asediada en su granja aislada por unos alienígenas gamberros y caníbales, cuya única esperanza son dos cazarecompensas espaciales más destructivos que resolutivos.
Critters es una de esas series B de terror dirigidas al publico más joven, el mismo publico que el de los cómics de E.C., como Historias de la Cripta, lo cual nos permite aventurar que nos vamos a encontrar en la película. Desde el protagonismo de un Daniel el travieso, los voraces Critters subtitulados sin necesidad (aun así de lo más cómico y divertido), ausencia de vísceras y escasas muertes, cachondeo sanote y algo de suspense aderezado con algún susto, rebajado con el humor que aporta la búsqueda realizada por los Caza Critters. En los aspectos puramente cinematográficos, lo cierto es que no resalta particularmente en nada, ni siquiera por una corrección clásica, no se puede hablar aquí de una planificación sobria o clásica pero eficaz, sino de una dirección correcta sin más. En lo que se refiere al plantel actoral destaca Dee Wallace-Stone, más por ser rostro conocido del publico por sus apariciones en Cujo, Aullidos o E.T. que su interpretación de madre histérica pero con buena puntería con la escopeta. Con todo, y sin ser una maravilla, el film es resultón, eficaz y, en cierta medida, entrañable, que ademas conoció dos secuelas bastante dignas y otra más que no lo fue tanto.

DRACULA, PRINCIPE DE LAS TINIEBLAS

2007-02-01T20:23:00.000+01:00

Titulo original: Dracula, Prince Of Darkness
Año: 1965
Duración: 87 minutos aprox.
Nacionalidad: UK
Color

Dirección: Terence Fisher
Guión: Jimmy Sangster y Anthony Hinds (como John Sansom)
Fotografía: Michael Reed
Montaje: Chris Barnes
Música: James Bernard
Reparto: Christopher Lee, Barbara Shelley, Andrew Keir, Francis Matthews, Suzan Farmer, Charles Tingwell, Philip Latham y Thorley Walters

Esta tardía secuela del mítico Dracula de la Hammer Films parte del final de la primera parte, obviado la estupenda Las Novias de Dracula, y relata la resurrección del infame vampiro gracias a un sacrificio humano y como un ingles, en compañía de un fraile, se encargara de destruirlo de nuevo.
Pese a no estar al mismo nivel que el gran clásico, sigue siendo una película sobre- saliente, en la que se ve en todo momento la marca del genio. Y es que la marca de Fisher es clara y onda, destacando una sobria planificación, donde escasean los primeros planos y vemos a los protagonistas siempre abrumados por el entorno, engullidos por el escenario. Y, aunque, como ya he dicho, se trata de una película menos redonda, si que profundiza más en los elementos propios del mito vampírico tal y como lo planteo en los anteriores films. El vampiro como un depredador, libre de las ataduras morales (en concreto el sexo, explicitado el el personaje de la cuñada del caballero ingles) y más animal que hombre (en esta ocasión Dracula no llega a articular palabra). No solo eso, también introduce elementos no empleados anteriormente, el mejor ejemplo es el de la ceremonia de resurrección, con sacrificio humano, clara referencia a la llamada magia póstuma (con la que en teoría uno puede llegar a convertirse en vampiro y que representa el reverso de la alquimia y su búsqueda de la piedra filosofal), la cual sería revisitada en otras ocasiones como en Los Ritos Satánicos de Dracula. Aunque si por una razón es especial esta película, es por la vuelta de Christopher Lee al personaje, que desde ese momento interpretaria en múltiples ocasiones, aunque se eche de menos, y mucho, a Peter Cushing, con quien, por suerte, si coincidiría muchas veces en el futuro.
De las buenas de la Hammer, revisarla si podéis.

THE KINGDOM

2007-01-27T16:21:00.000+01:00

Titulo Original: Riget
Año: 1994/1997
Duración: 8 capitulos de 90 minutos aprox.
Nacionalidad: Dinamarca
Color

Dirección: Lars Von Tryer y Morten Arfrend
Guión: Tómas Gislason, Lars Von Tryer y Niels Vørsel
Reparto: Ernst-Hugo Järegård, Kirsten Rilffes, Holger Juul Hansen, Søren Pilmark, Ghita Nørby, Jens Okking, Otto Brandenburg, Anneving Schelde Ebbe, Baard Owe, Brigitte Raaberg, Peter Mygind, Vita Jensen, Morten Rotne Leffers, Solbjørg Højefeldt y Udo Kier

Ambientada en el hospital más prestigioso de Dinamarca, The Kingdom, es uno de los trabajos más interesantes de su director, Lars Von Tryer. Dejando de lado parte de su grandilocuencia habitual, en la primera parte de la serie nos relata una clásica historia de fantasmas y, aprovechando el formato serie, se permite elaborar una buena cantidad de subtramas que darán pie a una segunda parte cuando la historia principal ya este resuelta. Es a través de estas subtramas donde vemos el día a día del hospital y donde encontraremos las constantes del cine del director danés, todo ello aderezado con un, tal vez extraño o tal vez nórdico, sentido del humor que, mezclado con el terror, recuerda a la mítica Twin Peaks de Lynch.
El apartado formal juega un papel importante en la serie, como no podía ser de otra forma tratandose de un trabajo de uno de los padres del cine Dogma. La estética documental del día día del hospital, subrayada con la cámara al hombro, numerosos jump cuts (cortes bruscos dentro de una misma acción) y una crudeza aséptica en las intervenciones quirúrgicas, contrastan con el estatismo y la dilatación de las secuencias de terror. Todo ello, ademas, virado perpetuamente a un tono entre rojo y amarillo, que consigue mostrar la decadencia interna del propio hospital, que en la segunda parte será comparado con un animal herido.
Por otro lado, destacan los discursos del propio Von Tryer al acabar cada episodio, donde hace reflexiones sobre lo ocurrido en el capitulo y nos invita a ver el siguiente (incluso en el ultimo) convirtiendose en una constante inevitable de la serie como los "escoria danesa" del personaje que interpreta Järegård. En lo negativo esta lo irresoluto de algunas tramas, que quedan en suspenso en momentos críticos a la espera de una tercera temporada que nunca llego, y que ya es imposible que vuelva. Con todo, el final puede interpretarse como un colapso total si se prefiere, en lugar de uno momentáneo, e imaginar que todo acaba con muerte y destrucción, al menos en este caso se nos permite esto (y es que de nuevo me estoy acordando del final de Twin Peaks).

UN REPASO A LA FILMOGRAFIA DE JOHN CARPENTER 1: ASCENSO AL MAINSTREAM

2007-01-24T14:07:00.000+01:00

Esta primera parte del articulo sobre la filmografía de John Carpenter pretende ser el primero de una serie de artículos relacionados con el genero de terror, añadiendo un poco más de variedad a este blog que por el momento solo ha publicado reseñas de películas y de alguna novela.

La filmografía oficial de Carpenter, de adolescente rodó varios cortometrajes, se inicia con La Resurrección de Bronco Billy, por el que, con solo 22 años, gano el Oscar al mejor corto- metraje de ficción en la edición de 1970, lamenta- blemente no he podido hacerme con una copia de este corto paras poder comentarlo. De todas formas, este galardón le animo a encararse con su primer largometraje en compañía de Dann O’Bannon y en 1974 aparecería por fin la que en palabras de Dann “paso de ser la mejor película de unos estudiantes a la peor película profesional”, y es que el proyecto universitario iba tan bien que consiguieron aumentar el presupuesto y que algún incauto la distribuyera en salas y así Dark Star vio la luz. La película en si tiene más valor por ser la base argumental desde la que luego O’Bannon escribiría el guión de Alien, el 8º Pasajero que por cualquier otra cosa, aunque cuenta con momentos realmente perturbadores como cuando aparece una pelota de playa (¿como alguien podía pensar que eso podría colar como alienigena?).

Poco después aparecería el primer film de Carpenter propiamente dicho, con el que entraría por derecho en los circuitos del buen cine de serie B. Asalto a la Comisaría del Distrito 13 vio la luz en 1976 causando sensación en un festival de Londres repleto de saldos. Mil veces se ha dicho que se trata de un remake de Río Bravo (Carpenter nunca lo a negado y de hecho el seudónimo que emplea como montador, firmar eso con su nombre ademas de la dirección, el guión y la música hubiera sido demasiado, John T. Chance es el del protagonista de el film de Hawks) y de La Noche de los Muertos Vivientes. Con todo ello el cambio de escenario resulta muy efectivo, y el tratamiento de los asaltantes que hace Carpenter emparenta la película con el fantástico y el terror sin serlo, anunciando lo que vendrá después... Sin olvidar a Napoleon Wilson, antecedente de Snake Plissken y de todos los personajes que interpretaría Kurt Russell en sus películas. Pero si algo quedara en la mente de los espectadores viendo la película, y que es toda una declaración de intenciones por parte de un joven cineasta, es la mítica escena del Vainilla Especial (quien la haya visto sabe a lo que me refiero y por que no doy más datos). El reciente remake es una constatación de que el presupuesto no puede sustituir al talento o al compromiso estético, si bien es una película de acción perfectamente correcta dentro de los cánones actuales, no aguanta las comparaciones con la que es una de las mejores muestras de cine independiente de genero de los años 70.

El éxito de Asalto a la Comisaría del Distrito 13 permitió a Carpenter contar con un presupuesto menos ajustado para su siguiente film, probablemente el de mayor éxito e influencia de su carrera, y así en 1978 nos encontramos con la imprescindible Halloween. Tomando como referencia el Gialo italiano así como clásicos de la talla de Psicosis o La Matanza de Texas, ademas de otras series B como Black Christmas (está ultima la se de oídas, cosa que prometo solventar más pronto que tarde), Carpenter crea un psichokiller nato, más que enmascarado, sin rostro, voyeur y de capacidades casi fantasmagóricas (no en balde se refieren a el como La Forma). Michel Myers es el genuino psicópata que sienta las bases definitivas del slasher ochentero, también del posterior, y muchas de las constantes del subgénero, no digo todas ya que aquí no se juega a equívocos sobre quien es el asesino, también aparecen es esta cinta, desde el empleo de la cámara subjetiva, el leitmotiv machacón, el asesinato visto como catarsis, la relación entre sexo y muerte... El uso del encuadre y su auto consciencia genérica, lo de Jamie Lee Curtis no es casual, son dos de sus bazas principales, así como la tensión generada por la expectación, la banda sonora, el montaje y la atmósfera onírica la convirtieron en lo que sin duda es, un gran clásico que no solo posibilito una interminable saga, si no también toda una legión de imitaciones (y un próximo remake precuela). Y volviendo a hacer una de esas cosas que se tienen prohibidas, en este caso la regla de no matar animales que se salta como hacía con la de mayor rango en su film anterior.

Tras Halloween vinieron dos telefilmes, Someone’s Watching... y Elvis, este ultimo le reporto un gran éxito y se convirtió en la primera colaboración con Kurt Russell, rescatado de su condición de estrella infantil de la Disney. Como no las he visto, no puedo comentarlas, así que me perdonareis si paso directamente a la que es su primera película en la que se ha querido ver cierta influencia Lovecraftiana (afirmación no carente de razón). Se trata de La Niebla, es el año 79 y Carpenter se nos planta con un cuento de fantasmas corpóreos al más puro estilo clásico, cambiando totalmente de registro respecto a su anterior película. Se trata de una de esas historias en el que el pasado vuelve para morderte el culo, y es que la celebración del centenario de una ciudad fundada en el crimen puede cabrear incluso a los fenómenos meteorológicos. Sugestiva y aterradora, pero con un pequeño defecto, vemos a los fantasmas muy, muy pronto... Y es que Carpenter se plegó a las exigencias del publico de los pases previos, perdiendo misterio en favor de sangre. No me mal interpretéis, el resultado es bueno, pero intuyo que de la otra manera, fuera de modas, hubiera sido mejor. Repite como protagonista Jamie Lee Curtis, convertida ya en autentica Scream Queen (la mejor como dice Randy en Scream), aunque decir protagonista puede ser un poco exagerado, ya que se trata de una autentica película coral, algo muy acertado dadas las características de la amenaza. Una advertencia, huid del remake como los protagonistas huyen de la niebla, aparte de ser una acumulación de tópicos el final es absolutamente ridículo, de hecho, aparte de la dedicatoria a Debra Hill (fallecida ese mismo año), debería ser borrada del mapa.

Tras dos éxitos en el genero de terror, uno de ellos revolucionario, J.C. vuelve al cine de acción con la, inevitablemente envejecida desde el mismísimo titulo, 1997, Rescate en Nueva York, protagonizada por Kurt Russell como Snake Plissken, ex militar y ladrón de bancos reclutado a su pesar para rescatar al presidente (¿de que? Los USA) que se ha estrellado en la isla de Manhattan, convertida en una macroprisión donde se destierra a los criminales del país. Acida y contracultural, se trata de la puesta de largo del héroe o, más bien, antihéroe Carpenteriano, heredero directo del forajido o cazarrecompensas del Western, que lucha por su vida contra el mundo, capaz de coaccionar a sus aliados y de sabotear el discurso presidencial a modo de satisfacción por la situación en la que le han colocado. La acción es incesante en la película, dando pie a un ritmo frenético, bien subrayado por un sobresaliente montaje y el tema principal de la banda sonora. Sin duda una película a revisar (como hizo el propio Carpenter con la secuela/remake/parodia 2013, Rescate en L.A..)

Con esto llegamos al año 1983 y la que es considerada por muchos su mejor película, La Cosa, que se disputa el puesto con Halloween y En la Boca del Miedo. La historia de este remake, de El Enigma de Otro Mundo, se remonta a finales de los 70 y a un Dino De Laurentiis impresionado por el éxito de La Guerra de las Galaxia y de Alien, el 8º Pasajero, que quiere sumarse al pastel del nuevo genero de moda, y quiere hacerlo a lo grande, con dos películas, cada una tocando una de las posibilidades que los dos éxitos de la Fox habían abierto. Por un lado fue Dune, con el peligroso de cara a la taquilla David Lynch, un titulo que hubiera permitido una larguísima saga y por el otro una Monster Movie que, aun no desarrollandose en el espacio, guardaba parentescos claros con el film de Scott. A De Laurentiis la jugada le salió rana, no cosecho los frutos esperados y no creo que el haber producido dos clásicos del genero le quite el picor de bolsillo que le debió quedar con dos fiascos comerciales seguidos. En el caso de Dune es bastante comprensible, la película precisa de unas buenas tragaderas por parte del espectador, pero con La Cosa, el asunto no esta tan claro, si un director de serie B es capaz de llamar la atención del gran publico y al tratar con un presupuesto mayor no la caga haciendo algo farragoso, de hecho en este caso es justo lo contrario, lo dividendos deberían ser cuando menos razonables (a día de hoy, con el tiempo, puede que sean impresionantes), pero entonces no fue así. Queda claro que factores influyeron en esto, pese a que tampoco expliquen que así fuera, el primero se trata de un final algo deprimente para el publico y el otro, no por peregrino menos real, la convivencia con el adorable E.T. de Spielberg pudo perjudicar la aceptación de un hijo de puta espacial. Sea como sea, la película que debería haber sido la consagración de Carpenter como director comercial, con banda sonora de Morricone incluida, fue justo lo contrario.

Habría un par de intentos más por su parte con Christine y Starman, que tampoco resultarían, antes de volver a la serie B donde volvería a ganarse el favor de su publico de siempre. Pero eso es otra historia, o la misma, pero pertenece a la segunda parte de este articulo, que espero caiga por aquí en unas semanas, que no es plan de aburrir con un post enciclopédico...

Continua aquí...

LAS COLINAS TIENEN OJOS (2006)

2007-01-23T17:29:00.000+01:00

Titulo Original: The Hills Have Eyes
Año: 2006
Duración: 107 minutos aprox.
Nacionalidad: USA
Color

Dirección: Alexandre Aja
Guión: Alexandre Aja y Grégory Levasseur
Fotografía: Maxime Alexandre
Montaje: Baxter
Música: Tamandandy
Reparto: Aaron Standford, Kathleen Quinlan, Vinessa Shaw, Emilie De Ravin, Dan Vyrd, Robert Joy, Ted Levine, Tom Bower y Laura Ortiz

Cuando supe que se había hecho un remake del clásico de Craven Las Colinas Tienen Ojos, esperaba, como muchos otros, supongo, un desastre. Ni siquiera los elogios por parte de blogeros (a los críticos profesionales es que ni caso les hago) me impulsaron a ir al cine a verla, ya que muchos de ellos consideraban pasable el remake de La Matanza de Texas y no confíe en su criterio. Lo que me perdí y lo que he ganado. Me perdí ver en el cine una de las mejores películas de terror de los últimos años, tal vez la mejor del 2006 (así opina Hombre Lobo en su blog y puede que tenga razón). Por otro lado he ganado una lección de humildad que me apunto y me quito de encima el prejuicio hacía la remesa de remakes que nos acecha en el genero. Bueno, resumiendo, me toco verla en 29 pulgadas por idiota y prepotente. (Por favor, no hagáis mucho escarnio de esta confesión).
La película cuenta con muchas bondades, la primera es lo fiel que es al original donde el original esta vigente. La segunda es como resuelve mejor el primer acto, el por qué están en el desierto y por qué acaban a merced de los mutantes. Los mutantes serían la tercera, y es que lo que me parecía a priori un añadido superfluo que probablemente lastrara la historia, lo que consigue es dotarla de mayor credibilidad y de unas imágenes poderosas, como son el cementerio de coches en el cráter o el pueblo con los maniquíes. Una más sería la realización sin efectos videocliperos, pero con reservas de un par de planos que si cojean por ahí, como el del descubrimiento del padre de familia crucificado y en llamas. Aunque de sobrar algo, a mi me sobra la escena anterior a los títulos de crédito, aunque entiendo por que está ahí, hay que captar la atención de los chavales con un par de muertos para que no se duerman con el genérico y los veinte minutos de exposición de personajes y de preparativos para el ataque nocturno. Ataque, que lejos de suavizarse, es, si cabe, más crudo que el del film original, y que marca con suficiente contundencia la división en dos actos de la película, que a partir de ahí se convierte en la búsqueda que el protagonista hace de su hija, adentrandose en la boca del lobo, donde tendremos tensión, peleas y algún momento sangriento (nada tan crudo como la escena de la caravana, todo sea dicho). Algunos críticos han querido ver esto como una postura a favor de las armas y la respuesta violenta (un pacifista que va con un bate a matar a los mutantes que mataron a su esposa, suegra, suegro, violaron a su cuñada y secuestraron a su hija), a parte de lo erróneo que a mi me parece esa interpretación, de hecho creo que los tiros van en la dirección opuesta (personalmente creo que el personaje no busca venganza, si no recuperar a su hija, y prueba de ello es que no mata al mutante de la silla de ruedas), lo que me resulta desconcertante es que esos mismos críticos consideran mala la película, frente a otros que piensan que supera la versión de Craven. Creo que aquí ocurre lo mismo que con El Laberinto del Fauno, solo que al revés, y es que la critica “progre” peca muchas veces de lo mismo que la “dere- chona”, valorar las películas por su posicionamiento político, posicionamiento muchas veces irrelevante o existente solo en la mente del critico, cosa que como principio es una absoluta obscenidad, puede haber excepciones, claro está, pero lo indignante es esa clara tendencia en la critica, por no hablar de aquellos que critican las películas, no por como estén hechas, si no por que se hayan decidido hacer de una forma determinada, llegando a extremos de criticar una película por tratar un tema determinado y no otro. Y no sigo, que me alargo y esto era una reseña de Las Colinas Tienen Ojos de Aja, que recomiendo veáis si no lo habéis hecho ya, no seáis tan primos como yo.